[pt] Partindo da leitura de dois filmes de Werner Herzog realizados na Amazônia, Aguirre - A Cólera dos Deuses (1972) e Fitzcarraldo (1982), pretende-se identificar a busca por imagens absolutas na natureza e por verdades intensificadas através da arte. O conceito de verdades extáticas articula algumas questões centrais deste trabalho, tais como as tensões entre ética e estética na arte, a autoria no cinema, as peculiaridades do cineasta alemão e, ainda, a representação do espaço amazônico no cinema.

[en] Starting from the reading of two films directed by Werner Herzog, both made in the Amazon region, Aguirre - The Wrath of God (1972) and Fitzcarraldo (1982), we intend to identify the pursuit of absolute images in nature and of the intensified truths through art. The concept of ecstatic truth articulates some of the central questions of this study, such as the tensions between ethics and aesthetics in art, film authorship, the peculiarities of this German filmmaker and, finally, the representation of the Amazon space in cinema.

[pt] Este trabalho tem por objetivo apresentar uma melhoria à técnica estado-daarte de composição de imagens usando Renderização Diferencial. Uma aplicação é desenvolvida usando imagens HDR, na qual combinar elementos virtuais e reais em uma única cena produz melhores resultados do que os obtidos pela técnica original. Inicialmente, este trabalho apresenta algumas técnicas de composição de imagens e conceitos sobre imagens HDR e iluminação baseada em imagens. Em seguida, a técnica original de Paul Debevec é apresentada através de seus cálculos e exemplos de composição de imagens. A melhoria proposta resume-se a adicionar mais uma imagem da cena ao conjunto de imagens utilizado pela técnica original. Esta melhoria é de grande importância para aplicações que necessitam de um alto grau de realismo, porque permite uma melhor integração entre as partes virtual e real de uma cena. Vários testes são apresentados que comprovam a eficácia da melhoria proposta.

[en] This work aims to present an improvement to the image compositing stateof- the-art technique using Differential Rendering. An application is developed using HDR images, in which combining virtual and real elements into a single scene produces better results than the ones obtained by the original technique. Firstly, this work presents some techniques of image compositing, and concepts on HDR images and image-based lighting. Next, the original technique by Paul Debevec is presented through its calculations and examples of image compositing. The proposed improvement adds one more image to the set of images used by the original technique. This improvement is of great importance for applications that need a high degree of realism, because it allows a better integration between the virtual and real parts of a scene. Several tests are presented that prove the effectiveness of the proposed improvement.

[pt] O propósito principal desse trabalho foi enxergar o cinema enquanto um processo de acumulação do conhecimento, construção de saber e de distinção social. Com esses apontamentos, queremos refletir sobre as possibilidades de significado que provém do cinema enquanto uma experiência capaz de transformar a vida dos indivíduos na medida em que atua na formação dos mesmos em seu caráter pessoal e com isso, participam da estruturação de suas formas de ver, entender e se posicionar perante a sociedade ao qual habitam. Para feitio desse objetivo observa-se uma agenda-diário de um intelectual brasileiro que, na década de 1950, documentou a sua vivência sobre o cinema e, neste objeto, trouxe à tona suas formas de aprender com o cinema. Essa agenda reflete, dentre outras, as práticas de cinema e as vivências proporcionadas pelo mesmo no âmbito de um referencial que enxerga a sétima arte enquanto um instrumento para a formação do indivíduo e um reflexo-espelho da sociedade na qual se insere o próprio.

[en] The main purpose of this study was to understand the relationship with the cinema as a process of knowledge accumulation, knowledge construction and social distinction. With these appointments, we wanted to reflect on the possibilities of meaning that comes from the film as an experience capable of transforming the lives of individuals in that it focuses on developing them into his personal character and, therefore, participates in the structuring of their forms of see, understand and position themselves before the society in which they live. To meet this goal, we took as an empirical agenda / diary organized by an intellectual of Rio de Janeiro who, in the 1950s, documented her experience with film and recorded in this object, his apprenticeship with film. This agenda / diary reflects and documents practical experiences offered by film and related films within a framework that saw the seventh art as a tool for shaping the individual and a mirror reflection of society in which the organizer was part of the material . For empirical analysis were taken as reference the theoretical and methodological studies of personal diaries made by Robert Yinger and reflections of Norbert Elias and Carlo Gizburg. The results suggest that in the period in which it was organized in question, the cinema was seen as a source of knowledge considered legitimate and distinctive in the training staff, aesthetics and politics.

[pt] O trabalho História e utopia: o documentário de Silvio Tendler investiga o compromisso com a construção da memória política assumido pelo cineasta brasileiro Silvio Tendler, bem como discute alguns mecanismos responsáveis pelo incômodo resultante da sua narrativa no cenário contemporâneo. Tendler realizou cerca de trinta filmes documentários sobre personagens públicos e processos históricos nacionais, ambos identificados à preocupação em reelaborar a memória política brasileira e conscientizar sobre os autoritarismos de Estado. Mas sua urgência em narrar os sonhos libertários, percorrer as rupturas políticas e atualizar as esperanças para construção de um futuro democrático entra em confronto com as produções contemporâneas do gênero. Nestas, ficam explícitos o abandono dos horizontes de empenho em construir utopias e a rejeição da preocupação com a esfera pública de participação política. Para compreender este processo, este trabalho apresenta uma breve descrição biográfica, análise de alguns de seus filmes, suas políticas de representação histórica e os movimentos trilhados pelo autor. O trabalho coloca sua obra em diálogo com as características encontradas nas narrativas documentais recentes e com o conjunto de diretrizes teóricas do gênero. Assim, tenta entender de que modo o rompimento com os pilares do pensamento que guiou a modernidade ocidental, que impulsionou os relatos de emancipação, termina por envolver de desconfiança a identidade coletiva que perpassa a produção de Tendler.

[en] The work History and Utopia: the Documentary of Silvio Tendler investigates the pact with the construction of political memory assumed by the Brazilian director, as well as discusses some of the mechanisms responsible for the resulting sense of displacement of his narrative construction in the contemporary scene. Tendler authored more than thirty documentary films about public personalities and national historical processes, both indentified by the desire to rework the political memory and raise consciousness the authoritarian past of the State. But his urgency to narrate dreams of liberation, to follow political ruptures, and to carry out the new hopes for the construction of a democratic future enters into conflict with the contemporary productions in the genre. In these productions the abandonment of the horizons of dedication to build utopias becomes explicit, as does the rejection of attention to the public sphere of political participation. To understand this process, we write a brief biographical description, select a few of his films, observe his politics of historical representation and the movements chronicled by the author. We place his work in dialogue with the main characteristics encountered in recent narrative documentary and with the theoretical tendencies of the genre. Doing so, we try and understand by what mode of rupture with the pillars of thought that have guided occidental modernism, that created accounts of emancipation, ends up creating suspicion of the collective identity reclaimed in Tendlers…

[pt] Este trabalho trata da adaptação cinematográfica enquanto uma transcriação, ou seja, como uma interpretação criativa por parte dos roteiristas/diretores a partir do texto-fonte dos escritos de Julio Cortázar. Segue a análise sobre linguagem e narrativa literária e cinematográfica e como o cinema moderno criou uma nova forma de contar histórias através do meio visual. É abordada também a literatura e o cinema modernos em diálogo, com a análise de mimese e simulacro através de uma interpretação criativa, e da adaptação como uma intertextualidade palimpsestuosa. Por fim realizamos a análise dos contos que serviram de inspiração aos diretores que fizeram de suas obras uma adaptação transcriativa de Cortázar e dos filmes propriamente.

[en] This work deals with the film adaptation as a transcreation, ie., as a creative interpretation on the part of screenwriter/directors from the source text of Julio Cortázar’s writings. It follows the analysis of literacy’s and film’s language and narrative and how the modern cinema has created a new way of telling stories through visual means. It also addressed the modern literature and cinema in dialogue with the analysis of simulation and mimese through a creative interpretation, and the adaptation as an intertextual palimpsest. Finally we conducted an analysis of the stories that served as inspiration to the directors who made a transcreative adaptation from Cortázar’s works and the films properly.

[pt] Esta pesquisa investiga as políticas da memória em jogo no documentário Rocha que voa, 2002, em que o diretor Eryk Rocha se volta para o período em que seu pai, Glauber Rocha, ficou exilado em Cuba, em consequência da ditadura militar no Brasil. Não se preocupando em explorar as memórias íntimas e/ou domésticas desta relação filial, o filme opta por focar a memória do cinema latinoamericano das décadas de 60/70, através dos arquivos cinematográficos e dos testemunhos de cineastas que viveram a época. Os conceitos de memória-hábito, memória-distendida e memória-sonho, propostos por Henri Bergson (1990), foram investigados a partir do que o próprio filme propõe. Seguiremos analisando como se dão os gestos de intervenção do diretor na filmagem e, principalmente, na montagem, com o auxílio da imagem eletrônica. Desse modo, discorremos sobre o uso dos arquivos audiovisuais e na multiplicação de seus sentidos quando colocados em relação com outras imagens e sons.

[en] This research investigates the political memories in place in the documentary Rocha que voa, 2002, where the director, Eryk Rocha, returns to the period when his father, Glauber Rocha, was exiled to Cuba as a consequence of the military dictatorship in Brazil. As opposed to exploring the close and/or domestic memories of this relationship, the film opts to focus on the memory of Latin American cinema in the 1960s and 70s through the cinematographic archives and testimonies of filmmakers living at the time. The concepts of habit memory, extended memory and pure memory, proposed by Henri Bergson (1990), was investigated based on the proper consideration of the film. We will analyze how the director s gesture intervens in the filming and, mainly, the film editing, with the help of the electronic image. In this way, we discourse on the use of the audiovisual archives and in the multiplication of its directions when placed in relation with other images and sounds.

[pt] Esta pesquisa apresenta a trajetória de Woody Allen desde sua formação de comediante até o final da década de 1970, quando co-escreveu, dirigiu e estrelou dois de seus filmes mais emblemáticos ambientados em Nova York: Noivo neurótico, noiva nervosa (Annie Hall, 1977) e Manhattan (1979). A primeira parte introduz suas origens, a influência da comédia stand-up no desenvolvimento de seu estilo humorístico e de sua persona fílmica, e o início de sua carreira no cinema. Na segunda parte, estes dois filmes são analisados do ponto de vista da construção de uma narrativa fílmica mais elaborada que aborda questões da vida contemporânea, assim como da representação da cidade de Nova York.

[en] This research presents Woody Allen’s development from his early comedian background until late 1970’s, when he co-wrote, directed and starred two of his most iconic films set in New York City: Annie Hall (1977) and Manhattan (1979). The first part introduces his origins, the influence of stand-up comedy in the development of his comic style and his film persona, as well as the beginning of his career as filmmaker. In the second part, these two films are analysed from the perspective of building a more elaborate cinematic narrative that deals with issues of contemporary life, as well as Allen’s portrayal of New York.

[pt] Esta dissertação propõe-se a pesquisar o Design de Produção através dos cenários e dos objetos cenográficos que os compõem com a intenção de estabelecer a comunicação visual do filme com o espectador.

[en] This dissertation proposes to research Production Design through the movie set and the props that compose it with intention to establish the visual communication with the viewer.

[pt] Um dos principais aspectos da sociedade brasileira contemporânea é a grande produção e proliferação de imagens, discursos e narrativas sobre a periferia e a sua cultura. Os meios de comunicação de massa se apresentam soberanamente como os mais legítimos divulgadores da realidade da periferia para o imaginário social. Mas podemos levantar os seguintes questionamentos: como a mídia representa a cultura da periferia? Há uma glamourização ou uma demonização dos elementos da favela? Que imagens escapam dos clichês midiáticos? Esta pesquisa tem como objetivo analisar as imagens e os discursos da mídia sobre o funk carioca. Buscaremos evidenciar os estereótipos imagéticos do cinema nacional que associam o movimento funk à criminalidade, ao tráfico de drogas, à violência, ao sexo precoce e à irresponsabilidade juvenil.

[en] One of the main aspects of contemporary Brazilian society is the major production and proliferation of images, speeches and narratives about the periphery and its culture. The mass communication media presents itself as the most legitimate reality advisers of the periphery to the social imaginary. But we can raise the following questions: how the media represents the culture of the periphery? Is there a kind of glamour or is there a demonization of the elements of the slum? Which images are beyond the media cliches? This research aims to analyze the pictures and speeches of the media on the “carioca” funk. We highlight the stereotypes imaging of local cinema involving the funk movement against crime, drug dealing, violence, sex and irresponsibility on precocious youth.

[pt] Madame Satã é sem dúvida um dos representantes mais ilustres da malandragem da Lapa boêmia da primeira metade do século XX. Mas o personagem reúne, ainda, traços que o inserem em outras categorias, tais como, negro, homossexual e marginal. Esta tese busca desvendar um complexo processo em que se imbricam a apropriação (e resignificação) simbólica do malandro e a aplicação de estratégias biopolíticas sobre os corpos fora da norma. Os desdobramentos identitários de Madame Satã sugerem também uma potência política a ser explorada. Ao longo dos anos, as interpretações do personagem vão das mais conservadoras às mais transgressoras, deixando entrever, além dos diferentes contextos em que se inserem, os distintos projetos estéticos e políticos delineados. O objetivo principal deste trabalho é analisar o percurso de Madame Satã e promover uma reflexão sobre o poder de instrumentalização do corpo, tendo como horizonte a produção de subjetividades contemporâneas. Além do período em que o personagem se insere, dois momentos específicos são analisados: a década de setenta, quando retornará à cena midiática via uma entrevista concedida ao jornal O Pasquim e publicará uma autobiografia, e o início do século XXI, a partir do lançamento do filme Madame Satã, de Karim Aïnouz.

[en] Madame Satã is no doubt one of the most famous representative of the malandragem from the first half of XX century. But the character includes, indeed, features that insert him into other categories as, black, homosexual and delinquent. This study aims to reveal a complex process that imbricates symbolic appropriation (and re-signification) of the malandro, and the applying of biopolitical strategies over the out of normative bodies. The identity unfoldings of Madame Satã suggests also a political potency to be explored. Over the years, the character interpretations go from the most conservative to the most transgressors, breaking out, besides the different contexts to which they belong, the distinct aesthetical and political projects delineated. The main purpose of this work is to analyse Madame Satã’s course and to promote a reflection about the power of body’s instrumentalization, taking the contemporary subjectivities production as the horizon for reflection. As well as his acting age, two specific moments are analyzed: The seventies, when he was put back on the media scene and published an autobiography, and the XXI century, after the release of the film Madame Satã (2002), by Karim Aïnouz.

[pt] O Cinema é um organismo vivo que está entre os homens e as coisas e alguns de seus movimentos são de procura de um sentido para aquilo que nos acontece no intervalo entre e chegada e a partida; a busca da felicidade, o reencontro com o outro e o mundo. O trabalho procura as linhas comuns e às que diferem às comédias americanas dos anos 30 e 40, estudadas Stanley Cavell, às comedias brasileiras no final dos 50 e aos dois Pequenos Dicionários Amorosos, filmes de 1997 e 2016. Há em comum entre eles o impulso de seus personagens de tornarem-se melhores, de reconhecer a existência do outro e superar o ceticismo que nos paralisa e confina à impossibilidade do conhecimento. Ao reconhecer e aceitar os limites da existência e do conhecimento a Comédia não nos lança no ceticismo, nem nos faz rir da vida, o que seria cinismo, mas, sim, nos ensina a rir na vida e nos liberta.

[en] The film is a living organism that is among the men and things, and some of his movements are seeking a sense for what happens in the range between our arrival and departure; the pursuit of happiness, the reunion with the other and the world. The work seeks the common lines and that differ at American comedies of the years 30 and 40, studied by Stanley Cavell, the Brazilian comedies at the end of 50 and two films Little Loving Dictionaries, produced on 1997 and 2016. There is in common between them the impulse of his characters to become better, to recognize the existence of each other and overcome the skepticism that paralyzes us and confines the impossibility of knowledge. To recognize and accept the limits of existence and knowledge the comedy do not launches us in skepticism, or makes us laugh in life, it would be cynical, but teaches us to laugh in life and sets us free.

[pt] A pesquisa se propõe a analisar como o cinema poderia transcrever a experiência vivenciada nos espaços e ajudar a desvelar a arquitetura em outras camadas que não apenas técnicas, formais e objetivas. Para isso, recorre ao curta-metragem Sizígia (2012), no qual a arquitetura não é apenas um tema abordado, mas parte fundamental de sua configuração. O curta-metragem do pesquisador Luis Urbano se insere no âmbito acadêmico de análise da arquitetura e foi filmado no projeto Piscina das Marés (1959-65) do arquiteto português Álvaro Siza. Em Sizígia, a imagem em movimento foi encarada não apenas como representação da arquitetura, mas como forma de investigação do espaço, explorando suas qualidades e seu potencial narrativo. O cinema, como uma forma de expressão, busca contar os enredos da vida vivida nos lugares por meio da imagem em movimento, conectando os dilemas da vida humana à arquitetura. Sua linguagem acaba por captar eventos, vinculando-os ao espaço e, como consequência, sua narrativa revela a arquitetura onde o enredo da vida se dá. Nesse sentido, a pesquisa busca no cinema um meio alternativo de investigação e representação da arquitetura.

[en] The research aims to analyze how cinema could transcribe the experience lived in spaces and help to unveil architecture in layers other than just technical, formal and objective. For this, it uses the short film Sizígia (2012), in which architecture is not only an approached topic, but a fundamental part of its configuration. The short film by researcher Luis Urbano falls within the academic scope of architecture analysis and was filmed in the project Piscina das Marés (1959-65) by Portuguese architect Álvaro Siza. In Sizígia, the moving image was seen not only as a representation of architecture, but as a way of investigating space, exploring its qualities and its narrative potential. Cinema, as a form of expression, seeks to tell the plots of life lived in places through the moving image, connecting the dilemmas of human life to architecture. His language ends up capturing events, linking them to space and, as a consequence, his narrative reveals the architecture where the plot of life takes place. In this sense, research seeks in cinema an alternative means of investigation and representation of architecture.

[pt] O presente trabalho versa sobre o debate acerca do desenvolvimento do projeto de cinema educativo brasileiro a partir de sua difusão na revista Cinearte entre os anos de 1926 e 1932. O tema e objeto são estudados no contexto de renovação da idéias pedagógicas na Primeira República, fruto do movimento da Escola Nova e do Manifesto dos Pioneiros da Educação e é sustentado pelo pilar das características peculiares à modernidade, fio que permeia todo o escrito, desenhando um panorama das sensibilidades e novas experiências vigentes na sociedade. Ao folhear sete anos de publicação semanal da revista averiguamos que, além de inventariar a história do cinema e da educação, Cinearte responde uma das principais questões que permeou nossa pesquisa, ou seja, a hipótese de que o projeto de cinema educativo encontrou na Revista Cinearte um importante fórum de discussão, o que ajudou no fortalecimento de sua elaboração e difusão no Brasil. Observamos a contribuição de Cinearte para a propagação das idéias que circundavam as discussões pedagógicas de sua época, facilitando o diálogo entre os intelectuais e o poder político. Buscamos compreender as estreitas relações estabelecidas entre aqueles que escreviam em Cinearte, os demais intelectuais da época que debatiam o tema cinema educativo e os integrantes do governo. Acreditamos que, a convergência dessas relações, moveu a implantação de políticas que favoreciam o cinema educativo com uma legislação voltada para o tema.

[en] This paper deals with the debate about the development of the Brazilian educational film project from its diffusion in the magazine Cinearte between the years 1926 and 1932. The subject and object are studied in the context of renewal of the pedagogical ideas in the First Republic, the fruit of the New School movement and the Manifesto of the Pioneers of Education and supported by the pillar of the characteristics peculiar to modernity, thread that permeates all the writing, drawing a picture sensitivities of existing and new experiences in society. Leafing through seven years of weekly publication of the magazine We checked that, in addition to record the history of cinema and education, Cinearte answers one of the main issues that has permeated our research, namely the hypothesis that the design of educational cinema found in the Journal Cinearte an important forum for discussion, which helped strengthen its elaboration and diffusion in Brazil. We note the contribution of Cinearte for propagation of ideas that surrounded the pedagogical discussions of his time, facilitating the dialogue between intellectuals and political power. We seek to understand the close relations established between those who wrote in Cinearte, other intellectuals of the time debating the issue educational cinema and members of government. We believe that the convergence of these relations, he moved the implementation of policies that favored the educational film with a law-oriented theme.

[pt] Uma abordagem da questão do Sagrado no cinema de Roberto Rossellini a partir da observação e estudo dos personagens de Ingrid Bergman nos filmes Stromboli, Europa 51 e Viagem à Itália que compõem a chamada trilogia dos sentimentos. Um olhar integrador dos modos humanos de estar no mundo. Um olhar para o Outro.

[en] A broach of the subject of the Holy in Roberto Rossellinis movies, starting from the observation and Ingrid Bergmans characterss study in the films Stromboli, Europe 51 and Journey to Italy, that compose the call trilogy of feelings. A look at human manners being in the world. A glance for the Another.

[pt] Esta dissertação se propõe criar uma estrutura capaz de responder às exigências teórico-críticas levantadas ao longo da pesquisa sobre Folias de Reis - manifestação popular inserida no campo das tradições orais, em constante movimento de integração às circunstâncias da cultura contemporânea. Com o objetivo de evidenciar cada uma de suas dimensões - verbal, performática, histórico-mítica e sócio-política - e explorar a riqueza interdisciplinar do objeto, experimentou-se a estrutura de uma tese-roteiro, com uma redação centrada em roteiro cinematográfico e desenvolvida a partir dos pontos de tensão entre criação artística e produção crítico-conceitual.

[en] This dissertation tries to build up a suitable structure so as to answer to the questions brought up during the research on the Feast of the Magi - oral tradition related to Christmas celebrations and maintained as a folk entertainment until today thanks to its interrelation with contemporary culture. The hybrid form of thesis-screen-play has been chosen in order not only to clarify adequately each of its dimensions - verbal, performatic, mythic, historical, social and political - but also to appreciate / explore the interdisciplinary wealth of this subject. The model of the screen-play has provided a basis for writing the argumentative text developing the conflict between artistic invention and conceptual-critic thinking.

[pt] Em busca de um novo cinema português discorre acerca da gênese do referido movimento que se tornou conhecido por tratar-se de uma transformação ampla no modo de ver e fazer cinema em Portugal. Como se mostrou evidente, inúmeros debates acerca da função social da arte nasceram das discussões em torno do impasse estabelecido entre uma arte de viés modernista e outra, de feições neo-realistas. A dupla vinculação do cinema com a literatura, em Portugal, faz-se não apenas através de inúmeras adaptações literárias ao longo de todo o século XX, como também a partir da atuação de escritores e poetas no interior do campo cinematográfico. Argumentando através da atuação exatamente de alguns desses escritores, o objetivo central e estruturante deste trabalho é re-discutir e apresentar a tetralogia do cinema neo-realista português e re-pensar a gênese do novo cinema. O novo cinema, como se afirma aqui, nasce da efervescência da vida cultural portuguesa ao longo dos anos 1950, contrariando o ponto de vista consensual, que percebe a mencionada década como os anos negros do cinema português. A experiência do cineclubismo, a enorme difusão e veiculação das revistas especializadas, bem como a atuação de Manuel Guimarães, Alves Redol e Leão Penedo são o ponto de partida para o debate em torno das feições de um novo cinema que se dá, sobretudo, ao longo dos anos 1950 e dos anos 1960. Para tanto, o trabalho reveste-se de uma componente histórica que é imprescindível, apesar do interesse maior estar contido na interpretação e, sobretudo, na avaliação destes dados.

[en] In search of a new Portuguese cinema talks about the genesis of this movement that became known as this is a huge transformation in the way of seeing and making movies in Portugal. As shown clearly, many debates about the social function of art grew out of discussions on the impasse reached between the art of modernist bias, and the other features neorealists. The dual link between cinema and literature, in Portugal, it is not only through numerous literary adaptations throughout the twentieth century, but also with the work of writers and poets within the field of film production. Arguing over the exact role of some of these writers, the central and structuring of this work is re-discuss and display the portuguese neorealist cinema tetralogy and re-think the genesis of the new cinema. The new film, as stated here, born of the churning of the Portuguese cultural life over the years 1950, against the consensus view, which perceives the aforementioned decade as the dark years of the Portuguese cinema. The experience of cinema clubs, a huge spread and propagation of journals, as well as the performance of Manuel Guimarães, Alves Redol and Leão Penedo are the starting point for debate about the features of a new film that takes place mainly due to the throughout the 1950s and 1960s. To this end, the work is of a historical component that is essential, despite the increased interest is contained in the interpretation and, above all, in assessing this.

[pt] Esta dissertação analisa, a partir da trilogia cinematográfica de Batman (2005-2012), o modo como os procedimentos expressivos elaborados nas imagens constroem (ou não) a possibilidade de emancipação do espaço urbano. Inseridos no contexto pós 11 de setembro, os três filmes dialogam com o lastro iconológico da Guerra ao Terror: figuras sem-rosto, duplos, múltiplos, anônimos, imagens especulares; e ao centro das disputas, a metrópole de Gotham. O custo necessário , entretanto, para a salvação de Gotham por Batman parece ser o monopólio tanto da cidade quanto da imagem da cidade: um monopólio que serve de blindagem contra os efeitos caleidoscópicos do terror. A paisagem urbana (amálgama entre a urbe e sua imagem) se torna portanto meio privilegiado de análise. E eis a centralidade do segundo filme da trilogia na discussão que se propõe: o ataque iconoclasta do Coringa, por meio do jogo e do riso, profana o monopólio (da verdade , do bem , da ordem e da imagem) instituído pelo homem morcego. Com a invasão de uma imagem outra por entre as visibilidades do filme, rompe-se o unívoco e com ele o monopólio sobre a cidade e suas representações.

[en] This research examines, from the Batman cinematographic trilogy (2005- 2012), the way in which expressive procedures elaborated in the images can build (or not) the possibility of the urban space s emancipation. Inserted in the post 9/11 context, the three movies dialogue with the iconological traces of the War on Terror: faceless figures, doubles, multiples, anonymous, specular images; and at the centre of the dispute, Gotham metropolis. The necessary cost, however, for the salvation of Gotham by Batman seems to be the monopoly of the city as well as of the city s image: a monopoly that serves as a shield against the kaleidoscopic effects of terror. The urban landscape (an amalgam between the city and its image) thus becomes a privileged medium of analysis. And hence the centrality of the Trilogy s second movie in the proposed discussion: the iconoclast attack of the Joker, through play and laughter, desecrates the monopoly (of truth , good , order , and image) instituted by Batman. With the invasion of a different image between the movie’s visibilities, the univocal disrupts itself, and with it the monopoly over Gotham and its representation.

[pt] O objetivo desta pesquisa é uma análise das representações cinematográficos do gênero feminino na filmografia do diretor espanhol Pedro Almodóvar. A mulher, já tão massificada e representada, parece adquirir um frescor diferenciado em sua representação pelas mãos do diretor manchego, justamente por não ser a mais comum (normatizada), ou remotamente hollywoodiana. Seus personagens parecem construídos e definidos por suas identidades de gêneros – ou pela ausência dos mesmos, sejam eles os masculinos ou femininos. Para atingir este entendimento, foi utilizado a Análise de Conteúdo como método de avaliação dos dezessete longas-metragens disponíveis no mercado até o momento. Este estudo baseia-se em dois arcos teóricos principais: a Teoria das Representações, a partir do trabalho seminal de Serge Moscovici até sua apropriação pelos Estudos Culturais e as matizes teóricas das questões de gênero, que perpassam pelos Estudos Feministas e suscitam debates até hoje. O foco principal analítico, porém, é a maneira como essa representação do gênero feminino é articulado dentro do universo fílmico de Almodóvar e suas estratégias como cineasta e artista.

[en] The present study analyzes the cinematographic representations of female gender in Spanish director Pedro Almodóvar’s filmography. Woman – massified and overrepresented – appears to acquire a refreshed representation in the hands of the Manchego director, precisely by declining the ordinary (normative) or Hollywoodian representation. His characters seem to be built and defined by their gender identities – or by the absence of them, whether male or female. To achieve this understanding, the selected method of evaluation was a Content Analysis of the seventeen Almodóvar motion pictures presently available on the market. This study is based on two main theoretical arcs: the Social Representations Theory, from the seminal work of Serge Moscovici to its appropriation by Cultural Studies, and the theoretical hues of gender issues, which pervade Feminist Studies and generate discussion to the present date. The main analytical focus, however, is the manner in which female gender representation is articulated in Almodóvar’s filmic universe and his strategies as filmmaker and artist.

[pt] A obra de Rui de Oliveira é uma das mais importantes coleções de ilustração da América Latina. Esta pesquisa propõe-se a observar o trabalho do ilustrador Rui de Oliveira, especificamente sua obra em preto e branco. Com uma atenção especial voltada aos elementos das obras que remontam às influências do cinema expressionista, que por sua vez, carrega heranças do teatro e suas técnicas narrativas. A pesquisa observa atentamente a construção da dramaticidade expressionista por seus mais importantes representantes no cinema. O trabalho estabelecerá por fim, relações estreitas entre obras específicas do ilustrador com obras representativas do cinema expressionista, através da análise visual de elementos formais.

[en] Rui de Oliveiras work is one of the most important collection of illustrations in the Latin America. This research proposes an observation on Rui de Oliveiras work, specifically his black and white illustrations. With a special attention to the works elements that reminisce to the expressionist movies influences, which, in turn, inherit aspects from the theatre and its narrative techniques. The research carefully observes the construction of the expressionist drama by its main representatives in the movies. In the end, this work will establish the narrow relationship between specific works by Oliveira and important selected pieces from expressionist films, through a careful visual analysis of their formal elements.

[pt] A tese propõe uma reflexão sobre a relação entre sujeito e linguagem a partir da obra do cineasta dinamarquês Carl Theodor Dreyer (1889-1968). Após a revisão crítica das estratégias de interpretação que caracterizam a abordagem de sua obra, analisa a violência discursiva e a força performática da linguagem presentes em seus filmes – 14 longas-metragens de ficção, dos quais 9 são do período do cinema mudo e 5 sonoros. Mostra que, embora se mantenha dentro dos limites de uma narratividade límpida, Dreyer faz do cinema uma arte que não cessou de problematizar o homem como corpo falante, que arrisca o seu destino e a própria vida na linguagem. Por trás da heterodoxia estilística e da variedade de temas e épocas que seus filmes retratam, Dreyer enfoca insistentemente esse encontro desencontrado entre corpos e palavras. A tese situa sua filmografia na passagem do cinema mudo ao sonoro, este frequentemente celebrado como progresso técnico-estético, que acabou por reforçar o encobrimento da disjunção sujeito-palavra, corpo-voz. As análises privilegiaram situações fílmicas em que os personagens realizam atos de palavra – tais como o juramento, a maldição e a promessa –, estudados através das noções de sacramento da linguagem (Giorgio Agamben) e atos de verdade (Michel Foucault). Já no seu primeiro filme, O presidente, o juramento é um evento crucial. Reaparece sob a forma da promessa quebrada em A noiva de Glomdal, e se complexifica em A paixão de Joana D Arc, seu último filme mudo. Tais atos evidenciam que a transparência da linguagem, empiricamente impossível, será buscada através de técnicas de poder que procuram garantir uma fiel correspondência entre ato e palavra para assim enraizar a linguagem nesses corpos incontroláveis, fonte incessante de confusão, perjúrio e mentira. A tese é composta de capítulos autônomos, porém complementares, e permite diferentes percursos de leitura.

[en] This dissertation sets out to reflect on the relation between subject and lan-guage based on the work of the Danish film-maker Carl Theodor Dreyer (1889-1968). It critically reviews the strategies of interpretation that characterize previ-ous approaches to his work and subsequently analyzes the discursive violence and performatic force of the language employed in his films (fourteen full-length fic-tion films consisting of 9 silent movies and 5 talkies). While remaining within the bounds of a limpid form of narration, Dreyer s cinema continually explored the problem of man as a talking animal that risks its own life and destiny through lan-guage. Underneath the heterodoxy of styles and the variety of themes and epochs portrayed in his films, Dreyer insistently focuses on the missed encounter between body and word. The dissertation situates his filmography at the point where cine-ma transitioned from silent to the talking mode, a moment often seen as a tech-nical and aesthetic advance, which ended up further concealing the subject/word and body/voice disjunction. It focuses on film situations in which the characters perform deeds in…

[pt] Salò e o Cinema Impopular segundo Pier Paolo Pasolini, pretende analisar o último filme de Pier Paolo Pasolini (1922-1975), Salò, o 120 giornate di Sodoma (1975), estabelecendo uma analogia com seus últimos ensaios publicados nos livros Empirismo Eretico (1972), Scritti Corsari (1975) e Lettere Luterane (1976), destacando a idéia de um Cinema Impopolare escrito em 1970, como possível indício de um reorientamento ou acentuação de determinados procedimentos artísticos que conduziriam a Saló, verificando antecedentes na obra de Pasolini ou influências de teorias e práticas cinematográficas anteriores, que poderiam ter contribuído para a formulação deste conceito. E por fim, observar a relação destas idéias com alguns fenômenos que ocorreram contemporaneamente a este período.

[en] Salò and the Unpopular Cinema by Pier Paolo Pasolini, intend to analyze the last film by Pier Paolo Pasolini (1922-1975), Salò, o 120 giornate di Sodoma (1975), establishing an analogy with his last published essays in books Empirismo Eretico (1972), Scritti Corsari (1975) Lettere Luterane (1976), emphasizing the idea of a Cinema Impopolare written in 1970 as a possible indication of a redirection or intensification of certain artistic procedures that lead to Salò, checking the background of the work of Pasolini or influences of theories and practices prior movie that could have contributed to the formulation of the concept. Finally, observe the relationship of these ideas with some events that occurred contemporaneously in this period.

[pt] A indústria cinematográfica tem na acentuada tipificação da linguagem uma estratégia para a produção e comercialização dos filmes, o que promove numa proliferação de clichês, determinando os lugares das imagens e de suas leituras. Parte de uma cultura de massa presente em escala global, essas representações valem-se das convenções e do ilusionismo dos efeitos técnicos para seduzir o olhar do espectador e manter afastados os aspectos obscuros e misteriosos da existência. Analisamos neste trabalho como o cineasta contemporâneo Lars von Trier realiza uma leitura crítica dos clichês da cultura contemporânea em sua própria cinematografia. No filme Dançando no Escuro (Dancer in the Dark, 2000), von Trier recorre à tradição da tragédia, do melodrama e do musical não apenas como mero efeito estilístico, mas como estratégia para realizar um jogo reflexivo. Promovendo, a cada filme, o movimento duplo de continuidade e ruptura com as convenções, observamos como o cineasta herda a tradição do cinema moderno e apresenta em seu estilo cinematográfico profundas afinidades com o também dinamarquês Carl Th. Dreyer, em sua busca por criar vida na tela.

[en] The movie industry has evolved a standardised visual strategy for film production and marketing, which promotes a proliferation of clichés, determining the use of the known images and their respective readings. Part of a mass culture that is present in a global scale, these representations are attached to the conventions and illusionism of cinema through technical effects to seduce the viewer s gaze and keep out the dark and mysterious aspects of life. We analyze in this work how the contemporary filmmaker Lars von Trier performs his critical reading of the clichés of contemporary culture in his own films. In the film Dancer in the Dark (2000), von Trier uses the tradition of tragedy, melodrama and musical not as a mere stylistic effect, but as a strategy to make a reflexive game. Promoting in each movie the double movement of continuity and breaking of conventions, we notice how von Trier s film style inherits a tradition of modern cinema and how it demonstrates so many affinities with his fellow Dane Carl Dreyer, in his quest to create life on the screen.

[pt] O ano de 1990 foi o marco de uma grande crise na indústria cinematográfica do Brasil. Motivos políticos e econômicos, somados a uma crise generalizada no país, assinaram o obituário do cinema nacional. Quatro anos depois, com o auxílio de leis e incentivos fiscais, deu-se a chamada retomada do cinema brasileiro. Grandes bilheterias, indicações ao Oscar e uma renovação no desenho e na forma de produção apareceriam para abrir o caminho de uma nova cinematografia brasileira. O figurino de filmes de época produzidos nesta fase, com seus projetos de pesquisa e a construção de seus corpos históricos, são o objeto dessa dissertação.

[en] The year 1990 was the mark of a great crisis in the film industry of Brazil. For political and economic reasons, added to a general crisis in the country, signed the obituary of national cinema. Four years later, with the help of laws and tax exemptions it happenned the so called retomada do cinema brasileiro (the return of the brazilian cinema).

[pt] O presente trabalho tem por objetivo elucidar o papel que a crítica cinematográfica carioca teve entre 1918 e 1932 no que concerne ao fomento de uma política estatal voltada para o cinema. São analisadas de forma mais aprofundada três das principais revistas da época: Cinearte, Scena Muda e O Fan, cada uma com as suas particularidades e nuances, mas que corroboraram com o processo de construção de um aparato estatal voltado para o cinema que vai ocorrer nos anos 30.

[en] This paper aims to elucidate the role that the Rio de Janeiro cinematographic critique had between 1918 and 1932 regarding the promotion of a state policy focused on the cinema. Three major magazines of the time are analyzed in more depth: Cinearte, Scena Muda and O Fan, each one with its peculiarities and nuances, but which corroborated with the process of building a state-oriented cinema apparatus that will occur in the 1930s.

[pt] O colonialismo europeu teve um grande impacto nas sociedades africanas e é sentido até os dias de hoje. Mesmo com as lutas de independência no pós Segunda Guerra Mundial, o peso do domínio colonial se faz presente, especialmente no campo da cultura. A descolonização das mentes foi um desafio assumido pelos intelectuais engajados nas lutas de independência, principalmente aqueles de origem africana. O cinema se tornou uma importante ferramenta nesse processo, surgindo pela primeira vez a proposta de um Cinema Africano, no âmbito da antiga África Ocidental Francesa durante a década de 1960. Este trabalho analisa a produção cinematográfica do senegalês Ousmane Sembène durante o período supracitado. Sua proposta de cinema e sua militância influenciaram muitos artistas e intelectuais africanos, sua busca por uma estética que rejeitasse os padrões europeus e de Hollywood é considerada por muitos a fundação do que se costuma chamar de Cinema Africano. Esta dissertação tem como objetivo contribuir para a análise dos elementos que compõe essa proposta estética e o debate sobre a possibilidade de um Cinema Africano. Além disto, o trabalho se propõe ainda a se debruçar sobre a trajetória de vida de Sembène, seu processo de formação intelectual e seu exílio numa tentativa de estabelecer a conexão entre o artista formado e suas origens, através de sua biografia e suas entrevistas, investigando dessa maneira as relações sociais que deram origem ao cineasta.

[en] European colonialism had a great impact on African societies and is felt to this day. Even with the struggles for independence in the post World War II, the weight of colonial rule is present, especially in the field of culture. The decolonization of the minds was a challenge taken up by intellectuals engaged in the process of decolonization, especially those of African origin. The cinema has become an important tool in this process, appearing for the first time a proposed African Cinema, under the former French West Africa during the 1960s. This paper analyzes the cinematic of the senegalese Ousmane Sembène during the stated period. His proposal for an african cinema and his activism influenced many African artists and intellectuals, his quest for an aesthetic that rejected the European and Hollywood standards is considered by many the foundation of what is called African Cinema. This dissertation aims to contribute to the analysis of aesthetic elements that make up this proposal and the debate about the possibility of an African Cinema. In addition, the study aims to further look into the life trajectory of Sembène, the process of intellectual formation and his exile in an attempt to establish the connection between the artist and his origins, through his biography and his interviews, investigating this way the social relations that gave rise to the filmmaker.

[pt] Esta dissertação tem por objetivo analisar o caminho percorrido pelo corpo homossexual na modernidade até as últimas décadas, quando passou a ser representado de forma normalizada. Propõe-se, primeiramente, uma breve historiografia da homossexualidade: desde sua criação e naturalização por instituições médico-jurídicas em 1869, nas sociedades disciplinares, até o monopólio imagético heteronormativo de Hollywood nas sociedades de controle, e pela apropriação do termo pelas lutas identitárias homossexuais norte-americanas na década de 1970. Em seguida se estabelece uma analise crítica do termo coming-out of the closet (o sair do armário). A análise chega a seu objetivo principal: as supostas motivações da rejeição das representações do gay efeminado, da lésbica masculinizada e dos demais sujeitos não-heteronormativos pela cultura homossexual. Por fim, a reflexão se atém aos filmes Elvis & Madona (2011) e ao documentário Dzi Croquettes, com o intuito de flagrar a presença de personagens representados fora da diferença sexual no cinema brasileiro contemporâneo, o que subverteria uma possível normalização dos corpos em questão.

[en] This dissertation s purpose is to analyze the path that the homosexual body had to pass through since Modern Times until the last decades, when it started to be represented in a normalized way. It starts with a brief historiography of the homosexuality: since its creation and naturalization by medical-legal institutions in 1869, on disciplinary societies, up to Hollywood s heteronormative imaging monopoly in control societies, and finally the appropriation of the term by the American homosexual identity movement in the 70 s. Next, the dissertation s aim is to establish a critical analysis of the term coming out of the closet - when it reaches its main goal: an investigation of the possible reasons why the homosexual culture tends to reject the figures of the effeminate gay (sissy boys), the manned lesbian (butches and dykes) and all the other non-heteronormative subjects. Finally, the reflection focuses on the movies Elvis & Madona (2011) and on the documentary Dzi Croquettes - aiming to perceive how Brazilian contemporary movies are portraying subjects out of the representation based on the sexual difference, what could mean a possible subversion of this normalization of the body.

[pt] Esta dissertação volta-se para o estudo da coluna Cinematographo, publicada semanalmente de 11 de agosto de 1907 a 19 de dezembro de 1910 na Gazeta de Notícias, e do livro homônimo (1909), produções de Paulo Barreto. Tendo em vista que o livro não é simplesmente a reunião de textos publicados na coluna, como parece ser em um primeiro momento, a pesquisa deseja refletir sobre a não inserção de tais colunas no livro homônimo. Uma tentativa de compreensão e, sobretudo, averiguação da questão do suporte que se torna marca da diferença do que o escritor acredita ser jornal e do que pretende seja arte. Neste sentido, revela-se uma concepção de livro que transcende a matéria meramente jornalística e a cultura de massa, pois, com a mudança de suporte, as crônicas escolhidas se afastam da efemeridade dos jornais e se tornam arte. Acredita-se que, desta forma, além de analisar as representações da capital federal na coluna durante uma época de grandes transformações, será possível estudar a organização do volume Cinematographo e suas relações com as crônicas publicadas no jornal, para também verificar que a mudança de suporte material – do jornal para o livro – altera os seus significados. Trata-se, assim, de compreender uma cinematografia das letras.

[en] This paper focuses on the study of the column Cinematographo, published weekly from August 11, 1907 until December 19, 1910 in Gazeta de Notícias, and its homonym book (1909), both Paulo Barreto’s publications. Considering that the book is not just a collection of published columns in the newspaper, what may seem the case at first, this work wants to reflect about the non-inclusion of such columns in his book. This paper pretends to comprehend and, moreover, investigate the presence of the kind of media, which becomes a mark of the difference between what the author considers to be newspaper work and what he believes to be art. This way, his book reveals a conception that transcends the journalistic field and the mass culture: by changing the media used, he manages to transform the chosen chronicles from the newspaper frailty to art. Besides analyzing the representations of the Federal District in João do Rio’s columns during an era of great changes, it will be possible to study the Cinematographo’s organization and its relation to the published chronicles in the newspaper. Also, it may be possible to verify that the change of media – from the newspaper to the book – modifies their meaning. It is, therefore, an effort in order to understand the letter cinematography.

[pt] Com base na experiência do autor como realizador de filmes feitos com imagens encontradas -found footage-, a dissertação procura identificar as razões que levam cineastas inseridos em um contexto social contemporâneo a dispensarem registros cinematográficos autorais e optarem por fragmentos de formatos e origens diversos. Parte-se do pressuposto de que a escolha da imagem do outro potencializa liberdade poética e conceitual ao artista em seu discurso sobre os tempos atuais e expressos nos filmes montados a partir da apropriação de imagens-ruína. Nesse movimento, busca-se a identidade fraturada, característica que se acentua na produção cinematográfica a partir dos anos 90, concomitante ao processo de revisão histórica pela qual o mundo passa. Nesse âmbito, as noções de apropriação, ressignificação, modernidade, ruína, memória e arquivo serão vistas sob a perspectiva histórica e da prática cinematográfica.

[en] Based on the author s experience as a director of found footage films, the current dissertation aims at identifying the reasons that induce filmmakers within a contemporary social context to set aside authorial cinematographic records in order to embrace fragments of several shapes and origins. This study is based on the supposition that the image of the Other is chosen due to reinforce both poetic and conceptual freedom of the artist, whose discourse lies on the present times, as shown in the films edited with appropriate ruin-images. In this movement, I try to explore the fractured identity, a characteristic that is accentuated in film productions since the 1990s, simultaneously with the historical review process the world hás been going through since then. In this context, the notions of appropriation, resignification, modernity, ruin, and archival are addressed under the historical perspective and cinematic practice.

[pt] O presente trabalho discute a relação entre narrativas cinematográficas e a construção de uma sensibilidade moderna e urbana, bem como as transformações na percepção humana intensificadas com os avanços dos aparatos técnicos. Ou seja, qual é o papel do cinema na era da reprodutibilidade técnica, Walter Benjamin (1939). Considerado ao mesmo tempo a expressão artística da modernidade e a ferramenta com a qual os indivíduos aprendem a observar o funcionamento desse novo mundo e desse novo cotidiano afetado pelas tecnologias, o cinema é o elemento que guia o nosso trabalho e estabelece as reflexões para o nosso estudo. Autores como Leo Charney e Vanessa Schwartz (2004), Walter Benjamin (1939), Jonathan Crary (2012), Susan Buck-Morss, Jacques Aumont (2004) são utilizados como referencial teórico. A discussão foi realizada junto à análise fílmica das obras Tempos Modernos (1936) de Charlie Chaplin, 1984 (1956) de Michael Anderson, Blade Runner (1982) de Ridley Scott, Ela (2014) de Spike Jonze, Medianeras (2011) de Gustavo Taretto, Paris, Te amo (2006) Joel e Ethan Coen, Gérard Depardieu, Gus Van Sant e others, Babel (2006) de Alejandro Gonzáles Iñárritu, Violino Vermelho (1998) de François Girard, Balzac e a costureirinha chinesa (2001) de Dai Sijie e Uma Vida Iluminada (2005) de Liev Schreiber.

[en] This dissertation aims to analyze the impacts of cinema on the sensitivity of individuals and the changes that occur in human perception with the advancement of the technique. Authors such as Leo Charney and Vanessa Schwartz (2004), Walter Benjamin (1939), Jonathan Crary (2012), Susan Buck-Morss (2012), Jacques Aumont (2004) are used as theoretical reference. The discussion was carried out together with the film analysis of Modern Times (1936), made by Charlie Chaplin, 1984 (1956) by Michael Anderson, Blade Runner (1982) by Ridley Scott, Her (2014) by Spike Jonze, Medianeras: Buenos Aires in times of virtual love (2011) by Gustavo Taretto, Paris I love you (2006) by Joel and Ethan Coen, Gérard Depardieu, Gus Van Sant and others, Babel (2006) by Alejandro Gonzáles Iñárritu, The Red Violin (1998) by François Girard, Balzac and the little chinese seamstress (2001) by Dai Sijie and Everything Is Illuminated (2005) by Live Schreiber.

[pt] Dez e Mais Vezes favela: Estética, Política e Representação trata-se de uma análise comparativa entre os dois filmes brasileiros com o título comum cinco vezes favela, o primeiro do ano de 1964 e o segundo, com o adendo agora por nós mesmos, do ano de 2010. Busca-se observar como ambos desenvolvem suas propostas formais e estéticas e como esta realização articula-se com os objetivos de ação política de seus respectivos realizadores, tendo como fio condutor teórico principal as contribuições de Gilles Deleuze e Jacques Rancière.

[en] Ten and more times favela: Aesthetics, politics and Representation is a comparative analysis of two brazilian movies that share the title cinco vezes favela, the first one being released in 1964 and the second one, with the added title agora por nós mesmos (now by ourselves), from the year 2010. The aim is to observe how both movies develop their formal and aesthetic projects and how such production articulates their respective makers’ political action goals, having as the main theoretical thread the works of Gilles Deleuze and Jacques Rancière.