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Durant la première moitié du XXᵉ siècle, divers mouvements d’avant-garde occidentaux sont introduits au Japon et s’y développent dans un court intervalle de temps, menant à des unions difficilement concevables dans une perspective européenne. Cette caractéristique est flagrante dans le cas du surréalisme japonais, objet culturel synthétique. Durant les années 1930, les pressions croissantes sur les artistes et intellectuels achèvent de lui donner une coloration singulière. Comme de nombreux peintres japonais, Kitawaki Noboru (1901-1951) s’intéresse au surréalisme, mais il va rapidement s’éloigner du modèle occidental pour entamer une exploration artistique singulière au travers de ses « peintures schématiques », qui visent à construire le modèle d’une réalité qui semble échapper à tout cadre et, partant, à toute tentative de compréhension, et ainsi rendre à l’homme la place qui doit y être la sienne. Les tentatives de Kitawaki qui se nourrissent des domaines les plus divers, sans véritable limitation temporelle, géographique, ni disciplinaire, évoquent le travail des peintres-savants de la Renaissance. Indissociable du contexte, sa production ne saurait être perçue de manière uniquement conjoncturelle. L’analyse de plusieurs de ses écrits et de ses œuvres, ainsi que des schémas aussi bien théoriques que pratiques qu’il développe (notamment la question du vide pictural) renseignent sur le but poursuivi par le peintre qui, à rebours des standards, s’intéresse tout autant au fond qu’aux motifs de ses toiles, et plus encore qu’aux éléments eux-mêmes à la manière de les combiner.

During the first half of the 20th century, several European avant-garde movements were introduced in Japan, where they grew within a short period of time, sometimes intermingling, which was quite inconceivable from an Occidental perspective. This characteristic was obvious in the case of Japanese surrealism, a synthetic cultural object. During the 1930s, the increasing pressure on artists and intellectuals gave it an even more singular dimension. Like many Japanese painters, Kitawaki Noboru (1901-1951) was interested in surrealism, but he quickly moved away from the Western model to begin a singular artistic exploration through his "Schematic Paintings", with which he aimed to construct a model of reality that appeared less and less ordered in a time of trouble and which consequently could no longer be understood. In this way he aimed to give back to man the place that should be his. Kitawaki’s attempts to draw inspiration from the most diverse fields, without any real temporal, geographical or disciplinary limitations, evoke the work of Renaissance polymath artists. His production, while inseparable from the context, cannot be perceived only in relation to historical events. The in-depth analysis of several of his writings and works, as well as the theoretical and practical schemas he developed (notably the question of the pictorial void) provide information on the painter's aim, which—in contrast to standards—was as much concerned with the…

Advisors/Committee Members: Lucken, Michael (thesis director).

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La thèse Hybridations entre cirque et théâtre au début du XXe siècle en France sepropose de réfléchir au rapport entre spectacle circassien et théâtre à l’époque del’épanouissement des avant-gardes historiques en France, de repérer et d’analyser lespoints de contact entre ces deux genres artistiques. Le choix de focaliser notre attentionsur le théâtre est dû aussi au fait que celui-ci, parmi les genres littéraires, a notammentreprésenté pour les avant-gardes un lieu physique et idéal d’expérimentation formelle,performative et actorielle, ce qui en fait un terrain particulièrement fécond en matière decontamination avec les autres arts et notamment avec le cirque. En général, les piècescomposées dans le cadre des expérimentations du début du siècle permettent deremarquer une certaine influence du spectacle forain, du point de vue de la performanceet de la structure langagière et formelle. Le cirque souvent au centre de ces pièces estprésenté avec des traits grotesques qui déforment la réalité et provoquent la sensibilitédes spectateurs. L’hypothèse critique qui régit notre recherche repose sur l’idée que lesavant-gardes historiques notamment au théâtre ont puisé dans le vaste réservoir ducirque, pour renforcer le côté spectaculaire, performatif de leur projet de renouvellementet de provocation. Dans ce contexte le cirque va jouer donc une fonction privilégiée deporte-parole d’un message expérimental et de nouvelles techniques expressives,corporelles et de mise en scène.

My thesis Hybridations entre cirque et théâtre au début du XXe siècle en Franceaims to investigate the intersections and the similarities between circus shows andtheatre performances, following the development of the historical avant-gardemovements in France. As is well known, theatre has always been a literary genre opento formal, performative and actorial experimentation – both physically and ideally. Thatis why it is a very rich source of contaminations with all of the arts, especially circus. Ingeneral, several plays written during the experimental period at the beginning of thecentury show the strong influence of circus artistic expression, in both theirperformances and their linguistic and formal structures. In fact, circus is often at theheart of these plays, distorting reality and shocking the audience because of its moregrotesque sides. My critical hypothesis is that the historical avant-garde movements takeadvantage of the various circus experiences to make their theatre stronger, from ascenographic and performative point of view, and to develop their innovative andprovocative projects. In this context, theatre becomes the actual vehicle for anexperimental message, conveying new expressive, corporal and staging techniques.

Advisors/Committee Members: Thérenty, Marie-Ève (thesis director), Bruera, Franca (thesis director).

▼ Alain Jouffroy (1928-2015) vient à l’écriture poétique en 1948, encouragé par sa rencontre avec André Breton et sa brève appartenance au mouvement surréaliste. Rapidement exclu, il conserve de cette expérience une méfiance à l’égard de tout esprit de chapelle et une confiance inébranlable en la langue et en sa capacité à exprimer les innombrables modalités d’être-au-monde de l’individu libre. Il diversifie rapidement ses pratiques d’écriture et publie recueils de poèmes, romans, essais et de nombreux articles sur les artistes avant-gardistes. Touche-à-touche, Jouffroy traverse les périodes esthétique et politique du milieu intellectuel parisien des années cinquante aux années quatre-vingt-dix. Fondateur de la revue Opus international, directeur de la revue XXe siècle, il est un observateur insatiable des remous de la société française : restructuration à la Libération, espoirs révolutionnaires déçus de Mai 68, marchandisation galopante de la création. Témoin de l’irrésistible ascension de la société du spectacle, il défend des artistes qui peinent à trouver leur place – du moins au début de leur carrière : les Affichistes, les Objecteurs, les Nouveaux réalistes... – et les poètes restés dans l’ombre – Stanislas Rodanski, Jean-Pierre Duprey. Il s’intéresse à tous ceux qui, comme lui, ont fait de la marge leur territoire. Dans le même temps, il échange avec les grandes figures d’Aragon, Michaux et Sollers. Son regard s’aiguise de sa curiosité pour l’ailleurs et de ses nombreux voyages. Il promeut les peintres surréalistes d’Amérique du Sud et d’Europe de l’Est, les poètes de la Beat generation, ceux du Moyen-Orient. Parallèlement, au gré de ses ruptures et réconciliations avec André Breton, il se veut l’héritier de ce dernier et le promoteur d’un surréalisme toujours vivace parce que conçu comme une éthique de la réceptivité. Conseiller culturel de l’ambassade de France à Tokyo entre 1982 et 1985, il parfait sa connaissance du bouddhisme zen et fait l’expérience d’un douloureux déracinement langagier. De retour en France, dans une période de morosité ambiante où les médias clament la mort de la poésie, il réalise de petites sculptures d’objets trouvés qu’il nomme assemblages, collages ou posages – réponse possible au silence qui entoure son œuvre, mal diffusée jusqu’à la parution des anthologies C’est aujourd’hui toujours, C’est partout ici et du recueil Vies, chez Gallimard, à la fin de années quatre-vingt-dix.Son œuvre poétique, loin d’être un lieu de retrait par rapport à une vie culturelle, amicale et sentimentale particulièrement riche et mouvementée, condense son parcours : la vingtaine de recueils publiés entre 1958 et 2007 offre une chambre d’écho à cette traversée du demi-siècle, tout en déclinant les différentes postures et poétiques nées au grés des circonstances et des confrontations renouvelées entre deux complexités, celle de l’individu Alain Jouffroy, et celle du monde. Aussi son écriture poétique chatoie-t-elle des différents courants qui naissent de la question toujours en suspens du rapport entre la… Advisors/Committee Members: Debreuille, Jean-Yves (thesis director).

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Comme l’a montré récemment Peter Sloterdijk, l’avènement du système médiatique remet profondément en cause le modèle humaniste du livre comme lettre créatrice d’amitié. Les citoyens ne s’identifient plus à des valeurs communes grâce à des lectures canoniques. C’est pourquoi, à la fin du XIXe siècle déjà, les hommes de lettres vont chercher des modalités nouvelles de réduire la distance qui les sépare du public. Cette thèse examine et compare quatre journaux ou revues artistiques différentes – L’Hydropathe, Le Chat Noir, La Plume et Le Mur – dont les créateurs organisent des soirées littéraires publiques ou des spectacles de projection – théâtre d’ombres – dans des lieux qu’ils aménagent dans ce but : des cafés, des petites salles intimes du Quartier Latin, des cabarets à Montmartre. Les étudiants nomades se fixent et à cela va correspondre un investissement progressif aussi bien de l’espace théâtral que de l’espace textuel. On sera pourtant étonné de découvrir des préoccupations similaires, chez un auteur retiré, qui ne prenait pas volontiers la parole en public. Stéphane Mallarmé est un écrivain, comme dit Jacques Rancière, « infiniment attentif à son temps ». On remarquera ainsi que Mallarmé et les avant-gardes étudiées créent des spectacles démocratiques qui s’efforcent de rendre compte des contradictions irréductibles du monde moderne. On imaginera avec un certain plaisir, certes indissociable de l’humour, de la fête et du carnaval, les communautés auxquelles les mises en scène de l’écriture fragmentaire et du support artistique nous invitent visiblement à rêver.

As Peter Sloterdijk writes, the development of mass media such as lowcost popular newspapers challenges radically the humanist conception of the book as letter generating friendship. Citizens of the newborn republic can no longer share the same values thanks to canonical, national, or universal readings. At the end of the 19th century, for that reason, journalists and writers attempt to create new opportunities which allow them to abolish the distance and meet their public. This dissertation examines and compares four different artistic journals – L’Hydropathe, Le Chat Noir, La Plume et Le Mur – whose creators organize literary gatherings or shadow theater shows in different venues designed for this purpose : cafés, small auditoriums in the Latin Quarter, and cabarets in Montmartre. Nomad students « settle down », create new texts, and decorate the walls, and this work becomes a very important part of their identity. However, one will be surprised to discover similar concerns in the work of a solitary writer, who did not particularly like to speak in public. Stéphane Mallarmé is indeed a writer, as Jacques Rancière says, « infinitely aware of his time ». We shall see that both Mallarmé and the avant-gardes studied in this dissertation produce democratic performances which atttempt to transpose the irreducible contradictions of modern times into exemplary figures. In a joyful, carnivalesque way mostly, the staging of fragmentary writing and of artistic…

Advisors/Committee Members: Naugrette-Christophe, Catherine (thesis director), Shaw, Mary Lewis (thesis director).

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L’objectif de cet essai est d’interroger l’absurde en tant que catégorie esthétique dans le théâtre Dada et pré-surréaliste français, entre 1916 et 1923, et ce dans trois textes : La Première aventure céleste de Monsieur Antipyrine, de Tristan Tzara (1916), S’il vous plaît, d’André Breton et Philippe Soupault (écrit en 1919) et Les Mystères de l’amour, de Roger Vitrac (écrit en 1923).L’absurde en tant que catégorie de théâtre a été notamment interrogé à la moitié du siècle dernier par le critique de théâtre britannique Martin Esslin, auteur de la conception d’un « théâtre de l’absurde », mise en place afin de caractériser et d’expliquer l’oeuvre des avant-gardes contemporaines. Cette contribution jouit à la fois d’une grande popularité et a été l’objet de vives critiques, qui la qualifient d’imprécise sinon vague. À ce titre, la présente thèse, afin de définir l’absurde, ne reprend pas les propositions de M. Esslin, mais s’efforce de procéder de manière indépendante. Dans la conclusion, elle effectue une comparaison avec la conception de cet auteur.La première section de cette thèse définit l’absurde en tant qu’une catégorie esthétique et de théâtre ; puis, elle s’intéresse à l’évolution de l’absurde esthétique (formulé comme tel ou intuitif) dans l’histoire du théâtre, notamment en France dans la période postclassique. La deuxième section étudie l’absurde dans le corpus concerné en examinant les structures narratives ainsi que discursives.

The aim of this doctoral dissertation is to analyze the absurd as an aesthetic category in French Dada and pre-surrealist theatre between 1916 and 1923, dealing with three texts : La Première aventure céleste de Monsieur Antipyrine by Tristan Tzara (1916), S’il vous plaît, by André Breton et Philippe Soupault (written in 1919) and Les Mystères de l’amour by Roger Vitrac (written in 1923).The absurd as a theatre and drama category was examined especially at the half of the last century by the British drama critic Martin Esslin, author of the conception of the ‘theatre of the absurd’, created in order to caracterize and explain the avant-garde theatre of the 1950´s. This contribution has reached both popularity and deep critics, being considered as poignant as well as imprecise and vague. Thus, this dissertation does not use M. Esslin´s propositions as its starting point, bur attempts to define the category of the absurd in drama and theatre independently. In the conclusion, it proceeds to a comparison with M. Esslin´s contribution.The first chapter of the thesis defines the absurd as an aesthetic and theatre category. Then, it observes the evolution of the aesthetic absurd (named as such or intuitive) in theatre history, before all in France of the post-classical period. The second part analyzes the absurd elements in my corpus, as regards narrative and also discursive structures.

Advisors/Committee Members: Plassard, Didier (thesis director), Kylous̆ek, Petr (thesis director).

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L'art et l'idéologie sont étroitement liés par leur fonction de représentation du réel. Les années 1960 et 1970 sont celles des grandes espérances révolutionnaires marxistes. Notre étude prend pour objet les artistes et la création artistique en Europe de l'Ouest. Au croisement des événements politiques et de la pensée des intellectuels, les artistes questionnent la pertinence et l'adéquation des formes artistiques à la perspective révolutionnaire. Le terrorisme, la guerre du Vietnam, la Guerre Froide, sont envisagés dans les rapports de pouvoirs politiques qu'ils instaurent. La question sexuelle est reliée à la transgression morale et politique. Les artistes interrogent la possibilité d'une intervention plus directement sociale et politique.

Art and ideology are closely related in their function of representation of reality. The 1960s and 1970s are those of major marxist revolutionary hopes. Our study focuses on artists and artistic creation in Western Europe. At the intersection of political events and thinking of intellectuals, artists question the relevance and adequacy of artistic forms to the revolutionary perspective. Terrorism, the Vietnam war, the cold war, are considered in the reports of political power they establish. Sexual issue is related to the moral and political transgression. The artists question the possibility of a more direct social and political intervention.

Advisors/Committee Members: Dagen, Philippe (thesis director).

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À sa création en 1944 l’Institute of Design de Chicago (ID) s’inscrit dans une continuité avec le New Bauhaus (1937-1938) et la School of Design (1939-44), deux institutions dirigées par László Moholy-Nagy, ancien professeur au Bauhaus allemand. L’ID ouvre véritablement le chapitre américain de son histoire en intégrant en 1945 un programme exclusivement consacré à la photographie. Le département photographique de l’ID est-il parvenu malgré le poids de son héritage à produire une nouvelle vision pédagogique et artistique ? Cette thèse propose, à partir d’archives inédites, d’œuvres et de témoignages d’élèves et de professeurs, de questionner l’influence de ce département sur l’enseignement de la photographie et sa reconnaissance en tant qu’art aux États-Unis. Le premier chapitre retrace le passage de témoin entre les avant-gardes européennes et une nouvelle génération américaine qui utilise l’approche expérimentale de Moholy-Nagy pour construire une vision documentaire de la ville de Chicago. Le deuxième chapitre raconte comment le département, dans les années 1950, assoit sa légitimité artistique sous la direction de deux photographes majeurs de la scène américaine, Aaron Siskind et Harry Callahan. Le troisième chapitre montre comment le département est devenu un modèle d’enseignement aux États-Unis. La formidable reconnaissance du programme à l’extérieur de l’ID marque aussi la fin d’une exception puisque les anciens étudiants, devenus professeurs dans d’autres universités américaines, « normalisent » les méthodes révolutionnaires de l’ID. Plus qu’une destination, le département a représenté un carrefour pour les photographes et les éducateurs qui l’ont traversé.

In 1944 the Institute of Design in Chicago (ID) opened as the continuation of the New Bauhaus (1937-1938) and the School of Design (1939-1944), both institutions founded by László Moholy-Nagy, former professor at the German Bauhaus. The ID began a new chapter in 1945 by creating a program exclusively dedicated to photography. How did the department of photography despite the weight of its heritage develop a unique pedagogy and artistic vision? Through unpublished archives, photographs, and testimonies of students and professors, this dissertation offers to interrogate the department’s impact on photography education and on photography’s recognition as an art in the United States. The first chapter retraces the hand-over from the European avant-gardes to a new American generation who used the experimental approach of Moholy-Nagy to build a documentary vision of the city of Chicago. The second chapter shows how the department established its artistic legitimacy under the direction of two great American photographers, Harry Callahan and Aaron Siskind. The third chapter demonstrates how the department became a model for photography education. However, with the terrific recognition of the program the ID stopped to be an exception. The students, in becoming professors in other American universities, « normalized » the revolutionary methods of the ID. More…

Advisors/Committee Members: Poivert, Michel (thesis director).

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La thèse, par le concept opératoire d’extrémisme, propose l’étude du rapport entre engagement politique et expérimentalisme littéraire en Italie au cours des années soixante-dix, en explorant les liens entre l’aspiration révolutionnaire des mouvements socio-politiques d’extrême gauche et la recherche d’une relation renouvelée entre littérature et réalité. Le poète et romancier Nanni Balestrini [1935-], membre de la Néo-avant-garde des années soixante et militant de la gauche extra-parlementaire dans la décennie suivante, apparaît comme un auteur exemplaire de cette tension. Par l’analyse de sa production littéraire des années soixante-dix, un corpus riche qui n’a été que partiellement exploré jusqu’ici, il s’agit de démontrer la mise en œuvre d’un engagement dans et par le langage littéraire, l’élaboration d’une pratique subversive de l’écriture qui puisse revêtir en même temps une fonc! tion politique. En suivant un parcours chronologique rendant compte des évolutions inhérentes à cette problématique, l’on passe ainsi de la recherche d’une littérature « interne à la classe ouvrière » avec le roman Vogliamo tutto [1971], qui préfigure d’autres expériences de « littérature sauvage », à la mise en œuvre d’une fonction heuristique et de contre-information de la littérature avec Vivere a Milano [1976] et La violenza illustrata [1976]. L’analyse des Ballate della signorina Richmond [1977] rend compte des influences croisées de la poétique balestrinienne avec le dernier mouvement contestataire de la décennie, le Mouvement de 1977, qui place au coeur de sa réflexion et de sa pratique politique la subversion du langage ainsi que l’élaboration de nouvelles formes de communication

This work studies the relationship between political commitment and experimentalism in literature using the conceptual tool of extremism. It looks at how the revolutionary aspirations of the social political movements of the extreme left interconnected with the quest for a renewed liaison between literature and reality. A fitting example is the poet and novelist Nanni Balestrini [1935-] who was part of the new avant-garde movement during the 1960s and of the extreme left movements in the years that followed. His writings of that period hold a richness that has not yet been fully tapped. His use of language demonstrates his commitment to the practice of subversive writing as well as his political motivation. When the evolution of these works is followed, the emergence of an “interior working class” literature is observed. An example is the Vogliamo tutto [1971] novel, which foreshadows experiences from the “savage literature”. In addi! tion, works such as Vivere a Milano [1976] and La violenza illustrata [1976] exemplify heuristic and counter-information functions of the literature, while the analysis of Ballate della signorina Richmond shows how Balestrini’s poetics and those of the 1977 political movement significantly influenced each other. The subversion of the language and the production of new forms of communication appear thus to be at the…

Advisors/Committee Members: Vegliante, Jean-Charles (thesis director).

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Robert Delaunay (1885-1941) est l’un des artistes français les plus présents à Berlin à l’aube de la Première guerre mondiale. Avec l’aide de Herwarth Walden (1878-1941), directeur de la revue et galerie Der Sturm, l’artiste acquiert rapidement une solide réputation dans la capitale allemande, où il expose une quarantaine de toiles au cours de la seule année 1913, tandis qu’il diffuse abondamment ses propres textes théoriques et ceux de ses amis Guillaume Apollinaire (1880-1918) et Blaise Cendrars (1887-1961). Le peintre français suscite bientôt l’engouement de certains artistes berlinois, nombreux à l’avoir rencontré lors de ses deux voyages en Allemagne avant la guerre. Pour une large partie de la recherche, ce succès s’expliquerait par un « malentendu productif » : les artistes de la capitale allemande auraient détourné l’œuvre de Delaunay dans un sens germanique, appréciant sa peinture pour des raisons étrangères à ses intentions initiales. Contestant cette hypothèse – variante de celle, pluriséculaire, de l’incompatibilité par nature des goûts allemands et français – nous proposons d’envisager la réception berlinoise de Delaunay dans une perspective micro-historique, en nous intéressant au regard porté sur lui par trois artistes : Ludwig Meidner (1884-1966), Lyonel Feininger (1871-1956) et Bruno Taut (1880-1936). Après avoir mis en exergue les discours possiblement « entendus » par ceux-ci autour de l’œuvre du peintre français en Allemagne, nous nous intéressons à la trajectoire individuelle de chacun d’entre eux, mettant en évidence la profondeur des liens qui unissent finalement les avant-gardes désignées sous les termes d’orphisme et d’expressionnisme.

Robert Delaunay (1885-1941) is among the French artists that are the most involved in Berlin at the dawn of the World War I. Thanks to Herwarth Walden (1878-1941), who is the director of the magazine and the gallery Der Sturm, the artist quickly earns a solid reputation in the German capital city where he exhibits around forty paintings in 1913 alone, while widely circulating his own theoretical texts as well as those of his friends Guillaume Apollinaire (1880-1918) and Blaise Cendrars (1887-1961). The French painter soon spurs the interest of some Berlin artists, many of whom have met him during his two trips to Germany before the war. For an extensive part of the research, this success could be explained by a “working misunderstanding”: the artists of the German capital city supposedly twisted Delaunay’s work in a Germanic sense, appreciating his painting for reasons that were not related to his initial intents. We contest this hypothesis – which is a variant of the centuries-old hypothesis that states a natural incompatibility between German and French tastes – we suggest to consider the Berlin welcome of Delaunay in a micro-historical perspective by focusing on three artist’s point of view about him: Ludwig Meidner (1884-1966), Lyonel Feininger (1871-1956) and Bruno Taut (1880-1936). After underlining the speeches they possibly “heard” surrounding the…

Advisors/Committee Members: Pierre, Arnauld (thesis director).

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Cette thèse examine les pièces du théâtre dit « freudien » ou « psychanalytique » en Espagne, telles que Sinrazón d’Ignacio Sánchez Mejías, Trance de Cipriano de Rivas Cherif, Dr. Death de 3 a 5 de Azorín, entre autres. Il s’agit de rendre compte de la présence du fou-malade dans un large panorama théâtral de l’époque, conditionnée par l’émergence du freudisme en Espagne qui vient renforcer un attrait pour la psychologie des profondeurs initié au tournant du siècle par le symbolisme, comme mode de représentation. Ce travail tente de sonder les influences qui façonnent cette figure et d’analyser comment le débat culturel qui agite la société espagnole des années 1920 se reflète au théâtre et, comment ce dernier peut lui-même faire avancer le débat. Au sein de ce questionnement éthique et existentiel, qu’impliquent, dès lors, les choix de représentation du fou sur les planche espagnoles ?

This thesis analyses Freudian or psychoanalytic drama plays in Spain such as Sinrazon by Ignacio Sanchez Mejias, Trance by Cirpiano de Rivas Cherif, Dr Death de 3 a 5 by Azorin among others.. It accounts for the presence of the lunatic in a large theatrical panorama of that time, such presence being conditioned by the rise of Freudianism in Spain which strengthens the attractiveness of deep psychology used for the first time at the turn of the century by symbolism as representation mode. This work attempts to provide perspective on the different influences which shape this figure,to analyse how the cultural debate within Spanish society in the 1920's is reflected in drama and how drama itself can take this debate forward. At the core of this ethic and existential questioning, what do the choices of representation of the lunatic on Spanish stages thus imply ?

Advisors/Committee Members: Reck, Isabelle (thesis director).

▼ In this work I study the narratives of four Latin American writers (Adolfo Bioy Casares, Felisberto Hernández, Alejandra Pizarnik, and Julio Cortázar) from the perspective of the dysfunctional machine. The concept of dysfunctional machine opens a new perspective of reading, from which I can re-evaluate how the literature of the River Plate–written between the 1940s and the 1970s–dealt with the inheritance of the historical avant-gardes. The artistic avant-gardes of the beginning of the 20th century can be defined as a radical critique to the artistic institutions. In this work, I suggest that this critique is developed, mainly, through two kinds of machines, each one of them dysfunctional: the bachelor machine and the writing machine. Because they are dysfunctional, these machines do not give an outcome in pragmatico-utilitarian terms, they do not “work,” they do not accomplish a useful task. I take The Large Glass, by Marcel Duchamp, as the paradigm of the concept of bachelor machine, because it is the work that best synthesizes the definitive avant-gardist critique to the artistic institutions through the reception of technology in the terrain of arts. If the bachelor machine is my first perspective for reading the works of the four writers mentioned above, my second perspective for reading these works is given by the notion of what I call writing machine. I find the paradigm of this concept in the work The Museum of Eterna’s Novel, written by the Argentine author Macedonio Fernández. Taking the bachelor machine and the writing machine as my perspective of reading, I analyze how the narratives of Bioy Casares, Felisberto Hernández, Alejandra Pizarnik and Julio Cortázar deal with the avant-gardist agenda. Consequently, this work unfolds in four chapters. Each chapter explores the question of the dysfunctional machine in the work of the author considered. Throughout my work I demonstrate how the four writers mentioned above operated a domestication of the avant-gardist agenda. They took some elements from the avant-garde authors (Duchamp and Macedonio Fernández), but they softened them, in order to become part of the literary institution (a literary institution that the avant-gardists wanted to destroy). Advisors/Committee Members: Riera, Gabriel (advisor), Niebylski, Dianna (committee member), Rosman, Silvia (committee member), Marsh, Steven (committee member), Uslenghi, Alejandra (committee member).

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La recherche porte sur l’écriture abondante de Hundertwasser et sa place dans le positionnement de cet acteur du renouveau artistique. On lui reconnaît une « œuvre-vie » singulière, puisque, visant à bouleverser la société, il a élargi son domaine, passant de la peinture à l’écologie, via l’architecture. Partant du contexte géohistorique, de l’arrière-plan pictural du début du XXème siècle, des théories des scientifiques et des « prophètes » allemands du XXème siècle ainsi que de l’émergence des mouvements écologistes, il s’agit d’étudier les nombreux poésies, récits, discours, manifestes, interventions dans les médias et commentaires, où Hundertwasser expose et développe ses convictions. L’objectif est de montrer que la dynamique créative de l’artiste s’enracine dans ses écrits.

The research focuses on the abundant writing of Hundertwasser and its place in the positioning of this actor of artistic renewal. He is recognized for his singular "work-life", since, aiming to upset society, he has expanded his field, from painting to ecology, via architecture. Starting from the geohistorical context, from the pictorial background of the beginning of the 20th century, the theories of 20th-century German scientists and "prophets" and the emergence of environmental movements, it is a question of studying the many poems, stories, speeches, manifestos, interventions in the media and comments, where Hundertwasser exposes and develops his convictions. The aim is to show that the creative dynamic of the artist is rooted in his writings.

Advisors/Committee Members: Liard, Véronique (thesis director).

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La notion d’orphisme est née à la veille de la Première Guerre mondiale. Forgée par Guillaume Apollinaire, elle lui sert à désigner l’art nouveau et audacieux de ses amis-peintres, notamment ceux réunis autour de Robert Delaunay. Cependant, dès cette époque, le terme, utilisé de manière imprécise par le poète, pose problème. Depuis, les controverses se multiplient et durant le siècle qui nous sépare de l’invention de ce nom tout ce qui touche à l’orphisme a été remis en cause, jusqu’à son existence même. Prenant position contre cette attitude, nous proposons dans cette thèse d’envisager la production et les conceptions artistiques de l’époque sous un angle nouveau. En nous défaisant des étiquettes traditionnelles de nombreux « -ismes », nous prenons – selon la suggestion d’Apollinaire – le mythe d’Orphée comme un outil permettant de réanalyser l’art du début du XXème siècle. Cette relecture (des parcours des artistes, de leurs sources d’inspiration, des rapports entre différents centres artistiques et acteurs de la scène artistique), ainsi qu’une analyse comparative des œuvres ont pour but de démontrer que ce que nous appelons l’« orphisme » ne fut pas un concept artificiel, appliqué de manière parfaitement arbitraire à la somme des trajectoires – quelques peu accidentelles et indépendantes les unes des autres – de différents artistes, mais plutôt une évolution logique et cohérente, dont l’ampleur et l’impact sur la postérité ne furent jamais appréciés à leur juste valeur. En utilisant le mythe d’Orphée comme fil conducteur structurant notre analyse, nous mettons donc en évidence les grandes lignes de l’évolution du phénomène auquel Apollinaire a donné le nom d’orphisme : les origines et l’interprétation du terme et de la conception mêmes, le contexte historique et artistique de l’apparition et de l’évolution du mouvement, les rapports entre ses différents acteurs, les sources d’inspiration des artistes et enfin une évolution stylistico-chronologique de cette tendance.

The notion of Orphism was born on the eve of the World War II. Forged by Guillaume Apollinaire, it served him to describe a new and bold art of his friends, especially those concentrated around Robert Delaunay. However, the notion was already troublesome back then: ill-defined and unclear, it was used by the poet in a vague way. Since then, the controversies continue to mount and in a century that elapsed since the invention of the notion, everything concerning Orphism is questioned, even its very existence. Contesting this negationist approach, we propose in this thesis to analyze the artistic production and conceptions of this period under a new light. We are distancing ourselves from the traditional labels of “-isms” and we are using the Orpheus myth – as suggested by Apollinaire – as a tool which allows us to reanalyze the art from the beginning of the 20th century. This new analysis – of artists’ career paths, their fascinations, relationships between different artistic centers and between people involved in this avant-garde – and the…

Advisors/Committee Members: Pierre, Arnauld (thesis director).

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Des voix en voie. Les femmes, c(h)oeur et marges des avant-gardes étudie le dense réseau de relations établies par quelques figures féminines qui ont inspiré des projets et des recherches au sein des avant-gardes historiques dans le panorama français du début du XXe siècle. La présente étude s'intéresse à des femmes – Sonia Delaunay, Claire Goll, Marie Laurencin, Hélène d'OEttingen, Valentine de Saint-Point et Elsa Triolet – qui ont travaillé de concert avec les représentants majeurs des avant-gardes émergentes, en donnant naissance à des projets et à des collaborations à travers l'Europe. Ces femmes artistes prolifiques, qui ont en commun le multiculturalisme et le pluristylisme, sont très actives dans le panorama artistique et littéraire du début du XXe siècle. Des traces de leurs travaux peuvent se retrouver dans les correspondances, les manuscrits, les mémoires et d'autres documents, édités et inédits, qui constituent le corpus de la thèse. La documentation ici présentée est un témoignage de la capacités des auteures à mettre en place des stratégies de communication pour une reconnaissance méritée de leur production sur la scène nationale et internationale. Le travail présente trois parties, chacune décrivant, expliquant et analysant la matière, dans le but de retracer les parcours – les voies – de ces quelques créatrices, pour en faire enfin ressortir les voix. Les annexes comprennent des documents originaux et une chronologie qui liste les travaux examinés, avec ceux des principaux chefs-de-file des avant-gardes.

Voices on the way. Women, heart / choir and fringe of the avant-garde explores the thick network of relations established by some female characters who have inspired projects and researches within the historical avant-garde in the French panorama of the early twentieth century. This study examines women – Sonia Delaunay, Claire Goll, Marie Laurencin, Hélène d'OEttingen, Valentine de Saint-Point and Elsa Triolet – who have worked closely with the main leaders of the emerging avant-garde movement, giving rise to projects and cooperations across Europe. These fecund female artists, who share multiculturalism and multilingual abilities, are the most active in the literary-artistic landscape of the early twentieth century. Traces of their works can be found in correspondence, excerpts, memoirs and other documents, both published and unpublished, that create the corpus of the thesis. The documentation presented here is a valid testimony to the authors' ability to put in place communicative strategies for an adequate recognition of their work into the national and international scene. The work is subdivided in three parts, each describing, explaining and dissecting the subject, in order to retrace the ways of these creators, to hear their voices at last. The appendix includes original documents and a chronology listing the examined works, together with those of the main exponents of the avant-garde movement.

Advisors/Committee Members: Bruera, Franca (thesis director).

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Nas primeiras décadas do século XX, em um contexto cultural caracterizado por experimentações, redefinições e rupturas, no qual se desenvolveram as chamadas vanguardas artísticas européias, arquitetura, cidade e cinema estabeleceram entre si diferentes formas de interlocução, inclusive a criação de arquiteturas e cidades destinadas exclusivamente para os filmes. Estreitamente vinculadas às problemáticas de seu tempo, estas arquiteturas e cidades ficcionais dialogaram diretamente com as experimentações realizadas no âmbito artístico e arquitetônico das vanguardas, além de configurarem um veículo direto de comunicação com o público de massas. A partir de três filmes produzidos no cinema europeu do período entreguerras - Aelita (Yakov Protazanov, URSS, 1924), Metropolis (Fritz Lang, Alemanha, 1927) e Things to Come (Daqui a Cem Anos, William Cameron Menzies, Inglaterra, 1936) - este trabalho analisa estas arquiteturas e cidades cinematográficas, seus processos de concepção, produção e difusão, assim como suas interlocuções com o contexto cultural vigente. Através de artifícios intrínsecos à linguagem e à narrativa cinematográficas, estas obras incorporam em suas visões de cidade muitos dos aspectos da metrópole do início do século XX, assim como das propostas arquitetônicas e urbanísticas desenvolvidas naquele período, configurando espaços de problematização e articulação de idéias, tratando de questões como: a vida na metrópole e as ambigüidades e contradições impostas ao habitante metropolitano; as novas tecnologias, e as formas como estas impactavam o cotidiano e incitavam a imaginação; as experimentações formais das vanguardas artísticas e a busca pela superação dos limites entre arte e vida; as novas concepções de arquiteturas e cidades, e seu intuito de criar novas lógicas de organização espacial e urbana, que poderiam contribuir para a criação de um novo homem e uma nova sociedade.

In the first decades of the twentieth century, in the cultural context of the European Avant Gardes, architecture, city and cinema had established between themselves different forms of dialogue, including the creation of fictional architectures and cities destined exclusively for the films. Through the analysis of three films - Aelita (Yakov Protazanov, USSR, 1924), Metropolis (Fritz Lang, Germany, 1927) and Things to Come (William Cameron Menzies, 1936), this work seeks to identify the ways that these cinematographic architectures and cities, developed for the European cinema in the interwar period, had reflected, reformulated and released for the masses such issues as: the life in the metropolis and the ambiguities and contradictions imposed to the metropolitan inhabitant; the new technologies, and the ways they impacted the daily lives and incited the imagination; the formal experimentations of the avant-gardes and the pursuit of overcoming the boundaries between art and life; the new conceptions of architectures and cities, and its intention to create new logics of space and urban organizations, which could contribute to the…

Advisors/Committee Members: Martins, Carlos Alberto Ferreira.

▼ The theme of my dissertation is the disarticulation of the origins and principles of liberal capitalism, and the postulation of an anarchist aesthetic. The historical context in which my dissertation focuses is the interwar crisis of capitalist liberalism before World War II, when the historical avant-gardes flourished as a political and artistic reaction to the bourgeois cultural institutions and the mercantilist logic of capitalism that reduced art to a commodity. My object of study is the literary production of two avant-garde writers of this period, whose work is united by, among other things, their relation to the Argentine anarchist movement; Jorge Luis Borges (1898-1986) and his mentor, Macedonio Fernández (1874-1952). My dissertation argues that the literary production of these two intrinsically related writers executes an anarchist disarticulation of the liberal principles of property, representation, and the individual. These disarticulations are accompanied by a set of proposals for a theory of anarchist aesthetics. In the first chapter, "La participación de la literatura", I argue that the autonomy of literature that these writers posited amounts to a fundamental political critique of both artistic and political representative systems in the novel Museo de la Novela de la Eterna and the short story "El Congreso". I conceptualize their critique of representation as a literature conceived as participation, and how this participation of literature in the social sphere challenges representative politics in the rise of national populism in Argentina in 1916 and 1946. In my second chapter, "Las sensibilidades de la literatura" I study two literary practices shared by Borges and Fernández: the first is the ironical use of the literary self-portrait and the second is what Fernández called the "metafísica ayoica" (selfless metaphysics), which provided the philosophical underpinnings for Fernández's treatise "No toda es vigilia," and the many essays in which Borges discussed aspects of this treatise. It is my contention that, when we read these two literary practices in their context of production, this critique is in dialogue with the anarchist conception of the individual as a "resultant" of collective forces (Bakhunin), as opposed to the bourgeois notion that the individual is an essential and free entity, as theorized in the English Philosophical tradition that goes from John Locke to Herbert Spencer. In the third chapter, "Las propiedades de la literatura", I study the conceptions and uses of plagiarism, falsification and intellectual theft in the literature of Borges and Fernández and the ways in which these two authors conceived of literature as a collective labor of readers, thereby challenging the idea of the author as the proprietor of the text as well as the capitalist logic of private property that the anarchist tradition considers as theft (Proudhon). In this chapter I trace the textual precursors of a famous short story by Borges, "Pierre Menard, autor del Quijote", and the… Advisors/Committee Members: Nouzeilles, Gabriela (advisor), Piglia, Ricardo (advisor).

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La création artistique de l’entre-deux-guerres en France est transformée par l’internationalisation du marché de l’art, la vitalité des avant-gardes et la diffusion sans précédent des revues d’art. La galerie d’art, par l’action de galeristes engagés et professionnels, s’impose alors comme un lieu central du marché de l’art moderne. Vouée au commerce des œuvres, elle se dote d’une identité nouvelle en faisant de son espace un lieu de socialisation et de débats intellectuels. Cette conjoncture explique en partie la naissance d’un nouveau mode de communication de la galerie d’art : la revue de galerie. Cet outil de promotion a pour principale mission de diffuser l’actualité des expositions et des artistes liés à la galerie. Mais il cherche également à être une tribune ouverte, un lieu d’expression et de dialogues où se rencontrent théories artistiques et synthèses du marché de l’art contemporain, règlements de comptes et pamphlets, littérature et poésie. Au-delà de sa dimension promotionnelle, la revue de galerie, objet sociologique, tisse des liens entre les différents acteurs d’un même cercle socio-culturel. Les principales revues de galerie de l’entre-deux-guerres (Les Arts à Paris, 1918-1935 ; le Bulletin de la vie artistique, 1919-1926 ; le Bulletin de la galerie B. Weill, 1923-1935 ; le Bulletin de l’Effort moderne, 1924-1927) mettent ainsi en place des modèles éditoriaux durables, qui perdureront tout au long du XXe siècle. Il s’agit d’un phénomène culturel international, de sorte que le contexte parisien ne peut être compris que par comparaison, notamment avec celui des Etats-Unis (revue 291), de la Belgique (Le Centaure) ou de l’Allemagne (Der Querschnitt), qui développent leurs propres spécificités.

Art production in France is changed in the interwar years by the globalization of the art market, the vitality of the avant-gardes and the unprecedented diffusion of art periodicals. The art gallery, through the actions of socially and politically committed art dealers, is becoming a major place for the modern art market. Dedicated to the trade of artworks, it acquires a new identity by encouraging socialization and intellectual debates. This context creates new communication means for art galleries: the art gallery magazine. As a promotion tool, the main mission of the periodical is to spread news about exhibitions and artists related to the gallery. Sustained by the ideals of their editors, they offer an open platform, an utopian space of free speech and dialogue, where art theories and contemporary art market analysis, score settling and satirical tracts, literature and poetry meet. Beyond its promotional function, the art gallery magazine, as a sociological object, also establishes links between the various players of a social and cultural group. The main gallery magazines of the 20th Century (Les Arts à Paris, 1918-1935; le Bulletin de la vie artistique, 1919-1926; le Bulletin de la galerie B. Weill, 1923-1935; le Bulletin de l’Effort moderne, 1924-1927) invent lasting editorial references that will last…

Advisors/Committee Members: Labrusse, Rémi (thesis director).

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Critique et historien de l’art autodidacte, mais aussi éditeur, galeriste, commissaire d’exposition, expert, courtier et infatigable homme de terrain, Julius Meier-Graefe (1867-1935) joua un rôle prééminent dans le monde de l’art européen des trente premières années du XXe siècle. Basé sur l’examination d’archives et de correspondances inédites ainsi que sur une relecture attentive de son vaste corpus d’écrits publiés, ce travail entend retracer la trajectoire d’un passeur téméraire souvent réduit à un rôle de défenseur de l’impressionnisme français dans l’Allemagne de Guillaume II. Si son progressisme francophile tout comme le formalisme de son approche des arts visuels ont parfois été soulignés, l’analyse détaillée de son implication dans le marché de l’art, le monde des musées et plus généralement, dans les débats politico-culturels de son temps, révèle une personnalité plus nuancée. Bien que méfiant envers les fantasmes identitaires des élites allemandes conservatrices, Meier-Graefe lutta sans répit pour un nationalisme d’ouverture, espérant infléchir le cours d’une culture germanique disloquée et hostile aux valeurs de la modernité. En suivant la carrière de cet Allemand cosmopolite, brutalement cisaillée par la Grande Guerre et achevée en France en exil du nazisme, cette thèse entend décrypter les mécanismes d’un projet de régénération culturelle ambitieux, impliquant actes et discours. Alternant entre phases d’enthousiasme intense et de profond désenchantement, Meier-Graefe s’y dévoile comme le chantre d’une modernité idéalisée dont il condamna obstinément les embardées avant-gardistes.

Self-taught art critic and historian, but also publisher, gallery owner, curator, expert, broker and tireless field man, Julius Meier-Graefe (1867-1935) played a prominent role in the European art world of the early 20th century. Based on a close study of numerous archives and letters, as well as a careful rereading of his vast body of published work, this dissertation endeavours to retrace the life of a reckless facilitator, whose career is too often reduced to the role of “importer” of modern French art in Germany. If Meier-Graefe has been frequently identified through his progressive francophile positions and formalistic viewpoints on visual arts, a detailed analysis of his involvement in the art market and institutions—and more broadly, in the political/cultural debates of his time—reveals a richer personality. Wary of the identity concerns shared by conservative elites of the Empire, he vigorously encouraged a “positive” nationalism, hoping to adjust the course of a fragmented Germanic culture hostile to the values of modernity. Tracing the steps of a cosmopolitan German whose path was brutally affected by the outbreak of World War I, this essay examines the mechanisms of his ambitious project of cultural regeneration, involving both action and discourse. Jostled between phases of enthusiasm and deep disillusionment, Meier-Graefe emerges as the champion of an idealized modernism, whose avant-garde experiments he…

Advisors/Committee Members: Jobert, Barthélémy (thesis director).

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Francis Picabia, peintre-poète qui a traversé toute la première moitié du XXe siècle, nous a laissé en héritage un riche corpus d’écrits, dont la plupart a été publié, mais il reste encore aujourd’hui de nombreux inédits et des avant-textes conservés dans les archives. Si la période Dada de la poésie de Picabia est peut-être la plus connue, l’artiste a continué d’écrire des poèmes toute sa vie (il est disparu en 1953). C’est notamment après la rencontre avec son dernier éditeur, Pierre André Benoit (PAB), en 1948, que Picabia décide de révéler encore une fois saveine poétique, et publie un grand nombre de recueils, écrits entre 1939 et 1951.Ces poèmes naissent, plus particulièrement, sous l’empreinte des lectures des oeuvres de Friedrich Nietzsche, car l’artiste reprend systématiquement des passages du Gai Savoir, qui nous obligent à repenser les limites de l’écriture poétique, en général. On découvre alors une nouvelle manière de faire de la poésie, qui reprend, d’unemanière assez libre, le langage philosophique de La Gaya Scienza. PAB a sûrement compris la portée des nouveaux poèmes de Picabia et il s’est dédié à la réalisation de solutions créatives pour la présentation de ces écrits poétiques. Au-delà de cet intense travail il y a bien sûr une amitié, qui s’est manifestée notamment à traversl’échange de lettres, car les occasions de se rencontrer ont été très rares.Cette dernière période de l’écriture de Picabia est alors digne d’être remarquée et mérite d’être comprise et mise en valeur. Nous avons essayé, par cette recherche, de trouver une solution pour classer ces écrits, que nous aimerions inscrire dans le contexte de la « récriture intertextuelle ».

Francis Picabia (1879 – 1953), well-known French painter of the beginning of the twentieth century, was also an experimentalist poet of the avant-garde milieu, who wrote throughout his entire life. Part of his writings have been edited, but many unpublished works can still be found in archives. The Dada period of his poetry is perhaps best known, more particularly for his drawing-poems, but I have discovered during my research that his late writings contain many unrevealed aspects. Particularly after he met the editor Pierre André Benoit (PAB) in 1948, a new important period began in Picabia’s poetic output, during which he published his writings from 1939 to 1951. This intense collaboration took place mainly at a distance, through the exchange of frequent letters, soon turning into a sincere friendship. These publications, most of which are one-of-a-kind books, are printed personally by PAB on his printing press, and are often illustrated by the artist or by the editor himself.Surprisingly, Picabia’s late poetry is strongly marked by Friedrich Nietzsche’s writings, in particular by The Gay Science (1882). The “borrowings” are so evident, that they call for a specific, new interpretation: thus, this peculiar creative process can be seen as a phenomenon of appropriation, or “intertextual rewriting”. This process of “copying”, was applied by the artist…

Advisors/Committee Members: Pierre, Arnauld (thesis director), Messina, Maria Grazia (thesis director).

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Depuis l’invention de la haute couture à la fin du XIXème siècle, jusqu’à aujourd’hui, le milieu de la mode est l’un des secteurs professionnels qui concentre le plus de collectionneurs. Dès lors, on peut se demander s’il existe un collectionnisme propre aux collectionneurs du milieu de la mode, et si tel est le cas, comment il s’est structuré et de quelle façon il a évolué. Si celui-ci est le premier axe choisi pour rendre compte de ces relations, il n’est pas le seul car il ne peut se comprendre sans aborder, plus largement, d’autres formes de collaborations entre les acteurs de ces milieux. Le collectionnisme s’inscrit en effet dans un ensemble de relations entre grands couturiers, ou dirigeants de groupes de luxe, artistes, marchands, galeristes, journalistes, critiques, photographes, clients d’un secteur comme de l’autre.… etc. Pour ce faire, nous avons choisi trois exemples de collectionnisme, qui ont en commun d’avoir marqué leur époque, le champ de la mode et celui de la collection : ceux de Jacques Doucet, du couple Pierre Bergé-Yves Saint Laurent et de Bernard Arnault à travers la marque et la fondation Louis Vuitton. Cette thèse se propose donc d’analyser le collectionnisme du point de vue du collectionneur mais aussi, à inscrire ces collections à la fois dans leurs époques respectives, dans leur filiation, dans l’histoire de l’art et l’histoire de la mode.

Since the invention of haute couture at the end of the XIXth century until today, the fashion world has been one of the professional sectors where the collectors are the most numerous. This raises the question of whether there is a specific type of collectionnism among the fashion collectors, and if so, how is it structured and how has it evolved. If this is the first line of research chosen to analyze these relationships, it is certainly not the only one but it cannot be understood without addressing, more widely other forms of collaboration between all the peripheral creative actors in this field. Indeed, collectionism is part of the network of relationships between leading fashion designers, or leaders of luxury goods companies, artists, art dealers, gallery owners, journalists, critics, photographers and clients of both sectors, etc. To do so, we have chosen three examples of collectionism that have in common the fact that they have marked their era, contemporary fashion and the ‘spirit’ of collection: those of Jacques Doucet, the couple Pierre Bergé and Yves Saint Laurent and Bernard Arnault through the brand Louis Vuitton and the Louis Vuitton Foundation. This thesis proposes to analyze and explore collectionism from the point of view of the collector but also, to place these collections at the same time in their respective era, in their filiations, in the history of art and fashion history.

Advisors/Committee Members: Dagen, Philippe (thesis director).

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Entre les décennies 1960 et 1980 émergent les courants de l’« art de la performance », du « happening », du « body art », de l’« art corporel » ou encore de l’« art de l’action », qui désignent les démarches des nombreux plasticiens qui font directement intervenir le corps, souvent leur propre corps, dans leurs travaux. À travers les productions des acteurs qui soutiennent ces courants le corps est fabriqué comme un sujet légitime d’attention et de valeur. La thèse décrit l’émergence de ces courants artistiques pendant la décennie 1970 en soutenant qu’ils peuvent et doivent être interrogés comme des phénomènes sociaux. En effet, jamais auparavant autant d’acteurs des mondes de l’art visuel n’avaient décidé simultanément de se tourner vers le corps lui-même, et de le mettre à l’œuvre, à l’ouvrage, à l’épreuve. Interroger leurs productions du point de vue du corps peut permettre de dérouler de comprendre en profondeur la présence incisive et percutante du phénomène. Ces courants viennent poser des questions cruciales à l’anatomie du travail créateur : rapports sociaux de sexe, interactions avec les spectateurs, engagements politiques, marchandisation. L’étude, sociohistorique, focalise autour de trois scènes (France, côtes est et ouest des États-Unis) à partir d’un corpus d’archives documentaires (entretiens, critiques, essais, manifestes, notations, photographies). La thèse comprend un volet d’enquête qui mesure la reconnaissance de ces pratiques, un second volet d’histoire institutionnelle et intellectuelle qui décrit les savoir-faire et les modalités d’énonciation liés aux actions et aux événements et enfin, une topographie qui résume les modèles du corps produits par les gestes les raisonnements des artistes et de leurs commentateurs.

« Performance art », « body art » and « happenings » appeared on the art scene between the 1960s and the 1980s. The human body was at the heart of these artistic movements, to the extent that many artists embodied their own works. Within such creative processes and productions, the body undeniably became a legitimate subject of attention and value. This dissertation describes the initial stages of the art movements aforementioned, and argues that they must be analyzed as sociological phenomenons. Never before had such a larger of artists within the same time period decided to focus on the entity of the body itself, to use and misuse it so intensely. Observing their approaches through the lens of the body allows us to voice critical questions about the anatomy of a creative work - gender relations, interactions with the viewers, political commitments, and marketing. This sociohistorical research studies three landmark art scenes of the time (France, the east coast, and the west coast of the USA), by delving into a documentary material of archives (interviews, reviews, essays, manifestos, notations and photographs). The thesis begins with a sociological inquiry which measures the visibility of these artistic movements ; it is followed by a history of the institutional and critical…

Advisors/Committee Members: Péquignot, Bruno (thesis director), Coulombe, Maxime (thesis director).

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Esta dissertação procura interpretar a obra dos poetas contemporâneos brasileiros Roberto Piva e Claudio Willer tendo em vista a tradição que invocam em suas produções, a qual aponta para as matrizes teóricas do romantismo e se desenvolve na modernidade sendo radicalizada pelas vanguardas históricas, pelo surrealismo e pela geração beat. O texto se foca na relação entre poesia e práxis vital no intuito de ressaltar como os poetas aqui estudados elaboram uma poética ao mesmo tempo em que negam tal intento.

This dissertation seeks to interpret the work of the contemporary Brazilian poets Roberto Piva and Claudio Willer in view of the tradition that they invoke in their productions, which points to the theoretical frameworks of romanticism and it is developed throughout modernity being radicalized by historical avant-gardes, surrealism and beat generation. The text focuses on the relation between poetry and vital praxis to highlight how the poets studied here develop a poetic while at the same time deny such intent.

Advisors/Committee Members: Bosi, Viviana.

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Chris Marker é um cineasta que realizou documentários políticos pouco convencionais ao longo de quase sessenta anos de carreira. Depois de uma militância ativa e inserida no coração de acontecimentos cruciais na França e na Europa, e de uma carreira literária como editor, ensaísta e romancista, natural que seus filmes, vistos isoladamente, provoquem as mais equivocadas interpretações. Esta pesquisa procura, através de um levantamento de seus filmes e escritos, dos debates que foram se travando sobre a vida nacional francesa e mundial, sempre retomando os fios dos acontecimentos decisivos do período do Front Populaire (1936), da ocupação da França pelos nazistas e das lutas de Resistência buscar uma interpretação para muitos dos aspectos aparentemente desconcertantes de sua filmografia. Ao longo dos capítulos a pesquisa aborda, a partir de documentação esparsa em textos, declarações, debates, frases de filmes, os elementos biográficos ënigmáticosd̈e que se tem conhecimento, dada a discrição do cineasta sobre a sua pessoa. Em seguida o momento crucial da entrada de Marker, com 16 anos, no liceu em Paris e turbulências do ano de 1936, na França, discorre sobre o Front Populaire. Depois foca o nascimento de uma corrente, da qual Chris Marker participa, influenciada pela filosofia personalista de Emmanuel Mounier; e depois sua passagem pela revista Esprit e posteriormente a sua integração nas lutas da Resistência. Seguindo os passos do futuro cineasta, aborda o impacto da Resistência na vida militante e a formação dos cineclubes no meio operário com a Associação Peuple et Culture. Toda esta trajetória é permeada por comentários e análises de cenas dos futuros documentários. Por fim a pesquisa, aborda a problemática do cinema militante, analisando L\'ambassade (1973), filme de solidariedade com a Unidade Popular chilena e contra o golpe de Pinochet e o curta sobre o editor François Maspero. Os últimos percalços de nosso percurso busca construir um debate sobre A. Medvedkine e V. Maiakóvsky e a profanação da arte moderna, procurando investigar como na obra de Chris Marker coincidem cinema militante, cinema experimental, cinema ensaio e cinema documentário.

Chris Marker is an intriguing filmmaker who produced unconventional political documentaries over almost sixty years. After an active militancy, and inserted in the heart of crucial events in France and Europe, and working on a literary career as an editor, essayist and novelist, it is natural that his films, viewed in isolation, could cause the most equivocal interpretations. This research seeks, through a detailed analyses of his films and writings, to work with the debates that were important on the French national and global life of his time. Always thinking about the decisive events of the Front Populaire in the period (1936), the occupation of France by the German Nazis and the participation of Marker in the struggles of the Resistance. All of this puzzeled elements seek an interpretation for many of the seemingly confusing aspects of his filmography.…

Advisors/Committee Members: Machado Junior, Rubens Luis Ribeiro.

▼ This dissertation offers a new approach to the 20th century Latin American prose writers Macedonio Fernández (Argentina, 1874-1952), Felisberto Hernández (Uruguay, 1902-1964), and Clarice Lispector (Brazil, 1920-1977). My approach is based on the study of affect, understood as an examination of the textual representation of mental and emotional states. An affect-oriented perspective reveals that these authors represent a unique reaction to the avant-garde cultural movements of early 20th century Latin America, one that is manifested in the image of the artist that they present in their work. The Latin American avant-gardes portrayed artists as privileged individuals privy to vivid, extreme sensations and perceptions, whereas, in the work of Fernández, Hernández, and Lispector, the artist’s feelings are unfocused and his or her perceptive powers are dulled. This creates an image of a decentered artist who is mired in ambivalence—a vague, uneasy affective state that is expressed most notably in the inattentiveness with which the artist approaches the creative process. This phenomenon—a combination of both affective and attentional decentering—marks a critical moment in the development of the figure of the artist in Latin American literature, moving away from the heroic artist portrayed by the avant-garde (inherited from romanticism and Spanish American modernismo) and anticipating the "death of the author" so prevalent in the Latin American "Boom." Advisors/Committee Members: Jennifer Fay (committee member), Earl Fitz (committee member), Cathy Jrade (committee member), Benigno Trigo (Committee Chair).

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This work focuses in the book The Society of Spectacle, from the french polemicist Guy Debord (1931-1994). Initially, there is the study regarding the influences to whom the author dialogues directly or indirectly Marxism, French philosophy, the artistic avant-gardes of the twentieth century. Subsequently, it follows more closely to the refered book, in particular in the matter of representation the representation in politics, representation in language and representation of time. Finally, there is a brief critical readback of the 1988 s text, Comentaries about the Society of Spectacle

Este trabalho versa sobre a obra A sociedade do espetáculo, do polemista francês Guy Debord (1931-1994). Num primeiro momento são levantadas as influências com quem o autor dialoga direta ou indiretamente , o marxismo, a filosofia francesa, as vanguardas artísticas do século XX. A seguir se debruça mais detidamente sobre o livro referido, em especial na questão da representação a representação na política, a representação na linguagem, a representação do tempo. Enfim, há um breve cotejamento crítico com o texto de 1988, Comentários sobre a sociedade do espetáculo

Advisors/Committee Members: Peter Pál Pelbart.

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Dans une situation historique très conflictuelle marquée d’un doute décisif envers les valeurs portées par les avant-gardes, la force de la pauvreté des formes de l’art et des formes du « non-art » est perçue comme pouvant impliquer, engager ou indiquer une issue. Considérant cette situation comme un « moment humain », on l’aborde par le prisme des « réponses constructives » qu'énonce la nécessité « d'organiser le pessimisme », de « construire quelque chose après Dada » puis de « survivre à la culture ». Il s’agit de montrer que ces trois orientations formalisent la recherche d'un commun et qu’elles instaurent un agencement de temporalités inédit qui peut être identifié dans l’ intrication complexe et jamais fixée des éléments du passé, des éléments révolutionnaires et des éléments des cultures de la distraction.

This thesis examines the historical moment when the beliefs sustaining European artistic avantgardes collapsed around 1925. It presents an in-depth study of the “constructive responses” that formally shaped artistic convictions and the search for collective action. These “constructive responses”— the organization of pessimism, how to act after Dada, how to outlive culture — indicate that the situation created a new configuration of temporalities. This thesis identifies their complex, shifting interactions between elements of the past, “revolutionary elements”, and elements of the cultures of distraction.

Advisors/Committee Members: Schaeffer, Jean-Marie (thesis director).

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Ce travail, qui entend rompre avec une vision assez intuitive de "l'effet du Coup de dés" au XXe siècle, cherche à établir son "archive", selon une double perspective : celle de l'archivistique d'une part, qui passe par un recensement des références positives au poème, entre 1897 et 2007, principalement dans le domaine français ; celle de l'archéologie d'autre part, qui implique une tentative d'interprétation des interprétations. Après un panorama de la réception immédiate, nous décrivons le processus d'institutionnalisation progressive du texte, à travers les différents "discours" qui ont pu être tenu (première partie). Puis, afin d'illustrer la dimension polymorphe de cette réception, nous évoquons les différentes transpositions du poème en dehors du domaine poétique : mises en images, mises en scène, mises en musique, mises en concept, mises en page. Il s'agit alors de décrire des "pratiques", qui ont la particularité d'éclairer le poème, tout en étant éclairées par lui. Nous esquissons ensuite l'héritage proprement littéraire du Coup de dés – les reprises formelles – en posant la question du genre (deuxième partie). Cette recherche s'achève sur un bilan critique dégageant les grands conflits d'interprétation, tout en montrant la double dimension du texte, à la fois aporétique et épiphanique.

This work, which intends to break with a fairly intuitive vision "effect of Un Coup de dés" in the twentieth century, seeks to establish his "archive", according to a dual perspective : that of “archivistic” on the one hand, which leeds us to identify positive references to the poem, between 1897 and 2007, mainly in french, that of the “archaeology” on the other hand, which involves the interpretations’ interpretations. After an overview of the immediate reception, we describe the gradual process of text institutionalization, through the various "speech" that have been held (first part). Then, to illustrate the multifaceted dimension of this reception, this work deals with differents transpositions of the poem outside the realm of poetry : image, stage, music, theory, and philosophy. We describe then "practices", which have shed light on the particularity of the poem, while being informed by him. Before concluding, we outline the proper literary legacy of Un Coup de dés - the formal rewrites - by addressing the query of genre (second part). The research concludes with a critical assessment highlighting the major interpretation’s conflicts, while showing the double dimension of the text, both aporetical and epiphanic.

Advisors/Committee Members: Marchal, Bertrand (thesis director).

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L’étude de l’oeuvre poétique tardive de l’artiste Jean Hans Arp (1886-1966) révèle que l’opposition entre non-sens et sens, au moyen de laquelle est souvent analysé le passage de sa production dada à sa poésie des années cinquante et soixante, n’a pas lieu d’être. L’introduction d’une cohérence aux plans formel et structurel permet au plan sémantique le maintien de la plurivocité et de la contradiction. L’analyse des formes poétiques arpiennes montre l’existence d’une invention et d’une variété formelles intactes dans la production tardives, entre actualisation de formes anciennes et innovation. Cette tension anime également son activité anthologique et éditoriale, comprise comme élément constituant de sa poétique tardive : le poète déploie des stratégies visant à constituer, entre soixante et quatre-vingts ans, une oeuvre réflexive, intégrant les cinquante années de production antérieure, mais en déjouant constamment les écueils de l’(auto-)monumentalité. Le rapport entretenu avec la réalité extérieure au langage connaît un bouleversement référentiel après 1943-1945. La critique accrue de la rationalité occidentale et l’exigence d’expression subjective conduisent à la mise en place d’un discours poétique sur le monde et sur les capacités du langage, une « cosmogonie de poche » à la fois humble et démiurgique. Elle consiste en une confiance inaltérée dans le pouvoir créateur du langage poétique, capable de créer d’autres mondes. Cette modernité radicale d’Arp, exacerbée car revendiquée, le situe de façon originale dans le contexte du devenir des avant-gardes européennes après 1945 et met en lumière la spécificité de son appartenance à une génération de transition.

A close study of Jean Hans Arp’s late poetry exposes the inadequacy of the traditional opposition between non-sense and sense, which is frequently used to analyse the transition from his Dada production to the poetic works of the 1950s and the 1960s. By introducing a formal and structural coherence, the poet manages to preserve plurivocity and contradiction on a semantic level. Considering the specificities of Arp’s late poetic forms, the study shows that invention and variety are as vivid then as they were during Dada Zurich, based on both innovation and actualisation of former techniques. This tension is inherent to his anthological and editorial activity as well, which is considered here as a key element of his late poetics. In his sixties and up until his eighties, the poet develops strategies aimed at constituting a reflexive work which integrates the earlier production while always avoiding the trap of (self-) monumentalisation. After 1943-1945, the relationship between Arp's poetry and reality outside the language undergoes a profound referential change. His increasing criticism of western rationalism and need for subjective expression, without returning to neo-romanticism, form the basis for a poetic discourse on the world and the possibilities of language, a “pocket cosmogony” that is both humble and demiurgic”. The latter hinges on an…

Advisors/Committee Members: Banoun, Bernard (thesis director).

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Le monde aéronautique a connu un essor significatif durant les premières décennies du XXe siècle. Propulsé par des avancées technologiques sans précédents, l’aéronautique fut rapidement omniprésente dans tous les secteurs de la vie et de la culture européennes. De la figure du pilote d’aéroplane émergea subtilement, puis avec force, l’image d’un homme robuste et valeureux qui personnifiait son pays. Trouvant un réceptacle favorable dans les héros nés de la Grande Guerre, les gouvernements totalitaires qui émergèrent façonnèrent le pilote comme l’avatar d’un homme idéal. L’imaginaire européen du premier tiers du XXe siècle vit alors naitre « l’homme volant », une facette de « l’homme nouveau », incarnant la grandeur de sa nation.

Aeronautics underwent a significant development during the first decades of the 20th century. Helped by new technological advancements aeronautics quickly became omnipresent in all sectors of the European life and culture. From the figure of the airplane’s pilot emerged subtly, then with strength, the image of a strong and brave man personifying his country. Finding a favorable receptacle in the Great War’s heroes, the totalitarian governments shaped the pilot as the avatar of an ideal man. The European imagination of the first third of the 20th century gave birth to the "flying man", a facet of the “new man”, embodying the greatness of its nation.

Advisors/Committee Members: Pierre, Arnauld (thesis director).