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[pt] Deslocar-se no horizonte impossível propõe múltiplas articulações em torno da questão da estrangeiridade. A narrativa Durante a construção da Muralha da China, de Franz Kafka, oferece o modelo estrutural, em que, a partir de blocos erguidos e dispostos num fluxo de viagem, são compostas zonas de vizinhança heterogêneas. Em 2007, Biño Sauitzvy, artista nascido no sul do Brasil, que havia migrado para a França quatro anos antes, retornava para apresentações de seus dois trabalhos mais recentes, H to H e La Divina. São produções intersecionais, entre a dança-teatro e a performance, em que um jovem diretor de teatro regressa como performer, coreógrafo e bailarino. No contato da narradora da tese com esse corpo novo se dá o encontro com o estrangeiro que se revela ali. É ele o meio disparador deste trabalho. O estrangeiro se apresenta nas relações corpo-gênero-sexo, em discussões em torno do eixo linguagem-língua-escrita-silêncio, em desdobramentos sociais, e em diferentes aparições de fronteiras e suas fissuras. Essa situação se impõe na escrita e é discutida no cruzamento entre trabalhos de arte (performance, dança-teatro, artes plásticas e literatura), pensamento teórico e experiência fabuladora. Busca-se assim a elaboração de uma escrita no caminho aberto pela pesquisadora e escritora americana Maggie Nelson, isto é, o de uma autoteoria — gênero que desenvolve a partir de modos de escrita presentes em obras de Roland Barthes, Susan Sontag e de Paul B. Preciado. É a partir desses textos e espaços que se desenvolve uma escrita em movimento, atravessada, por fim, pela estratégia fragmentária do escritor Jean Genet em Diário de um ladrão e Um cativo apaixonado, produzindo uma tese em que vida, memória, viagem e escrita se percorrem mutuamente.

[en] Moving into the impossible horizon proposes multiple articulations around the issue of foreignness. The narrative During the construction of the Wall of China, by Franz Kafka, offers the structural model, in which, heterogeneous zones of similarities are composed from blocks erected and arranged in a flux of journey. In 2007, Biño Sauitzvy, an artist born in southern Brazil, who had migrated to France four years earlier, returned to give presentations of his two most recent works, H to H and La Divina. They are inter-sectional productions, between dance-theater and performance, in which a young theater director returns as a performer, choreographer and dancer. In the contact of the narrator of the thesis with this new body occurs the encounter with the foreigner that reveals itself there. He is the trigger for this work. The foreigner presents himself in the body-gender-sex relations, in discussions around the language-language-writing-silence axis, in social unfoldings, and in different appearances of frontiers and their fissures. This situation imposes itself in the writing and is discussed in the intersection between works of art (performance, dance-theater, plastic arts and literature), theoretical thinking and the fabling experience. It seeks to elaborate a writing…

Advisors/Committee Members: FREDERICO OLIVEIRA COELHO, FREDERICO OLIVEIRA COELHO, FREDERICO OLIVEIRA COELHO.

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[pt] O presente escrito parte da desconfiança com relação à crítica maniqueísta apresentada por Hal Foster no livro O Complexo arte-arquitetura. Sua argumentação baseia-se na oposição entre a tríade experiência fenomenológica, virtualidade imagética e atuação conceitual. Com isso, há uma moralista redução dessas questões que resulta na condenação de diversas práticas arquitetônicas contemporâneas e na legitimação do fazer artístico de Richard Serra. Para Foster, a arquitetura estaria fadada à potencialização da vigente lógica neoliberal, posicionando assim o artista americano como única possibilidade de resistência a ela. Nesta dissertação, a atuação do artista brasileiro Cildo Meireles é tomada como transgressora à lógica fosteriana. Ao complexificar as relações entre mente-corpo-imagem em suas abordagens artísticas, Meireles não permite ser facilmente categorizado. Sendo assim, suas obras de arte servem de auxílio para desvelar que, apesar de aderir às lógicas capitalistas, parte da arquitetura contemporânea também pode apresentar aspectos transgressores. O escritório Herzog e de Meuron é eleito para ser aqui analisado a partir da suposição de que sua trajetória não se resume ao recorte estabelecido no livro citado acima. Justamente porque cada projeto dos suíços tem particularidades muito fortes é que parece difícil falar de sua totalidade sem que haja um enorme reducionismo. Isso leva esta pesquisa ao estudo de um de seus intrigantes edifícios: o Schaulager. Há, então, a suspeita de que este opere no que se denomina aqui como a condição de entre, estabelecida pelo emaranhar da atuação desviante de Cildo Meireles com a arquitetura digital contemporânea.

[en] The present work starts from the distrust regarding the manichean criticism presented by Hal Foster in the book The art-architecture Complex. His argument is based on the opposition between the triad of phenomenological experience, imagery virtuality and conceptual acting. As a result, there is a moralistic reduction of these issues causing the condemnation of several contemporary architectural practices and the legitimation of Richard Serra s artistic process. Following Foster s perspective, architecture would be fated to the potentialization of the current neoliberal logic, thus positioning the American artist as the only possibility of resisting to it. In this dissertation, the performance of the Brazilian artist Cildo Meireles is taken as transgressor to this fosterian logic. By complexifying the relations between mind-body-image in his artistic approach, Meireles restricts being easily categorized. Therefore, his artworks serve as an aid to reveal that, despite adhering to a capitalist logic, part of contemporary architecture may also present transgressive aspects. The Herzog and de Meuron s studio is chosen to be analyzed here, based on the assumption that its trajectory is not limited to the framework established in the above mentioned book. Due to the fact that each project belonging to the Swiss architects has its own particularities, it seems…

Advisors/Committee Members: OTAVIO LEONIDIO RIBEIRO.

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[pt] A tese investiga a trajetória intelectual da crítica de arte, historiadora e professora da Columbia University, Rosalind Krauss. Dividida em cinco capítulos, a pesquisa contempla as fases históricas de seu exercício analítico, da década de 1960 aos dias atuais. Para isso, elege como ponto de partida a hipótese de seu percurso intelectual ser abordado enquanto sobreposições de correntes formalistas distintas, com especial destaque para o formalismo greenbergiano, o formalismo russo e o estruturalismo francês. Pretende-se comprovar que Krauss, mesmo em um contexto notadamente pluralista das práticas artísticas contemporâneas, jamais descarta refletir a respeito das estruturas formais que engendram as obras, isto é, de seus mediums. A obra da ensaísta é aqui considerada enquanto um prisma através do qual é possível identificar distintas vozes que circunscrevem o seu campo discursivo: a apologia histórica da arte abstrata de Clement Greenberg e Michael Fried; a geração de pensadores em torno dos periódicos estadunidenses Artforum e October; a fenomenologia de Merleau-Ponty, a filosofia analítica do segundo Wittgenstein, o estruturalismo de Roland Barthes e Jacques Lacan; e, ainda, o pós-estruturalismo de Jacques Derrida. Deseja-se, com isso, oferecer ao leitor brasileiro uma leitura crítica da obra completa de uma das principais vozes da crítica de arte contemporânea estadunidense.

[en] This thesis looks at the work of the art critic, art historian and professor of Columbia University, Rosalind Krauss. Organized in five chapters, it contemplates the historical phases of her intellectual trajectory, from the 1960s to the present day. The hypothesis that guides this work runs as follows: Krauss essays should be organized as overlapping layers of distinct formalist currents, with special emphasis on Greenbergian Formalism, Russian Formalism and French Structuralism. This research intends to demonstrate that Krauss, even in a remarkably pluralistic context of contemporary artistic practices, has never discarded reflecting on the formal structures that engender the art works, that is, their mediums. The essayist s contribution is here considered as a prism through which it is possible to identify distinct voices that circumscribe her discursive field: the historical apology of abstract art by Clement Greenberg and Michael Fried; The generation of thinkers around the American periodicals Artforum and October; Merleau-Ponty s phenomenology; later Wittgenstein s philosophy; Roland Barthes and Jacques Lacan s structuralism; And Jacques Derrida s poststructuralism as well. In short, this project offers to Brazilian readers a critical reading of the work done by one of the dominant voices of contemporary art criticism.

Advisors/Committee Members: MARCELO GANTUS JASMIN.

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[pt] Esta pesquisa visa questionar, por intermédio da arte contemporânea, os processos de normatização do corpo ligados a ferramentas do cotidiano naturalizados pelo uso. Utilizo o meu trabalho artístico como veículo para estas questões. Nele, corpo e serviços de mesa se afetam mutuamente buscando um deslocamento de posições conhecidas e confortáveis. O trabalho inclui questões de configurações do corpo ocidental contemporâneo, a partir de uma revisita à antropologia e à sociologia por intermédio de um diálogo com Michel Foucault e Roland Barthes.

[en] This research aims to question, through contemporary art, the processes of normalization of the body linked to everyday tools naturalized usage. I use my artwork as a vehicle for these issues. In it, body and table services affect each other seeking a displacement of known and comfortable positions. The work includes questions of contemporary Western body configurations, from a revisit to anthropology and sociology through a dialogue with Michel Foucault and Roland Barthes.

Advisors/Committee Members: DENISE BERRUEZO PORTINARI.

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[pt] As obras dos dois artistas alemães Anselm Kiefer e Georg Baselitz e sua importância na retomada da arte germânica e européia no cenário da arte mundial são objetos de estudo deste trabalho. Ao reviverem suas próprias histórias de vida em sua prática artística, esses artistas transformam as reminiscências do passado em motivo (Leitmotiv) para a criação. Assimilando e explorando suas experiências vitais para transformá-las em matéria constituinte de suas poéticas, efetuam o resgate de um pathos tipicamente romântico. O olhar para a história comum, o nazismo, o comunismo, o período pós-guerra e a divisão da Alemanha e suas consequências pontuam suas obras. A semelhança estética entre suas poéticas faz-se presente em seu caráter monumental, no impulso pictórico, expressivo e brutal, bem como na qualidade gestual de suas obras. Também coincidem no regaste da figuração e de um simbolismo que alude a questões sociais, políticas e históricas, partindo de uma vivência pessoal.

[en] This paper studies the artistic creations of German painters Anselm Kiefer and Georg Baselitz and their importance in the retrieval of German and European art in the context of world art. Looking back at their own life stories and their artistic performance, these two painters made recollections of the past into the Leitmotif of creation. Assimilating and exploring their own vital experiences in order to turn them into the subject matter of their poetics, they effected the retrieval of a typically romantic pathos. A review of their common experiences with Nazism and Communism, the post-war period and the division of Germany and its consequences underscore their work. The aesthetical resemblance of their poetics also appear in the monumental character, the expressive and brutal painting impulse, as well as the spontaneous quality of their work. There also is a coincidence in the retrieval of figurative art and symbolism regarding social, political and historical questions, seen from a personal living perspective.

Advisors/Committee Members: RONALDO BRITO FERNANDES.

▼ Oggetto della ricerca è stato lo studio e l’analisi del sistema dell’editoria d’arte contemporanea nella Milano degli anni trenta, a partire da una mappatura della produzione libraria specializzata uscita lungo il decennio di cui si sono messe a fuoco forme, meccanismi e protagonisti. Il lavoro ha avuto una frase preliminare di individuazione dei materiali di studio, di strutturazione dell’ambito e dei campi di ricerca, in una prospettiva storiografica sostanzialmente inedita, al confine tra la storia dell’arte e dell’editoria, in cui si intrecciano le dinamiche della promozione artistica e del suo consumo, del mercato editoriale e della filiera del libro. Le peculiarità dell’edizione d’arte, dal suo profilo materiale al pubblico a cui è indirizzata, ne fanno un prodotto con caratteristiche e problematiche distinte nel quadro allargato dell’industria editoriale. Tale specificità negli anni trenta si innesta in un dibattito cruciale sull’identità dell’arte contemporanea, prefigurando un quadro storico nuovo rispetto al periodo precedente in cui si assiste alla significativa fioritura di iniziative editoriali inedite tese alla codificazione e divulgazione dei valori della cultura figurativa del presente. L’intero studio si è fondato sulla mappatura sistematica delle pubblicazioni date alle stampe tra il 1929 e il 1943 – arco cronologico individuato come il più congruente ai fini dell’indagine – condotta sulla base dell’analisi di fonti d’epoca specializzate quali guide bibliografiche, bollettini, cataloghi di vendita dei libri, nonché i registri di carico delle biblioteche di settore. Il recupero, l’esame diretto e la schedatura delle singole edizioni attraverso parametri specifici, messi a punto tenendo conto della natura del libro d’arte e in particolare della centralità delle fotoriproduzioni nella filiera produttiva, ha portato alla realizzazione di un database, confluito in un repertorio organizzato in schede tecniche e indici delle presenze editoriali. I risultati scaturiti da questo ampio censimento hanno orientato la ricerca verso i grandi nodi del sistema produttivo, dei generi letterari emergenti e dei procedimenti di riproduzione e di stampa delle immagini, tra teoria e agganci ai testi, alle fonti a stampa e alla documentazione d’archivio, allargando il complessivo campo di indagine a una comparazione con la rispettiva produzione editoriale italiana e straniera coeva. La tesi si articola dunque in tre grandi parti, introdotte da un tentativo di definizione delle forme del libro d’arte contemporanea e da una verifica dell’andamento della produzione editoriale. Quest’ultima ha messo in luce l’esistenza di una periodizzazione interna agli estremi cronologici legata a doppio filo a una molteplicità di dinamiche in atto che incidono in modo diretto sull’editoria di settore, tra le quali il consolidamento di un nuovo collezionismo, i contestuali svolgimenti sul piano della politica delle arti e i progressi tecnici dell’industria grafica sono solo alcune delle più eloquenti. L’analisi del sistema… Advisors/Committee Members: tutor: P. Rusconi, coordinatore: A.V. Cadioli, RUSCONI, PAOLO, CADIOLI, ALBERTO VALERIO.

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[pt] Figura-chave da chamada arte conceitual, o artista norte-americano Dan Graham iniciou sua trajetória artística em meados da década de 1960 muito por acaso. Convidado por amigos, tornou-se sócio da John Daniels, galeria em Nova York bastante ativa, mas de vida breve. Falido, viu-se obrigado a retornar à casa de seus pais em Nova Jersey. Durante a viagem de trem, pôde observar a nova cidade. Dessa experiência surgiu Homes for America, notório ensaio fotográfico sobre as habitações em massa dos subúrbios norte-americanos, que integra um primeiro conjunto de trabalhos do artista destinados a revistas. Algum tempo depois, Graham ingressou na Nova Scotia College of Art and Design, Halifax, dando início a um período em que seu interesse se volta para o vídeo, a performance e a instalação, interrompido por Public Space/Two Audiences, trabalho realizado para a Bienal de Veneza de 1976 que impõe ao artista uma autocrítica. A despeito de seu êxito, Graham reconhece que a instalação se aproximara em demasia do conceito de cubo branco. Como saída para o impasse, adotou a ideia de plano da cidade, passando a propor projetos de intervenção urbana até iniciar, no começo dos anos 80, seus pavilhões. Levando em conta a obra de Graham, ampla e diversa em seus meios, a tese é monografia que tem por objetivo realizar um estudo analítico sobre a prática do artista, definida, a meu ver, nos termos de um modelo crítico-conceitualista.

[en] Key figure of the so-called conceptual art, the North American artist Dan Graham began his artistic career in the mid-1960s quite by chance. Invited by friends, he became a partner of the John Daniels, a gallery in New York very active, but short-lived. Bankrupt, he was forced to return to his parents home in New Jersey. During the train ride, Graham can saw the new city. From this experience came Homes for America, notorious photographic essay on mass tract housing of North American suburbs, which is part of a first set of works for magazines. A while later, Graham joined the Nova Scotia College of Art and Design, Halifax, starting a period in which your interest turns to video, performance and installation, interrupted by Public Space/Two Audiences, work done for the Venice Biennale in 1976 that impose the artist self-criticism. Despite its success, Graham recognizes that the installation was near of the concept of the white cube. As out of the impasse, he adopts the idea of city plan, going to propose urban interventions projects, starting in the early 80s their pavilions. Considering Graham s work, broad and diverse in its mediums, the thesis is a monograph that aims to carry out an analytical study of the practice of the artist, defined, in our view, in terms of a critical-conceptualist model.

Advisors/Committee Members: RONALDO BRITO FERNANDES.

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[pt] Essa tese busca relacionar o trabalho da artista plástica Adriana Varejão (Rio de Janeiro, 1964 -) e o uso de temas e imagens comuns ao campo da historiografia. Com pouco mais de trinta anos de trabalho como artista profissional, Adriana Varejão produziu obras que transitam por diversos conteúdos operando sobre diversos suportes estéticos nas artes visuais. O campo mais conhecido é o da pintura, porém com desdobramentos para outras artes, como a instalação, a fotografia e a cinematografia. Os temas relacionados a escrita da história passam por vários desses trabalhos e de distintas maneiras. Essa pesquisa abordará justamente um grupo específico de questões, pensando em como a artista, analisa a história e que elementos usa para desconstruí-la e criá-la em uma narrativa ficcional e singular que dê conta de determinados momentos do passado sob novas perspectivas interpretativas. Para a artista o passado não está no que simplesmente já passou, mas sim no que sobrevive a ele, e que pode ser recontado de outra maneira. Em suas obras vemos a apropriação, sobretudo, em forma de paródia de fragmentos de outras imagens, algumas anônimas, outras de artistas, para formar obras de arte com outros significados. O percurso da tese começa em pensar como ocorrem essas apropriações, e se existem critérios rígidos para isso. Em seguida a ideia é pensar como a paródia aparece no trabalho da artista, em sua forma conceitual, e estética com a história. Na sequência duas grandes contribuições em forma de influências culturais, o barroco e o modernismo terão um estudo mais dedicado em algumas obras artísticas, em que o passado se faz presente, sobre outros caminhos. O que Adriana Varejão analisa é que parte dessas imagens do passado apresentam-se articuladas a determinadas ideias, e que para mudá-las é necessário uma transformação dessa iconografia. Dito isso, abordaremos como a artista perpassa imagens do passado, apropriando-se, e gerando novas questões. Para concluir, essa tese realizar uma reflexão sobre as possibilidades ímpares de se pensar o passado e de se escrever história.

[en] This thesis intends to relate the work of visual arts artist, Adriana Varejão (Rio de Janeiro, 1964 -) to usage of themes and images common for the historiography. Having worked for over 30 years as a professional artist, Adriana Varejão has produced works that transit through the variety of contents and operate on diverse aesthetic fundaments within visual arts. The most known field is the painting, with outspreads through such art as installation, photography and cinematography. The topics related to written history can be seen in many of these works in many different ways. This research is going to approach precisely the specific group of issues, considering how the artist analyses the history and what elements are used to deconstruct it and create it through a ficctional and singular narrative, through which the determined events from the past will be interpreted through a different perspective. For the artist, the past is not simply what has…

Advisors/Committee Members: ANA PAULA VEIGA KIFFER.

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[pt] A artista suíça-brasileira Mira Schendel (Zurique, 1919 – São Paulo, 1988) chegou ao Brasil no pós-guerra, em 1949, e aqui começou a pintar. Embora mantivesse vínculos inegáveis com os demais movimentos artísticos da segunda metade do século XX, Mira criou uma linguagem plástica própria e produziu uma estética entre que não permite ser reduzida a nenhum dos ismos de seu tempo. O objetivo da tese Mira Schendel. A rede da obra é investigar as escolhas formais e as preocupações expressivas de Mira a partir de um conjunto representativo de trabalhos, buscando apreender a singularidade das questões artísticas e plásticas implícitas nessas obras particulares. Desde a realização das 2000 Monotipias, entre 1964-66, sua pesquisa ramifica-se em séries que se desenvolvem a partir do desdobramento de algumas questões matriciais: o transparente e o opaco, a potencialização do vazio, a corporeidade do mundo, as ambiguidades do signo, o tempo. Artista prolixa, destacava-se pelo experimentalismo espontâneo. Sempre pesquisando os processos da forma, utilizou materiais inusitados que estabeleciam entre si relações bastante singulares e criou uma quantidade assombrosa de trabalhos que declaram a falência da hierarquia entre pintura, desenho, escultura ou instalação. Recortou, furou, amassou e, literalmente, amarrou os seus suportes. Desenhava com a unha, no avesso do papel. Esses gestos inesperados acabaram por explodir, em definitivo, a representação ilusionista e produziram um pensamento novo, incrivelmente livre, sobre a pintura e o espaço pictórico.

[en] Swiss-brazilian artist Mira Schendel (Zurich 1919 - São Paulo 1988) arrived in Brazil after the war, in 1949, and here she began to paint. Although she maintained undeniable connexions with the other artistic movements of the second half of the twentieth century, Mira created a language of her own and produced an aesthetic of the in between, which cannot be reduced to any of the isms of her time. The purpose of the dissertation Mira Schendel: the work of art s net is to investigate Mira s formal choices and expressive concerns as from a representative set of her works, seeking to apprehend the singularity of the artistic and plastic issues implicit in these particular works. Since the 2000 Monotypes, made between 1964-66, her research has been based on series that develop from the unfolding of some matrix issues: the transparent and the opaque, the potentialization of the void, the corporeality of the world, the ambiguities of the sign, time. A prolix artist, she stood out because of her spontaneous experimentalism. Always researching the processes of form, she used unusual materials that established very singular connections; she created an astonishing amount of works that declare the failure of the hierarchy between painting, drawing, sculpture or installation. She cut, punched, kneaded, and literally tied up her supports. She drew with her fingernail on the back of the paper. These unexpected gestures definitely invalidated the illusionist representation and produced a…

Advisors/Committee Members: RONALDO BRITO FERNANDES.

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[pt] A presente dissertação é fruto de uma investigação sobre formas e possibilidades de atuação política na cidade contemporânea. Em contraponto direto à crise de projeto e da representatividade política instaurada na contemporaneidade, as ações de urbanismo tático pareciam inicialmente responder aos anseios desta investigação. Tratam-se de atos apropriativos e de ativação de espaços da cidade movidos pelas próprias populações. Mas uma análise dos discursos políticos produzidos pelos agentes do caso de urbanismo tático desenvolvido no Largo da Batata (SP), dão a ver a fraqueza de atos baseados na oposição entre sociedade civil e Estado. Explicitamos de que forma estas ações são atravessadas pelo poder biopolítico e pelas estruturas da cidade neoliberal. Mas se a cartografia complexa e microfísica das relações de poder contemporâneo incide sobre os corpos e vidas de todos e de cada um, então uma ação política não necessariamente deve se dar em afronta ao aparelho de Estado. Assim vemos emergir de uma miríade de práticas sua potência micropolítica, dentre elas, a arte no regime estético. Seu caráter eminentemente dissensual produz fissuras na partilha do sensível e, em contato com o espectador emancipado, possibilita a produção de singularidades, a contrapelo das experiências massificantes que predominam nas grandes cidades contemporâneas. Ao final desta dissertação nos debruçamos sobre as relações entre corpo, política e cidade nos trabalhos artísticos do coletivo Opavivará!, apresentados de forma ensaística.

[en] This dissertation is the result of an investigation about forms and possibilities of political action in the contemporary city. In direct counterpoint to the project and the political representativeness crisis established in contemporary times, the actions of tactical urbanism seemed initially to respond to the aspirations of this investigation. These acts of appropriation and activation of public spaces are put in place by the populations themselves. However a careful review of the political speeches produced by the agents of the Batata Precisa de Você, a case of tactical urbanism developed in Largo da Batata (SP), shows the weakness of any political act based on the opposition between civil society and State. We explain how these actions are crossed by biopolitical power and inscribed inside structures of the neoliberal cities. But if the complex and microphysical cartography of contemporary relations of power affects the bodies and lives of each person and everyone, then a political action does not necessarily takes place in defiance of the State apparatus. Thus we see emerge from a myriad of practices the emergence of its micro political potential, amongst them art in the aesthetic regime. Its eminently dissensual character produces cracks in the distribution of the sensible and, in contact with the emancipated spectator, enables the production of singularities, in opposition to the mass experiences that prevail in most of great contemporary cities. At the end of this dissertation we focus on the…

Advisors/Committee Members: DENISE BERRUEZO PORTINARI.

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[pt] Questões silenciadas ao longo de décadas podem continuar a reverberar ainda hoje, atravessando gerações e experiências de vida distantes no tempo e no espaço. Anos de silêncio não são simplesmente um vazio, pois se acumulam quase imperceptivelmente. Como têm materialidade, embora extremamente sutil, eles afetam as pessoas que os herdam - seja por sorte, azar, acaso ou nascimento. Nesse sentido, esta tese de doutorado se inspira especialmente em uma fotografia na qual a artista japonesa Yamashiro Chikako aborda o legado da guerra em Okinawa, ilha no extremo sul do Japão. Para refletir sobre modos artísticos de escutar silêncios herdados, doze ensaios breves oscilam entre a pesquisa acadêmica e fragmentos de memória e de ficção. Os textos enfatizam sobretudo o potencial criativo da arte para sintonizar os aspectos sonoros, visuais e táteis do silêncio e lidar com o que não coube nos registros oficiais.

[en] Unsettled issues silenced for decades may still resonate today, crossing generations and life experiences even when they are distant in time and space. Years of silence are not simply empty for they accumulate almost imperceptibly. Though extremely subtle, they have materiality, affecting those who inherited them - be it by sheer chance or birth. This dissertation takes inspiration from Japanese artist Yamashiro Chikako s work dealing with war legacy in Japan s southernmost island of Okinawa. These twelve short essays alternate between academic research and pieces of memory and fiction in order to reflect on artistic ways of hearing inherited silences. The texts highlight art s creative potential to perceive synesthetic aspects of silence (especially those related to hearing, sight, and touch), and its ability to cope with whatever was left outside official registers.

Advisors/Committee Members: KARL ERIK SCHOLLHAMMER.

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[pt] O presente trabalho aborda a ideia e a construção do autorretrato. O texto se constrói a partir de questões trazidas pela produção de uma imagem a qual o autor denomina eu mesmo. O desenvolvimento da dissertação busca esclarecer e deparar-se com essas questões, são elas: a relação entre o olhar do retrato e aquele que se vê retratado; a relação da fotografia com a morte e o que esta relação provoca naquele que é retratado; e como se pode produzir uma imagem sendo ela ao mesmo tempo o corpo retratado e um objeto fora deste corpo. Estes pontos são apresentados e desenvolvidos em uma linha limite entre a ficção e a teoria. Deste modo, conceitos de autores como Sigmund Freud, Jean Luc Nancy e Roland Barthes surgem e se misturam a uma narrativa ficcional que se apresenta na forma de uma escrita performática, tendo sido de suma importância para o processo de criação deste trabalho que esta escrita fosse construída juntamente com o desenvolvimento da pesquisa acerca do objeto. Ao texto se agregam imagens de retratos e outros desenhos a fim de possibilitar uma melhor interação por parte dos leitores com as questões aqui apresentadas.

[en] This work discusses the idea and construction of the self-portrait. The text is constructed from the questions brought by the production of an image that the author calls self. The development of this thesis seeks to face and clarify these issues, which are: the relationship between the eye of the portrait and the one who sees himself portrayed; the relationship between the portrait and death, and what this relationship provokes in the one who is portrayed; and also: how is it possible to build an image that is, at the same time, the portrayed body and an object out of this body. These subjects are presented and developed in a fine line between fiction and theory. Thus, concepts by authors such as Sigmund Freud, Jean Luc Nancy and Roland Barthes emerge and mix with a fictional narrative that is presented in the form of a performative writing. The fact that this writing was created along with the development of the research about the object has been crucial to the creation process of this work. Images of portraits and other drawings were aggregated to the text in order to provide a greater interaction of the readers with the issues presented here.

Advisors/Committee Members: ANA PAULA VEIGA KIFFER.

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[pt] Esta dissertação propõe algumas leituras transversais sobre as obras Cicatriz de Rosângela Rennó, Diários Públicos, de Leila Danziger e Memórias inventadas em costuras simples de Caroline Valansi. Nessas obras, podemos observar a contundente forma como as artistas se apropriam de fotografias, relatos, fragmentos devida, objetos e memórias de anônimos, construindo narrativas imaginárias que problematizam a separação entre realidade e ficção nas obras de arte. A idéia aqui é analisar a forma como á vida doméstica, os discursos afetivos, as narrativas individuais passam a ser objeto, foco narrativo da arte contemporânea. Pensar em como se dá esse processo de apropriação das histórias dos esquecidos, dos rostos sem nome, dos amores mal amados de amantes desimportantes,da história dos invisíveis e renegados da grande História. Entender de que maneira essas vozes – dos sem voz – são assimiladas, interpretadas, transformadas em registros, documentos, e ocupam na contemporaneidade o lugar da fala e do visível através do fazer artístico. Os trabalhos das artistas aqui tratadas fazem vir à tona (aparecer) imagens apagadas,esquecidas,condenadas à amnésia social,nos espaços artísticos institucionalizados e, por isso, forçam os limites entre arte, vida,política e estética, na medida em que transfiguram, dotando de visibilidade espaços e imagens antes desimportantes e condenados ao apagamento.

[es] Esta tesis propone lecturas tranversales acerca delas obras Cicatriz, de Rosângela Rennó,Diários Públicos,de Leila Danziger, y Memórias inventadas em costuras simples de Caroline Valansi. En dichas obras se puede observar la forma contundente con la quelas artistas apropíanse de fotografías, relatos, fragmentos de vida, objetos y memoria de personas anónimas, construyendo narrativas imaginárias que problematizan la separación entre realidad y ficción en las obras de arte. La ideia es analizar la forma como la vida doméstica, los discursos afectivos, las narrativas individual pasan a ser objeto, foco narrativo del arte contemporáneo. Pensaren cómo se da el proceso de apropiación de las historias de los olvidados, de los rostros sin nombre, de los amores mal amados de amantes no importantes, de la historia de los invisibles y renegados dela grande Historia. Entender de qué manera esas vozes – de los sin voz – son asimiladas, interpretadas, transformadas en registros, documentos, y ocupan en la contemporaneidade el lugar del habla y del visible através de lhacer artístico. Los trabajos de las artistas aquí tratadas sacan a la superficie (hacen aparecer) imágenes apagadas, olvidadas, condenadas a una amnesia social, en los espacios artísticos institucionalizados y, por consiguiente, fuerzan los límites entre arte, vida, política y estética, en la medida en que transfiguran, proveyendo de visibilidade espacios e imágenes antes no importantes e condenados al apagamiento.

Advisors/Committee Members: ANA PAULA VEIGA KIFFER.

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[pt] A presente dissertação faz parte da linha de pesquisa Novos Cenários da Escrita e investiga as relações entre corpo e arte contemporânea, propondo aproximações entre uma ideia de espectro e os conceitos devir-imperceptível (cf. Deleuze e Guattari) e infraleve (cf. Marcel Duchamp). Provocada por algumas obras de artistas contemporâneos (Silueta Series, de Ana Mendieta, The Ruins of Detroit, de Marchand e Meffre, a exposição Contemporáneo 30, de Elba Bairon, e Underlie 04, de Marc Atkins), realiza uma leitura das mesmas, atravessada por esses conceitos.

[en] This dissertation is part of the research line New Scenes for Writing and relates body and contemporary art, proposing similarities between a certain idea of spectrum and two concepts: becoming-imperceptible (as in Deleuze and Guattari) and infrathin (as in Marcel Duchamp). Provoked by a few works from contemporary artists (Siluetas Series, by Ana Mendieta, The Ruins of Detroit, by Marchand and Meffre, Contemporáneo 30, by Elba Barion, and Underlie 04, by Mark Atkins), it makes a reading effort of them, crossed by these concepts.

Advisors/Committee Members: ANA PAULA VEIGA KIFFER.

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[pt] O estudo das obras do cineasta e artista visual brasileiro Karim Ainouz enfoca uma tendência cinematográfica atual que substitui a mise-en-scène clássica por um fluxo das ações cotidianas e efêmeras que se apresenta diante da câmera. Tal tendência estética funde ficção e documentário, explorando a imagem e o som através de suas qualidades intrínsecas, próxima da abordagem das artes visuais. Karim Ainouz traz às telas um cinema que flerta com as artes visuais e entender esses trânsito é fundamental para a compreensão de sua obra. Seus filmes abordam questões como sentir-se estrangeiro, a relação entre o indivíduo e o lugar onde ele habita e a memória. Sua obra é, acima de tudo, sobre cruzar fronteiras, sejam elas geográficas (seus personagens são, com frequência, viajantes), de circuito de exibição (imagens cinematográficas que poderiam se encaixar em uma exposição numa galeria de arte), narrativas (ficção que se une com documentário em uma mesma obra) ou estéticas (imagens contemporâneas feitas com materiais obsoletos). Entre seus longa-metragens, curta-metragens e uma video instalação, é possível analisar não somente os temas matrizes do seu trabalho, como também o lugar da imagem em movimento hoje em dia e a situação do cinema contemporâneo.

[en] The study of the filmmaker and visual artist Karim Ainouz s works focusses on a recent cinematographic tendency that replaces classic mise-en-scène by daily actions presented in a flux in front of the camera. This trend brings together fiction and documentary, exploring image and sound by their inner qualities, similar to a visual arts treatment of these features. Karim Ainouz brings to the screen a type of cinema very close to visual arts. Understanding the transit between these two types of art is essential to fully comprehend Ainouz s work. His films approach key points such as the feeling of being a foreigner, the relationship between a person and its habitat and memory. The director s work is, above all, about crossing borders, whether they are geographic borders (his characters are usually travelers), narrative borders (fiction bonded with documentary) or aesthetic borders (contemporary images made with obsolete materials). Through his feature films, short films and a videoinstalation, it is possible to analyze not only the main subjects and themes of his work, but also matters like the place of the image in movement nowadays and the contemporary cinema situation.

Advisors/Committee Members: SERGIO BRUNO GUIMARAES MARTINS, SERGIO BRUNO GUIMARAES MARTINS.

▼ La presente tesis doctoral que lleva por título ¿El arquitecto Vicente Traver Tomás (1888-1966)¿ supone un avance sustancial en el conocimiento de este importante arquitecto español del panorama artístico nacional del siglo XX. Las referencias fragmentarias y heterogéneas se aúnan en una obra total basada en el estudio y sistematización del archivo de este ilustre castellonense en conjunción con las más diversas fuentes que aportan al estudio un sinfín de datos interesantes. La tesis se plantea en dos tomos: en el primero de ellos se analiza su obra en los dos períodos diferenciados: Sevilla y Castellón, sedes de su estudio de arquitectura entre 1913 y 1933 en la primera de ellas, y desde 1933 hasta 1966, en la segunda, coincidiendo esta última con la fecha de su óbito. Previa-mente, sendos capítulos dedicados a la biografía y relaciones tanto personales como profesionales, así como los influjos que desde su fase formativa configurarán su particular modo de entender la práctica arquitectónica. A continuación, se lleva a cabo el análisis de sus proyectos desde un punto de vista tipológico, aspecto que nos permite apreciar una evolución dentro de obras con similar finalidad al igual que reflexionar acerca de las soluciones o adaptaciones a las que ha de acudir en casos puntuales. Completando el referido análisis y siguiendo su misma ordenación, el catálogo de las obras, plasmado a través de fichas catalográficas, básicas en casos y amplias en otros, con la pretensión de dar a conocer los casi 2.500 proyectos que desde sus estudios en Sevilla y Castellón llegó a realizar este incansable artista castellonense. El tomo II contiene un amplísimo apéndice documental. Casi 800 documentos, inéditos en una inmensa mayoría, configuran este repertorio, el cual se compone por textos originales referentes tanto a aspectos técnicos de las obras, correspondencia, recortes, etc., como anotaciones manuscritas que nos ofrecen particularidades de los procesos y progresos constructivos, o testimonios anecdóticos y curiosos. Además de todo ello, culmina el volumen con dos índices, onomástico y topográfico. Alejándonos de la mera compilación de datos, la sistematización del ar-chivo del arquitecto en conjunto con otras referencias ofrecidas por otros archivos locales, provinciales y nacionales; el rastreo y clasificación de una bibliografía con noticias parciales y fragmentarias, así como de la documentación para-lela, conforman una amalgama especialmente interesante y seductora cuyo exhaustivo análisis, interpretación e imbricación da como resultado el conocimiento de una de las personalidades más apasionantes y poliédricas del panorama intelectual y artístico español. Advisors/Committee Members: Roda Peña, José (advisor), Universidad de Sevilla. Departamento de Historia del Arte (affiliation), 1847: Patrimonio artístico andaluz y su proyección Iberoamericana (group).

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La ricerca che ho condotto è stata resa possibile da un lavoro di recupero dei carteggi inediti tra Jacques Maritain e Georges Rouault. Il fondo Rouault-Maritain è collocato attualmente nell’Archivio della Fondazione Georges Rouault di Parigi. La corrispondenza di Rouault è frutto di una donazione di Antoniette Grunelius a Isabelle Rouault, proveniente in parte dall’Archivio Maritain di Kolbsheim. Il difficile lavoro di recupero delle corrispondenze, durato tre anni, è stato reso possibile grazie al concorso attivo dei nipoti di Rouault a Parigi. La corrisponenza epistolare consta di 104 lettere (alcune di queste molto lunghe) e un corpus più ridotto di lettere (circa 30) tra I Maritain e la famiglia Rouault. La prima difficoltà che l’indagine ha richiesto è stata la decifrazione della calligrafia di Georges Rouault, di difficile intelleggibilità. Si è quindi repertoriata una griglia orientativa della morfologia dei caratteri adottati tendenzialmente da Rouault in modo da favorire il lento lavoro di comprensione. Tutte le lettere sono state catalogate secondo un criterio cronologico e attraverso un codice identificativo. Le lettere sono citate secondo questo codice, e dal contesto si evince sempre il mittente e il destinatario. Altra difficoltà incontrata è la struttura sintattica della corrispondenza non chiara e talvolta errata; la velocità e l’urgenza sono i tratti ricorrenti dello stile epistolare di Rouault, almeno nei confronti di Maritain. Questa difficoltà ha quindi originato un lavoro aggiuntivo che ha coinvolto tutta la famiglia Rouault per fornire un senso preciso a ciascuna lettera. La terza fase del lavoro è stata quella della contestualizzazione di ciascuna lettera attraverso la individuazione delle circostanze e delle implicite allusioni. Il tutto è stato corredato da note esplicative a piè di pagina. Per il caso delle lettere di Jacques Maritain la situazione è stata molto più agevole grazie alla ben nota chiarezza calligrafica del filosofo. Il carteggio ha portato alla luce dati inediti che apportano sostanziali integrazioni biografiche e che illuminano molteplici aspetti della relazione fraterna e amicale tra Georges Rouault e Jacques Maritain e le loro rispettive famiglie. L’ultima parte della ricerca si è orientata nell’analisi dei carteggi e nella scoperta di 4 convergenze di natura poetico filosofica tra Rouault e Maritain a partire dagli aspetti inediti rinvenuti nella biografia epistolare e dalle loro opere.

The research I conducted was made possible by a process of recovery of unpublished correspondence between Jacques Maritain and Georges Rouault. The fund Rouault-Maritain is currently located in the Archives of the Foundation Georges Rouault in Paris. The correspondence of Rouault is the result of a donation of Antoinette Grunelius Isabelle Rouault, coming in part from the Archives of Maritain Kolbsheim. The hard work of recovery of the matches, which lasted three years, was made possible thanks to the active assistance of the grandchildren of Rouault in Paris. The correspondence…

Advisors/Committee Members: BEARZOT, CINZIA SUSANNA, DIODATO, ROBERTO.

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Il presente lavoro cerca di avvicinarsi alla complessità dell'attuale status quaestionis della performance teatrale, con uno sguardo e una prospettiva estetica, rivolto in particolare alla drammaturgia postdrammatica degli ultimi trent'anni; uno sguardo che trova nello studio analitico di tre re-enactements – This is theatre like it was to be expected and foreseen (1982; 2012) e The Power of Theatrical Madness (1984; 2012) di Jan Fabre, seguiti da Les Aiguilles et l'Opium (1991; 2013) di Robert Lepage – un luogo privilegiato di osservazione.

This research tries to approach the complexity of the current status quaestionis of theatrical performance, with an aesthetic perspective focused on the postdramatic theatre of the last thirty years; a look that finds in the analysis of three re-enactements - This is theater like it was to be expected and Foreseen (1982; 2012) and The Power of Theatrical Madness (1984; 2012) by Jan Fabre, followed by Needles and Opium (1991; 2013) by Robert Lepage - a privileged place of observation.

Advisors/Committee Members: BEARZOT, CINZIA SUSANNA, CASCETTA, ANNAMARIA.

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La tesi analizza le collaborazioni di alcuni protagonisti della ricerca artistica contemporanea con la Rai tra gli anni Sessanta e Settanta. Dopo un capitolo introduttivo che ripercorre nelle sue linee principali le origini del dibattito critico italiano intorno al tema dei rapporti fra artisti e televisione, lo studio si concentra sul periodo 1968-1975, quando da un lato la Rai si apre maggiormente all’attualità artistica, dall’altro gli sviluppi dell’arte in direzione ambientale e performativa e le prime sperimentazioni video creano le premesse per interventi negli spazi della televisione pubblica. Il dialogo aperto da queste collaborazioni è particolarmente significativo perché rovescia la prospettiva con cui la Rai ha prevalentemente guardato l’arte contemporanea. La ricerca artistica si insinua nella programmazione ordinaria, oltre i confini del programma specialistico sull’arte, innescando riflessioni che vanno sempre al di là di un contributo “decorativo”, scenografico, educativo o divulgativo. Gli interventi artistici pensati per gli schermi Rai sono specchio di un contesto culturale assai più ampio e la loro analisi permette uno sguardo trasversale sul panorama artistico a cavallo dei due decenni, aprendo direzioni di riflessione nelle storie dell’arte più note di quegli anni e nella storia della televisione culturale italiana.

This thesis investigates the collaboration between leading figures of contemporary art and Italian public broadcaster Rai in the 1960s and 1970s. The opening chapter provides an overview of the early debates in Italian art criticism on the relationship between artists and television. The study then focuses on the period 1968-1975. On the one hand, Rai was increasingly opening up to contemporary art during this time; on the other, the emergence of environment and performance art and the early experimentations with video were creating the conditions for artists to work in the space of public television. The exchanges arising from these collaborations are particularly significant because they reverse Rai’s prevalent approach to contemporary art. By going beyond specialist cultural programming and creeping into ordinary programmes, art makes a contribution which always transcends a merely ‘decorative’, scenographic or educational purpose. Artists’ work for Rai reflects a much wider cultural context, and its analysis offers a broad view of the art scene at the turn of the decades, providing new directions for exploration of the more well-known art histories of those years and of the history of cultural television programming in Italy.

Advisors/Committee Members: BEARZOT, CINZIA SUSANNA, TEDESCHI, FRANCESCO, DI RADDO, ELENA.

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[pt] A escrita desta dissertação teve como intuito discorrer sobre as ações do projeto Lastro – Intercâmbios Livres em Arte, entendendo-o como rede de contatos e plataforma de ação para projetos colaborativos. Uma proposta que visa conexões no campo da arte e cultura no contexto América Latina, porém com reverberações além-territórios. Como rede opera em diferentes frentes de trabalho e pensamento, tendo a mobilidade contemporânea como foco de estudo. Esta pesquisa propôs uma ramificação do pensamento sobre mobilidade em formato de cadernos de viagens, aprofundando pontos de vista e abordagens diferenciadas acerca do deslocamento e como este é entendido por artistas, transformando-se em poética. Quatro cadernos que se transmutarão em pequenas publicações via coleção de livros Lastro. Tal trânsito tem como objetivo fomentar projetos editoriais experimentais que atuem como dispositivo questionador e aglutinador. Além disso, tal projeto inaugura o selo editorial Lastro, o que faz nascer mais uma atividade da rede. A realização dessa pesquisa vem auxiliar uma maior compreensão conceitual do Lastro e sua potência política enquanto proposta curatorial rizomática.

[en] The core aim in the writing of this abstract was to discourse on the project named Lastro - Intercâmbios Livres em Arte (ballast –free exchange art) seeing it as an action platform and a network for cooperative projects. A project that seeks the connections of artistic and cultural fields within the Latin-America context, though resounding beyond its limits. As a network it acts in various types of work fronts and thoughts, having a contemporary movability as its study focus. That research has proposed a branching of the thoughts on movability in the shape of travel diaries, deepening points of views and the differentiated approaches regarding movement and how it is understood by artists by shaping it into poetic. Four diaries that will take the format of small publications through the Lastro book collection. The goal of such movement is to promote the experimental publishing projects that may act as a questioning as well as unifying device. Besides, such project also inaugurates the Lastro imprint, and by doing so, we’ll be starting one more activity in its network. The execution of such research intends to enhance the conceptual comprehension of Lastro and its political potentiality as a non-hierarchical curatorship project.

Advisors/Committee Members: CECILIA COTRIM MARTINS DE MELLO.

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In una riflessione storico-critica sulle questioni che hanno animato il dibattito nazionale e internazionale intorno alla Performance art durante gli anni Settanta, fino alle implicazioni critiche più recenti sul concetto di "performatività", la ricerca affronta la funzione estetico-politica della performance connessa ad alcuni casi specifici di azioni e animazioni radicali in Italia tra il 1975 e il 1980 tra teoria critica e pratica politica.

In a historical-critical reflection on the issues that have animated the national and international debate about the performance art during the seventies, until the most recent critical implications on the concept of "performativity", the research addresses the aesthetic-political function of the performance related to some specific cases of radical actions and animations in Italy between 1975 and 1980 between critical theory and political practice.

Advisors/Committee Members: CASCETTA, ANNAMARIA, CASCETTA, ANNAMARIA, TEDESCHI, FRANCESCO.

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La ricerca approfondisce il ruolo svolto da Adriano Bernareggi, sacerdote milanese, poi dal 1932 vescovo di Bergamo, nel movimento di rinnovamento degli studi ecclesiastici che ha attraversato il primo trentennio del Novecento. Formatosi presso le Università Gregoriana e Lateranense, nel clima segnato dal modernismo e dalla reazione pontificia, Bernareggi insegnò presso il Seminario di Milano, dal 1909 al 1932, e presso l’Università Cattolica, dal 1922 al 1926. In queste sedi, si sforzò di dare una risposta moderna – non modernista – all’ansia spirituale dell’uomo contemporaneo, attraverso un nuovo linguaggio religioso, capace di valorizzare la storia della Chiesa e, soprattutto, la sua liturgia. Particolare attenzione è stata dedicata: all’insegnamento seminariale, compreso il tentativo di promuovere un aggiornamento della ratio studiorum della Facoltà teologica in senso universitario, seguendo linee che anticipavano la Deus scientiarum Dominus; alla direzione della rivista “La Scuola Cattolica”, che tentò di trasformare in un periodico di scienze sacre nazionale, per riqualificare gli studi religiosi attraverso l’applicazione di una prospettiva storica e del metodo critico-filologico; alla partecipazione al movimento artistico-liturgico milanese, con la riscoperta, guardando all’insegnamento francese e all’abbazia di Maria Laach, del valore iniziatico dei riti; alla prevostura a S. Vittore al Corpo, laboratorio di una nuova “prassi liturgica”; alla sua partecipazione al dibattito sulla Questione Romana e sulla Conciliazione.

The research focuses the role played by Adriano Bernareggi, priest in Milan, then bishop of Bergamo since 1932, in the renewal movement of ecclesiastical studies during the first three decades of the twentieth century. Trained at the Gregorian and Lateran Universities, in a climate marked by modernism and vatican reaction, Bernareggi taught at the seminary of Milan, from 1909 to 1932, and at the Catholic University, from 1922 to 1926. In these sites, he strove to give a modern response - not modernist – to the spiritual anxiety of modern man, through a new religious language, able to enhance Church history and, especially, its liturgy. Particular attention has been paid to: the teaching, including the attempt to promote an update of the Ratio Studiorum of the Theological Faculty, following lines that anticipated Deus Scientiarum Dominus; the direction of the magazine “La Scuola Cattolica”, that he attempted to transform in a national periodic of sacred sciences, to regenerate religious studies through the application of an historical perspective and critical-philological research method; the participation in the liturgical and artistic movement in Milan, looking to french teachings and Maria Laach, especially to rediscovery the initiation value of rites; the prevostship at St. Vittore al Corpo, a laboratory of a new “liturgical practice”; the role in the debate on the Roman Question and Conciliation.

Advisors/Committee Members: BEARZOT, CINZIA SUSANNA, GIOVAGNOLI, AGOSTINO.

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[pt] Esta dissertação pretende contribuir para uma maior compreensão da poética da artista CARMELA GROSS através de uma abordagem que identifica relações plásticas, históricas e conceituais em seus territórios poéticos. Na diversidade das suas obras, a artista ativa territórios móveis, em constante definição subjetiva de um lugar poético, onde a multiplicidade simbólica desses territórios atua no espaço urbano e nos museus como jogos estéticos a serem experimentados. A artista constrói por meio de um conjunto de experiências e ações poéticas um vocabulário plástico próprio, em uma trajetória artística que revela a pesquisa constante em busca de novas descobertas no universo plástico. Do ambiente artístico da formação de Gross, em meados dos anos 1960, em São Paulo, surgiram questões que permearam suas pesquisas ao longo de seu percurso, trazendo problemáticas estéticas que instigam o experimentar e o vivenciar de um território artístico singular. Gross articula discursos (potentes e singelos) sobre a arte e a sociedade contemporânea, expandindo e contaminando tanto os ambientes dos museus (e galerias de arte) como os espaços das cidades. Portanto, a presente pesquisa teve como finalidade construir uma cartografia que contribuísse para expor a multiplicidade de olhares e reflexões, como entendimentos (provisórios), das forças que atuam na poética de Gross.

[en] This Dissertation wants to contribute to a greater understanding of the artist CARMELA GROSS poetics through an approach that identifies plastic, historical and conceptual relations in her poetics territories. On the diversity of her works, Gross active mobile territories, in constant subjective definition of a poetic place, where the multiplicity symbolic of these territories operate in urban areas and museums as aesthetic games to be experienced. The artist builds through a set of experiences and poetics actions an own plastic vocabulary, in an artistic trajectory that reveals the constant search for new discoveries in plastic universe. By the artistic environment of the Gross formation, in the middle of 1960, in São Paulo, questions emerged and permeated her research throughout her journey, bringing aesthetic problems that instigate the undergoing and the experience of a singular artistic territory. Gross articulates discourses (potent and simple discourses) on contemporary art and society, expanding and contaminating both the environments of the museums (and art galleries) and the spaces of the cities. Therefore, the present research had as intent build a mapping which would contribute to expose the multiplicity of views and reflections as (provisional) understanding of the forces which acting in the poetics of Gross.

Advisors/Committee Members: CECILIA COTRIM MARTINS DE MELLO.

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[pt] Poéticas da Complexidade: o lugar contemporâneo e os limites da Arquitetura entre Arte e Paisagem analisa trabalhos de arte/arquitetura que, participando do chamado campo ampliado, após os anos 1960, partem de uma relação com o sítio para re-instaurar a paisagem. As obras estudadas se diferenciam das posturas arquitetônicas contextualistas que, em defesa do lugar como permanência, propuseram uma recuperação historicista do passado. As poéticas da complexidade expõem o lugar contemporâneo através de um tipo de abordagem que considera a multiplicidade, a incerteza, a incompletude, a ambiguidade, a contradição e os fluxos em devir. Também redefinem o lugar da arte/arquitetura no campo da cultura, em um deslocamento passado-futuro, e propõem uma revisão dos modos de operação artística. A tese busca entender os processos contemporâneos e a redefinição dos limites da arquitetura como um movimento de autocrítica em direção ao experimentalismo das artes como forma de questionar o formalismo, o funcionalismo e a representação da noção de estabilidade. Assim, pontos em comum são explorados: a apropriação de imagens do cotidiano, a abordagem conceitual, discursiva e ficcional da arte, a noção de processo e a problematização da autoria, a experiência fenomênica e espaçotemporal, a abertura ao acontecimento e a performance. Este estudo afirma que dois movimentos estão em processo: a aventura da reinvenção da paisagem como campo ativo – imagético, fenomênico, discursivo e performático, e da reinvenção dos mediums artísticos a partir de poéticas diferenciais que assumem a complexidade contemporânea.

[en] Complexity Poetics: the contemporary topos and the limits of Architecture in between Art and Landscape analyzes works of art and architecture that, taking part in the expanded field, after the 1960´s, are intertwined with the sites, to refound the landscape. This thesis investigates the contemporary places as a contextual practice which considers the multiplicity, the incertitude, the ambiguity, the contradiction and the transformations to come. These works establish a critical revision of modernism as well as of the contextualism which defended place as permanence, proposing a historicist recuperation of the past. On the contrary, complexity poetics discuss the place of art/architecture in the contemporary cultural expanded field, in a shift past-future, and propose a revision of art’s operational modes. This study is an attempt to understand the contemporary processes and the re-definition of architecture’s limits as a movement of self-criticism towards experimentalism in arts, that goes against formalism, functionalism and the representation of stability. Points of common that stand out: the appropriation of everyday images and signs, the conceptual, discursive and fictional character of art, the notion of process, the phenomenal and spatial-time experience, the événement and the performance. This study asserts a two-way movement: the ongoing adventure of the reinvention of landscape as an active field - imagistic,…

Advisors/Committee Members: JOAO MASAO KAMITA.

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La ricerca analizza l’attività didattica degli artisti italiani Costantino Nivola (1954-57, poi 1970), e Mirko Basaldella (1957-69) presso la Graduate School of Design della Harvard University, focalizzandosi in particolare sul Design Workshop, fondato nel 1956 anche grazie al contributo di Nivola, suo primo direttore, e poi coordinato da Basaldella fino alla sua morte nel 1969. Il caso particolare di due artisti così legati a forme archetipiche equidistanti tra astrazione e figurazione, ma spinti dal metodo dell’università americana a tenere corsi legati al concetto di “design”, impone di premettere, in due capitoli di taglio teorico, un inquadramento del problema della definizione di tale concetto e della sua particolare incidenza sui contenuti e le categorie didattiche dell’arte nell’università americana nella sua evoluzione nel Ventesimo secolo, soprattutto in relazione all’importazione del Bauhaus. Il rapporto con questo ingombrante modello è affrontato anche per spiegare la distanza tra l’arte prodotta dall’avanguardia americana di quegli anni e quella insegnata a livello universitario, esiti rispettivi di due diverse formulazioni del “modernismo”: proprio in questa distanza si colloca il lavoro di docenti di Nivola e di Mirko, ma anche di Bruno Munari, invitato a Harvard per un semestre nel 1967.

The research analyses the teaching careers of Italian artists Costantino Nivola (1954-57, 1970) and Mirko Basaldella (1957-69) at the Graduate School of Design, Harvard University, focusing in particular on the Design Workshop, founded – with the contribution of Nivola, its first director – in 1956, and directed by Basaldella from 1957 to his death in 1969. The peculiar case of two artists so involved with archetypal shapes defying both abstraction and figure, but forces to teach courses based on “design”, makes it necessary to introduce the subject with two chapters of theoretical character, addressing the problematic definition of “design” and its importance on the 20th-Century evolution of the contents and methods of art education in the American university, and particularly on the assimilation of the Bauhaus model. Such cumbersome influence is used as a way to clarify the distance between the art produced by the contemporary American avant-garde and the art taught at college level, mirroring the co-existence of two different formulations of modernism. In the space created by such distance Nivola, Mirko, and also Bruno Munari – Visiting Professor at Harvard in 1967 – work as college teachers.

Advisors/Committee Members: CASCETTA, ANNAMARIA, TEDESCHI, FRANCESCO.

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La ricerca affronta il tema del crescente spazio che la considerazione del patrimonio culturale immateriale ha acquisito nel panorama mondiale a partire dagli ultimi decenni, in particolare dal 2003, quando l’UNESCO ha stilato la Convenzione per la salvaguardia del patrimonio culturale immateriale. Oltre a ripercorrere le tappe storiche che nel XX secolo hanno condotto a tale risultato, esso traccia un ancora poco esplorato parallelismo - formale e teorico - tra l’evoluzione del concetto di patrimonio immateriale e lo sviluppo delle forme dell’arte contemporanea a partire dal secondo dopoguerra fino ad oggi. Tale tematica interessa anche il museo e una lettura della sua storia più recente mette in luce le conquiste e le difficoltà conseguenti l’accoglienza di manifestazioni immateriali all’interno delle collezioni. Tale aspetto viene avvicinato anche con gli strumenti dell’estetica fenomenologica, che contribuiscono a valutare possibili future azioni museologiche e museografiche nei confronti del patrimonio immateriale, nella direzione di un maggior rispetto della collezione e di un migliore coinvolgimento dei vari pubblici. Il contributo si sofferma altresì ad approfondire alcuni aspetti dell’architettura contemporanea, della didattica museale e dell’utilizzo delle nuove tecnologie in ambito museale valutandone utilizzi positivi o al contrario poco adeguati per una seria e fruttuosa valorizzazione del patrimonio immateriale.

This PhD dissertation deals with intangible cultural heritage and museums. An increasing interest in intangible heritage has been arising in the world in these last years, especially since 2003, when UNESCO drew up the Convention for the Safeguarding of Intangible Cultural Heritage. A detailed historical review shows the steps which brought to this attainment; a formal and theoretical parallelism between intangible heritage and contemporary art is outlined too. A study on the very recent history of museums allows to underline the difficulties museum encounters in collecting intangible heritage. It’s possible to think about new museological solutions thanks to the contribution of aesthetics: the thought of phenomenology helps in finding ways to respect the collection and to involve the publics. The dissertation also deals with the contemporary architecture of museums, with museum education and with the use of new technologies in museums: some uses are bad, others are good and useful for the communication of intangible cultural heritage.

Advisors/Committee Members: ZARDIN, DANILO, DE CARLI, CECILIA.

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Este trabalho aborda uma série de práticas da arte e da imagem enquanto contramedidas aos vazios abertos pela violência da desaparição como metodologia sistematizada de extermínio na Argentina. Esta abordagem visa dimensionar tais práticas em relação, primeiro, às especificidades da violência da desaparição, suas consequências e desdobramentos e, segundo, aos alcances e às limitações dos usos e sentidos da imagem consolidados no senso comum ocidental. Em relação a isto, em primeiro lugar, a desaparição tem sua própria especificidade em relação a um imaginário comum ocidental, que atrela a ideia de atrocidade a uma visualidade determinada. Neste sentido, a desaparição como violência que não deixa vestígios concretos do seu acontecimento também é inadequável a uma ilusão de onicontemplação, esta última também consolidada no senso comum da cultura midiatizada moderna e contemporânea. Diante destas circunstâncias, a práxis da arte surge como uma alternativa para lidar com as especificidades materiais, simbólicas e afetivas da desaparição. As práticas da arte e da imagem também surgem como uma reação frente ao projeto dos autores intelectuais da desaparição que pretendiam, além da eliminação, determinar a não-existência das suas vítimas. Por outro lado, as práticas da arte e da imagem também surgem como alternativas enunciativas diante da impossibilidade do testemunho dos sobreviventes da situação-limite da desaparição. Por último, os familiares dos desaparecidos também lançam mão das práticas da arte e da imagem, principalmente através da fotografia, como uma maneira de lidar política, simbólica e afetivamente com a complexa e específica ausência dos seus seres amados.

This work approaches a series of art and image practices as countermeasures to the opened emptiness generated by the violence of disappearing as a systematized methodology of extermination in Argentina. This approach aims to dimension those practices in relation to: first the specificities of the disappearance, and its consequences and unfolding, and second, by understanding the limitations and the reach of image, considering both its use and meaning, in the western common sense. In the first place, the disappearing has its own specificity towards a western common imaginary that links the idea of atrocity to a determined visuality. In this manner, the disappearance (as violence that does not leave concrete vestige of its event) also does not suit to an omnicontemplation illusion, being the latter also consolidated to the common sense of the mediatized modern and contemporary culture. Within this context, the praxis of art emerges as an alternative to deal with the material, symbolic and affective specificities of disappearing. Also, the practices of art and image emerge as a reaction to the architects of the disappearances who intended not only the elimination but also to determine the non-existence of their victims. Another aim for the use of art and image emerges as enunciative alternatives before the impossibility of testimony of the survivors of the…

Advisors/Committee Members: Santos, Alexandre Ricardo dos.

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Dans le cadre d’une étude comparatiste, ce travail vise à analyser, en les rapprochant pour la première fois, les univers créatifs de l’écrivain italien Dino Buzzati (1906 – 1972) et de son confrère français Claude Louis-Combet (1932 –), selon la dualité chair et âme, qui est une constante de leur oeuvre respective. Les deux auteurs, par le biais de l’autobiographie romancée, de la réélaboration mythique, comme d’une vision originale de l’art figuratif, ont exprimé une sensibilité et un imaginaire étonnamment proches. Ils auront été accompagnés par des figures légendaires et des amis artistes, afin de guider le lecteur vers la dimension fantasmatique et mystique de son inconscient.

As part of a comparative study, this work aims to analyze, by bringing them together for the first time, the creative worlds of the Italian writer Dino Buzzati (1906 – 1972) and his French colleague Claude Louis-Combet (1932 –), according to the flesh and soul duality, which is a constant in their works. Both authors, through the fictionalized autobiography, the mythology reworking, as an original vision of figurative art, expressed sensitivity and imagination surprisingly close. They have been accompanied by legendary figures and fellow artists, to guide the reader into the mystical and fantasy dimension of his unconscious.

Advisors/Committee Members: Curatolo, Bruno (thesis director).

▼ La ricerca si muove dalla irriducibile polisemia del sacro. All'interno di questo, l'indagine si sviluppa per verificare le premesse ontologiche necessarie per riconoscerne autenticamente l'essere medium tra l'uomo e il divino. Tale funzione si attua sui medesimi segmenti nei quali si attiva l'opera d'arte intesa come evento della verità. All'interno di una ricognizione del panorama artistico contemporaneo volta a rintracciare la presenza del sacro e nel seguire le premesse e gli sviluppi del mutamento da un regime di ostensione a uno di esposizione, si va chiarendo l'essenza dell'opera d'arte sacra che quindi viene condotta ad analisi nel suo creare uno spazio-tempo specifico, nel suo anelito al divino inteso come possibile e nella sua funzione epifanica.