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Les films classiques ont créé des images stéréotypées féminines, en fixant des modèles déterministes du caractère féminin, des rôles féminins, de l’ « être femme ». Ces modèles risquent de supplanter la réalité, car ils réduisent la diversité des figures féminines. Depuis longtemps le féminisme a lutté contre tous les stéréotypes sexistes. Cette thèse se propose d’étudier les films d’Agnès Varda, Chantal Akerman et Catherine Corsini pour comprendre les devenir-femme(s) à travers des relations intimes et sociales. Dans leurs œuvres cinématographiques, elles rendent compte, chacune à leur manière, d’une nouvelle façon de produire des images du corps de la femme et de sa subjectivité. Les questions de la subjectivité féminine liées aux notions de désir, de jouissance, de plaisir et de sexualité rejoignent la psychanalyse pour comprendre, d’une part, le mécanisme de l’appareil cinématographique suscitant le fantasme des spectateurs, d’autre part, la possibilité d’une objectivation positive de la complexité de la figure féminine. Notre première approche se focalise sur la relation entre femmes telle que la relation mère-fille et la relation homosexuelle féminine. La deuxième envisage le contexte socioculturel dans lequel évoluent les personnages féminins des films de ces cinéastes à travers l’analyse du langage, de la narration et de l’espace cinématographiques, en s’intéressant à leurs styles, leurs esthétiques et leurs choix narratifs de la vie des femmes. Ainsi c’est le regard qui est nouvellement questionné et le maniement du dispositif cinématographique comme capables d’interroger, voire de susciter une autre subjectivité des femmes. Nous intégrons différentes approches théoriques dans l’analyse des films. Ainsi, la psychanalyse, le féminisme, la théorie queer, la sémiologie, l’esthétique vont enrichir notre réflexion sur le regard des femmes chez nos trois femmes cinéastes.

Classic films have created a stereotypical image of women by setting deterministic standards for female personality, her role and what is meant by ‘being a woman’. These standards might supplant reality, as they minimize the diversity of female figures. Feminism has long fought against gender stereotypes. This study examines films by Agnès Varda, Chantal Akerman and Catherine Corsini in order to understand the construction of femininity through intimate and social relations. In their films, each filmmaker develops unique approaches to produce images of the female body and its subjectivity. Psychoanalysis sheds light on the questions of female subjectivity related to the notions of desire, pleasure, and sexuality. It allows us to appreciate the mechanism of the camera arousing the viewers’ fantasies, as well as the possibility of a positive objectification of the complex female figure. This study first focuses on the relationships between women, such as the mother-daughter relationship and the homosexual relationship. It then explores the socio-cultural context in which the female characters live through an analysis of language, narration and…

Advisors/Committee Members: Bayard, Pierre (thesis director), Setti, Nadia (thesis director).

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Plus d'une cinquantaine de processus de réconciliation nationale ont vu le jour depuis la fin des années 80, pourtant la réponse reste incertaine, est-il possible de se réconcilier ? Il semblerait que les violences extrêmes qui ont émergé durant le XXe siècle aient créé un paradoxe insoluble : d'un côté, il faut se réconcilier pour éviter de nouveaux massacres (la violence n'entraîne-t-elle pas la violence?), de l'autre, il n'a jamais paru aussi incongru d'en appeler à se réconcilier. Qui a le droit d'intimer l'ordre à un survivant de génocide d'accepter la réconciliation ? La thèse fait l'hypothèse que la réconciliation n'en est jamais vraiment une à cause de l'incapacité de la pensée libérale à penser la violence et plus largement de la difficulté des sciences humaines et sociales à faire face à la violence. Il s'agit dès lors de comprendre le roman scientifique que racontent la philosophie libérale et la justice transitionnelle, puis de réfléchir à une philosophie du concret et du détail, qui se rapprocherait de l'histoire et de l'anthropologie afin de saisir au vif ce que nous appelons, sans vraiment nous y intéresser, violence.

More than fifty thousand processes of national reconciliation have been organised since the end of the eighties. Yet the outcome is still uncertain: is reconciliation possible? The instances of extreme violence which emerged in the twentieth century seem to have created an insoluble paradox. On the one hand, we must accept reconciliation to avoid new massacres. (Doesn't violence generate more violence?) On the other, it seems more incongruous than ever to call for reconciliation. Who has the right to order a victim of genocide to agree to r conciliation? The underlying assumption in this work is that reconciliation never really works because liberal theory cannot conceive of violence, and, more generally, social sciences are unable to deal with violence. As a result, we have to understand the scientific storytelling produced by liberal philosophy and transitional justice. We can then oppose the storytelling to a "philosophy of the concrete" and a philosophy of detail, which draw on anthropology and history in order to grasp what we almost incidentally call violence.

Advisors/Committee Members: Navet, Georges (thesis director).

▼ Les innombrables articulations possibles entre les expressions de la voix et du corps ont traversé toute l’histoire du théâtre et constituent l’un des traits définissant les différentes esthétiques du jeu de l’acteur au fil du temps et des cultures. Or, à partir de la deuxième moitié du XXe siècle, cette problématique est ébranlée par les revendications de plus en plus effectives de l’hybridation des arts, de la valorisation du corps sur scène et d’un détachement du texte dramatique dans le théâtre occidental. Ce dernier aspect démultiplie aussi les possibilités d’agencement du son et du sens sur scène. Ainsi, le jeu de l’acteur, et plus précisément son travail vocal, se réinvente en cherchant de nouvelles manières d’articuler voix et corps, son et sens. Cette quête conduit à une idée d’indissociabilité, sous-entendue dans des termes formulés par des artistes, des formateurs et des chercheurs tels que « voixcorps », « corps vocal » et « vocalité ». Une telle revendication indique paradoxalement que voix et corps étaient perçus comme séparés. En même temps, la notion de « disembodied voice » (la voix désincarnée) devient de plus en plus centrale dans les arts de la scène, dévoilant une fascination pour la voix détachée de sa source charnelle, potentialisée par les nouvelles technologies. L’image d’une dichotomie comme séparation entre voix et corps recouvre ainsi plusieurs métaphores. Il en va de même pour l’idée de décomposer l’unité du son et du sens. Quelles sont les conséquences de ces métaphores dans la formation des acteurs ? Cette thèse porte sur la formation vocale de l’acteur à la lumière des tentatives de jonction et de mise en tension entre voix et corps, son et sens de 1970 à 2010. Il s’agit d’analyser les stratégies pédagogiques qui tentèrent de conjuguer voix et corps, son et sens, en s’appuyant sur un grand nombre de démarches de formation vocale de l’acteur, telles celles de Cicely Berry, Kristin Linklater, Zygmunt Molik, Francesca della Monica ainsi que sur le travail de direction d’acteurs de certains metteurs en scène pédagogues comme Maria Thaís, Anatoli Vassiliev et Antoine Vitez. Ainsi, « dichotomie » est ici comprise à la fois comme la division en deux que l’on sépare nettement et qu’on oppose mais aussi comme les ramifications d’un tronc commun qui bifurque donnant deux directions à une même racine (son sens botanique). Située dans l’entre-deux du corps et du langage, de la biologie et de la culture, du bruit et de l’articulation sensée, la voix a le pouvoir de relier ces catégories, pouvoir qui explique en partie la forte imbrication des dichotomies voix/corps et son/sens. Insister sur la corporéité de la voix dans le souci de relier l’acte de parler au corps peut avoir des impacts sur le rapport entre le son et le sens dans le travail vocal de l’acteur. Dans la même dynamique, les démarches d’interaction entre son et sens peuvent avoir une incidence sur la connexion entre voix et corps. Le rapport direct entre ces deux couples de dichotomies d’un point de vue pédagogique est le fond même de… Advisors/Committee Members: Dusigne, Jean-François (thesis director), Thais Lima Santos, Maria (thesis director).

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Cette étude a pour but d’analyser les conditions et circonstances expliquant l’importation du concept mondial de la RSE en Israël, son intégration et son développement en champ distinct au cœur du champ des affaires.L’examen du processus de glocalisation (du concept mondial vers le local) est réalisé via l’étude de cas spécifique de l’organisation Maala, créée en 1998, en tant qu’initiative sociale et commerciale, destinée à promouvoir le concept de RSE et à favoriser son adoption par les entreprises.Cette étude sociologique associe une structure explicative à une analyse historique et documentaire des données relatives au marché israélien, ainsi qu’à une évaluation rétrospective de la réalité subjective de la chercheuse. Par l’analyse du champ local, l’étude révèle une identité entre Maala en tant qu’organisation et le champ dans son ensemble. Cette organisation glocal détermine les voies d’accès au champ, ses valeurs, systèmes de symboles, institutions, instruments, sa stratification interne, et sert d’intermédiaire entre les champs, local et mondial.L’étude démontre que les dissonances intégrées dans le vécu israélien et dans le secteur des affaires ont fourni au concept de la RSE - élément adoucissant vers un système néolibéral - un terrain conflictuel nécessaire à son développement. Elle permet de comprendre également l’aspect pluridimensionnel du processus de glocalisation. Et contrairement à l’idée répandue, notre conclusion est que dans le cas d’Israël, le processus de glocalisation du concept de la RSE et la formation du champ local ont renforcé les valeurs nationales, voire fourni des canaux d’expression au patriotisme de la communauté locale des affaires.

This study analyses the conditions and circumstances that explain the absorption and development of the global concept of CSR in Israel. It examines the Glocalization process of the formation of a CSR field, by analyzing the case study of the Maala Organization, launched in 1998, as a social-business initiative, aimed at promoting CSR.The sociological study combines an explanatory structure with historical and documentary analysis of data relating to the Israeli market, as well as a retrospective evaluation of the subjective reality of the participating researcher.In analyzing the local field, the study presents an identity between the field and the Maala organization as its creator. The glocal institution determined the field’s entry gates, its values, symbols and language and served as a liaison to the global field. In relating to the built-in dissonances in the Israeli existence, the research presents the CSR concept as a bridging mechanism in the transition to a neoliberal system.The study reflects the multidimensionality of the CSR glocalization process. It presents the role of individual entrepreneurs and their networks in propelling the process. It points out the strategic importance the Israeli field possessed in the global field, as a model for responsible business conduct in a small emerging market. In contrast to the prevailing assumption,…

Advisors/Committee Members: Gorea, Maria (thesis director), Kouts, Gidéon (thesis director).

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Cette thèse de création porte sur les nouveaux enjeux de pesanteur etde légèreté revendiqués par un certain nombre d’artistes contemporains.Nous vivons dans un monde de plus en plus pesant et pourtant les artistesexplorent des moyens de s’extraire de cette gravité pour atteindreune apesanteur théorique. Car l’apesanteur telle que nous nous la représentonsn’existe pas en terme de physique : il s’agit d’un phénomène dechute libre qui crée l’impression de flottement. J’interroge donc la notiond’(a)pesanteur, qui prend en considération cette dialectique de l’envol etde la chute, au sein de nombreuses oeuvres, principalement sculpturales. Jequestionne ma pratique de la sculpture, de l’installation et du dessin à traversle prisme de l’(a)pesanteur, qui construit un véritable rapport aumonde et à l’acte de création. J’utilise les propriétés intrinsèques du matériauafin de générer des sensations de poids ou de légèreté. J’interrogeégalement l’acte de suspendre une oeuvre dans l’espace d’exposition: lasuspension serait-elle aujourd’hui devenue le nouveau socle de la sculpture? De l’espace d’exposition à l’Espace cosmique, l’oeuvre d’art est, depuisla conquête spatiale, de plus en plus présente hors des frontières terrestres.Elle est créée dans l’Espace ou pour l’Espace : l’Espace cosmique serait-il devenu le nouveau lieu de l’art ?A travers les figures de la chute,de l’envol,du suspens,de l’imaginaire spatial,et jusqu’aux figures de l’invisible, l’(a)pesanteur tisse un véritable filrouge à travers la création contemporaine.

This creative thesis is about the new challenges of weightlessness andlightness faced by a number of contemporary artists.We are living in a increasinglyheavy world, yet artists are exploring ways to escape this gravityto reach a theoretical weightlessness. Because the way to display weightlessnessdoesn’t exist in terms of physics: it’s the phenomenon of free-fallingwhich creates this feeling of floating. So I seek to test theweight(less)ness concept, which explores this float and fall dialectic in numerousworks, mainly sculptural. I’m questioning my own practice ofsculpture, installation and drawing, through the prism of weight(less)ness,which builds an actual connection to the world and to the act of creation.I’m using the intrinsic property of the material to generate feelings ofweight or lightness. I’m also questioning the act of hanging a work in theexhibition space : nowadays, has suspension become the new pedestal of asculpture ? From the exhibition space to cosmic Space, artwork increasinglygains presence beyond earth’s boundaries, ever since the conquest ofspace. It’s created in Space and for Space : has cosmic Space become thenew place for art? Through figures of falling, of flight, of suspension, ofimaginary spaces, and even figures of invisibility, weight(less)ness builds averitable guiding light through contemporary creation.

Advisors/Committee Members: Jeune, Francois (thesis director).

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Cette étude traque le corps maternel dans l’histoire de la métaphysique. Chez Platon, il oscille entre chôra, nourrice du vivant, et matrice animale qui gouverne le corps féminin Mais la chôra, n’est pas
« Triton Genos » mais premier environnement de l’être qui est exproprié dès son origine. S’en suit l’errance du corps maternel fondatrice de la métaphysique. La volonté d’effacer le corps maternel est au cœur de la métaphysique définie comme haine et jalousie à l’égard de ce corps. Aristote théorise l’engendrement en soi mais inaugure la tradition de l’infériorisation des femmes due à leur matrice que la médecine gréco-­‐latine entérine. Le christianisme comme « métaphysique des sexes » invente une figure du corps maternel purifié avec la Vierge Marie. Aux XVIIe et XVIIIème siècles, le sujet possède son corps et ses enfants et assombrit la dignité de la personne. Le corps maternel agonise et ce matricide dit la nouvelle économie libidinale qui perpétue l’enfouissement renouvelé de la mère. Le corps qui arrive est machine, sans organes et sans utérus. Un corps fabriqué, instrument de soi, qui célèbre la naissance sans mère. Le corps auto-­‐engendré dit le phantasme masculin d’en passer sans le corps maternel. Son analyse dans la cartographie des philosophes femmes du XXème siècle, universaliste, différentialiste, queer, cyborg, est incontournable. Le point culminant de notre étude mesure les enjeux actuels des biotechnologies, phase finale de l’effacement du corps maternel puisqu’elles tendent à l’externaliser et à l’assujettir. Devant le commencement radical qu’ouvre la naissance qui se fait grâce à la chair matricielle pensante des femmes, ne faudrait-­‐il pas bâtir la nouvelle métaphysique sur une ontologie de la vie basée sur l'ordre symbolique de la mère, seule issue possible pour sortir du désordre de la pensée ?

This study seeks to uncover the maternal body in the history of Metaphysics. In Plato, it varies between the chora, nurse of the living and the animal matrix which rules the feminine body. However, the chora is not « triton genos » but the first environment of the being who is expropriated from its origins. The maternal body can begin to wander and Metaphysics lays on that wandering. The Will of erasing it is at the heart of Metaphysics defined as hatred and jealousy. Aristotle thinks through the Begetting in itself but also ushers in the tradition of devaluing Women’s bodies in particular their womb, which is exactly what the Greek Latine Medicine confirms. The Christianity as “Metaphysics of the Sexes” invents a purified figure of the maternal body with the Virgin Mary. With the XVII and XVIIIe centuries, the subject owns his body and his children and this darkens the Dignity of the Person. The maternal body is dying and this matricide illustrates the upcoming libidinal Economy that perpetuates the burial of the Mother. The new body is a machine, without organs and without a womb. This manufactured body, tool of the Self, celebrates the Birth without the Mother. The self-begotten body represents…

Advisors/Committee Members: Brugère, Fabienne (thesis director).

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De toutes les musiques populaires contemporaines, le rap, né dans le South Bronx à New York vers le milieu des années 1970, est probablement celle que l’on associe le plus communément à l’expression d’un discours masculin misogyne. Les rappeuses elles-mêmes décrivent fréquemment le rap comme un environnement masculin voire hostile aux femmes. Pourtant, depuis 1979, plusieurs générations de rappeuses ont fait le choix d’investir cet espace, écoulant des dizaines de millions de disques et participant de manière significative au développement de cette musique, sans être reconnues à la hauteur de leur contribution la plupart du temps. Cette thèse, inscrite au croisement de la science politique et des sciences de l’information et de la communication, s’intéresse à la façon dont des femmes noires des classes populaires négocient leur place dans une industrie dominée par les hommes. Grâce au rap, elles accèdent à une forme de visibilité sociale dans l’espace public qui leur permet de faire entendre un discours sur le genre, la race et la sexualité à rebours des représentations hégémoniques. La représentation étant un principe organisateur des relations sociales réelles, l’analyse du discours des rappeuses aide à mieux comprendre la façon dont se constituent et sont contestées les normes de genre, de race et de sexualité aux États-Unis. Le rap est aujourd’hui l’un des principaux lieux de (re)production de ces normes, et le terrain d’une guerre de position culturelle à propos des différentes idéologies de genre et de race. Dans le rap, des artistes femmes performent leur genre et leur race et construisent autrement leur identité, loin des modèles dominants de la féminité.

Of all popular music genres, rap – a music born in the South Bronx in New York in the mid-1970s – is the one most commonly linked to a masculine and misogynistic discourse. Even female rappers often describe the genre as a male-dominated and even hostile environment. Still, numerous female rappers have entered this space since 1979, selling millions of records and contributing to the development of this genre, even though they usually don’t get the recognition they deserve. At the crossroads of political science and media studies, this study focuses on how working-class, black women find success in a male-dominated industry and reach social visibility in the public sphere. In their lyrics, female rappers openly discuss gender, race and sexuality and dispute hegemonic representations. Because representation is an organizing principle of social relations, a study of female rappers’ discourse provides us with a better understanding of the way norms of gender, race and sexuality are constituted – and challenged – through rap music. Rap is now one of the main spaces where these norms are (re)produced. It is the battlefield of an ongoing "war of position" involving ideologies of gender and race. In this space, black women express gender and race through performance and negotiate their identity far from the traditional gender norms.

Advisors/Committee Members: Guillarme, Bertrand (thesis director).

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Cette thèse propose une analyse de la contribution de ressources linguistico-énonciatives et textuelles pour la construction du sens et de l‘argumentation dans des productions écrites en portugais d‘élèves de l‘enseignement secondaire général de deux écoles mozambicaines : École Secondaire de Moamba et École Secondaire Josina Machel de Maputo. Justifiée par une nette survalorisation, dans l‘enseignement secondaire mozambicain, d‘une vision rhétorique de construction de l‘argumentation (thèse-arguments) au détriment d‘une vision sémantico-pragmatique basée sur des ressources linguistico-discursives, cette étude vise à apporter une contribution théorique et analytique, en cherchant à inciter les enseignants à prendre en compte la complexité de ces ressources dans leur approche de l‘argumentation, aussi bien dans leur propre formation que dans leur activité d‘enseignement. Du point de vue théorique, l‘étude s‘inscrit au sein des Théories de l‘argumentation dans le discours et s‘appuie sur des études centrées sur des aspects linguistiques (indices de l‘oral, richesse lexicale, structures syntaxiques et morphosyntaxiques), énonciatifs (subjectivité, polyphonie, deixis, modalités linguistiques) et textuels (reprises anaphoriques, progression thématique, connectivité, référenciation et organisation textuelle). Les analyses effectuées nous mènent à la conclusion que dans l‘enchaînement de thèses et arguments pour la construction de l‘argumentation participent et collaborent des ressources linguistiques, énonciatives et textuelles diverses que l‘étude de l‘argumentation ne peut négliger, surtout dans un contexte d‘enseignement spécifique, comme nous semble être le cas de l‘école mozambicaine. Parallèlement, les analyses nous permettent de constater qu‘il existe des caractéristiques particulières de la production écrite issue de chacun des deux établissements scolaires étudiés. Il s‘avère qui ces caractéristiques découlent du profil sociolinguistique des élèves.

This thesis proposes an analysis of the contribution of linguistic, declarative and textual resources to the construction of meaning and argumentation in Portuguese written texts by students in two Mozambican secondary schools: Moamba Secondary School and Josina Machel Secondary School in Maputo. The choice of this subject of study is justified by the manifest overvaluation of rhetorical vision of the construction of argumentation (thesis-arguments) to the detriment of a semantic-pragmatic vision based on linguistic-discursive resources in the Mozambican secondary education. Therefore, this study aims to give a theoretical and analytical contribution, seeking to encourage teachers to take into account the complexity of these resources in addressing argumentation, both in their own training as well as in their teaching career. Theoretically, the study fits in the Argumentation Discourse Theories and it is based on previous studies on linguistic aspects (contents of the oral, lexical repertoire, syntactic, morphological and syntactic structures), declarative…

Advisors/Committee Members: Araújo Carreira, Maria Helena (thesis director).

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L’esthétique de théâtre en Algérie est analysée à travers le prisme des deux paradigmes « action » et « parole », deux dimensions essentielles pour comprendre « le théâtre de parole » et le théâtre dramatique ; deux variantes dynamiques de la présente thèse qui, en rupture avec les études antérieures qui ont tendance à privilégier la perspective historique dans les études théâtrales, réaffirme la valeur esthétique du théâtre algérien, aussi bien au niveau de l’écriture scénique que de l’écriture théâtrale. Le théâtre de parole s’accorde avec le style oral de la société algérienne, une société portée sur l’oralité que l’écriture. La parole est déterminante dans les modalités d’échange, et de transmission des valeurs sociales. Il existe une proximité entre le théâtre de parole et le style oral. La dimension de discours théâtral prend le pas sur l’action théâtrale. La dramaturgie texto-centrée est remise en cause, donnant ainsi une perspective au spectacle joué, au jeu de l’acteur-performer, au conteur performer d’autrefois qui sillonnait les contrées d’Algérie. La dimension de jeu est analysée, à la lumière des théories des auteurs tels que Stanislavski, Brecht, Vassiliev ou Grotowski. L’acteur rhapsodique s’inscrit dans le jeu « médian » ; il n’est pas dans la dimension d’incarnation, mais dans la dimension de représentation du rôle.

The aesthetics of theater in Algeria is analyzed through the prism of two paradigms namely "action" and "speech". "Action" is related to the theater of drama and "speech" is related to what is called "the theater of speech". The notion of speech is predominant in an Algerian society that has developed an oral tradition more than writing. Speech is the determining factor in the modalities of exchange and the transmission of social values. Unlike previous studies in Algerian theater, having given major privileges to the historical perspective, this thesis focuses on the various theatrical expressions written by Algerian writers who have led the Algerian theater since the 1920s till today. The notion of action is investigated through the theories developed by Brecht and Stanislavsky among others. In addition, we study the reception of the Algerian public, an active and dynamic public who like to listen to theatrical discourse.

Advisors/Committee Members: Dusigne, Jean-François (thesis director).

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Cette thèse entend actualiser le diagnostic de Gilles Deleuze sur le « peuple qui manque » en inspectant une série de figures prélevées dans quatre corpus contemporains : les films de Jia Zhangke ; quatre documentaires autour dudit « mouvement des places » initié par la révolution tunisienne de 2010, à savoir Tahrir, place de la libération de Stefano Savona, Maïdan de Sergueï Loznitsa, Vers Madrid de Sylvain George, The Uprising de Peter Snowdon ; les fictions réalistes françaises de Bruno Dumont, Abdellatif Kechiche, Jean-Charles Hue et Rabah Ameur-Zaïmeche ; un ensemble de films récents mettant en scène des figures de migrants clandestins. Le postulat théorique de cette recherche est que le « peuple » n'est pas un donné tangible ni une substance immuable, mais la résultante de configurations symboliques mobiles spécifiant les subjectivitations politiques propres à chaque époque ou épistémè (Michel Foucault est la seconde référence tutélaire de ce travail, et Jacques Rancière la troisième). Son hypothèse analytique veut que la mise en relation de ces films que tout éloigne fasse apparaître les dénominateurs communs aux figures du peuple contemporaines : l'effacement de leurs prédicats, la déroute de leurs perspectives historiques et leur désaffiliation idéologique et statutaire. Articulées ensemble, elles témoignent d'un remplacement du prolétariat par un précariat fondé sur un phénomène de désappartenance, dont cette recherche piste l'isomorphe esthétique à travers les films. Elle en conclut que le peuple ne manque plus, mais clignote.

This PhD aims to update Gilles Deleuze's diagnosis concerning « the people that lacks » through the examination of a range of figures found in four different corpus : the movies of Jia Zhangke ; documentaries made upon the arab spring and the western uprisings that followed these events (Tahrir, place de la libération of Stefano Savona, Maïdan of Sergueï Loznitsa, Vers Madrid of Sylvain George, The Uprising of Peter Snowdon) ; the french realist dramas of Bruno Dumont, Abdellatif Kechiche, Jean-Charles Hue and Rabah Ameur-Zaïmeche ; a set of movies staging figures of refugees. The premise of this research is that the « people » can not be conceived as an eternal substance or a fixed identity, but is to be understood as the product of historical and symbolic configurations specifics to each epoch or épistémè (Michel Foucault is another leading reference of this work, altogether with Jacques Rancière), therefore carving the political subjectivities of an age. The analyses are guided by the hypothesis that, put together, these figures can outline the common characteristics of the people of our time : the erasure of its predicates, the deletion of its former historical perspectives and the fact that it is ideologically and socially disaffiliated. This tends to prove that the proletariat has been replaced by a « precariat » whose existence is determined by a phenomenon of « unbelonging ». This research looks for the aesthetic

Advisors/Committee Members: Blümlinger, Christa (thesis director).

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Qu’est-ce que la liberté chez Spinoza ? Comment la démontre-t-il dans l’Ethique ? Le point de départ de la réflexion est d’examiner le rapport entre l’esprit et le corps chez Spinoza et de démontrer comment cette forme de relation rend possible le projet de libération de l’homme établi par Spinoza dans l’Ethique. Or, le projet de libération de l’homme chez Spinoza commence par une libération de l’homme de sa vie affective. Ainsi, il faut examiner le fondement ontologique des affects pour les expliquer dans le même ordre causal qui détermine le corps et l’esprit. Mais, Spinoza n’envisage pas seulement de répondre à la question du mystère existentiel qui concerne la réalisation de notre liberté dans l’existence, mais aussi de fonder une liberté d’ordre métaphysique, pour établir son fondement ontologique de la vie affective humaine. L’analyse consistera à démontrer que la conception du conatus est essentielle pour la conception nouvelle de la liberté que propose Spinoza. Car, le conatus est la manifestation dans l’existence de la détermination de chaque être de la nature par une cause nécessaire et immanente qui est Dieu. C’est donc à titre d’hypothèse qu’est travaillé le lien entre la conception spinoziste de la liberté et la réalisation de notre conatus dans l’existence.

What is liberation according to Spinoza? How does he demonstrate it in his work Ethics? A jumping off point for answering that question is to examine the relationship between mind and body in Spinoza, and demonstrate how the nature of that relationship makes the liberation of man possible as established by Spinoza in Ethics. Incidentally, the project of a man's liberation in Spinoza begins with the liberation of man from his affective life. Thus, we must examine the ontological basis of man's emotions in order to explain them in the same causal order that determines body and mind. But Spinoza does not only seek to answer the question of the existential mystery behind the realisation of our existential liberation, he also seeks to pave the way towards a metaphysical liberation, to lay the ontological foundation for the emotional life of man. This analysis will consist of demonstrating that the concept of conatus is essential to the new concept of liberation as espoused by Spinoza. Here, conatus is the manifestation of a necessary and immanent cause, which is God, in the existence of the determination of every being in nature. Thus, the hypothesis at work here is the link between Spinoza's concept of liberation and the realisation of our existential conatus.

Advisors/Committee Members: Vermeren, Patrice (thesis director).

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La thèse s’intéresse aux expositions de design graphique, à la fois en tant qu’événements constitutifs de l’histoire de la discipline et en tant qu’espaces (scénographiques et discursifs) où se manifestent ses liens plus ou moins assumés avec la création artistique. Elle s’appuie sur un corpus de quatre cents expositions, organisées entre 1895 et 1995, au sein de trois institutions muséales : le Stedelijk Museum d’Amsterdam, fondé en 1895, le Museum of Modern Art (MoMA) de New York, créé en 1929 et le Musée national d’art moderne-Centre de création industrielle (Mnam/Cci), né en 1993 de la fusion de deux départements du Centre Pompidou. L’étude des archives de ces manifestations met au jour ce que furent les choix de programmation des musées (quels objets, quelles époques, quels graphistes mettent-elles en avant ?) ; mais aussi les différents statuts qui sont conférés aux objets imprimés, par la scénographie ou par les discours qui les environnent. La thèse révèle, notamment, la préférence des musées d’art moderne pour l’affiche, pour le graphisme « d’utilité publique » et pour le travail des « graphistes-auteurs ». À ce graphisme « de musée » sont appliqués des cadres interprétatifs qui le rapproche de la création artistique : assimilation du graphiste à un artiste, omission des circonstances de la commande, description des styles, recherche des influences… Les expositions de « communications visuelles » organisées par le CCI offrent un singulier contrepoint à ce modèle, dans la mesure où elles consacrent moins les « œuvres » du graphisme qu’elles ne s’interrogent sur leur contexte social de production et d’utilisation.

This dissertation looks at graphic design exhibitions both as events that are part of the history of the discipline and as scenographic and academic forums for expressing, more or less consciously, its links with artistic creativity. It is based on the analysis of four hundred exhibitions, held between 1895 and 1995 at three modern art museums : the Stedelijk Museum in Amsterdam, founded in 1895, the MoMA in New York, inaugurated in 1929 and the Musée national d’art moderne-Centre de création industrielle (Mnam/Cci), created in 1993 after the fusion of two separate departments of the Centre Pompidou. The archives of these exhibitions highlights both the choices of programming (what objects, eras and graphic designers do they ?), and the various status confered to printed objects by scenography and surrounding texts and discourses. The dissertation reveals the preference of modern art museums for posters, for graphic design for the public domain, and for the work of ‘graphic designers-cum-authors’. This specific graphic design elected by museums is envisionned according to interpretative frames that likens it to artistic creation through the rapprochement between graphic designers and artists, the omission of circumstances pertaining to commissions, descriptions of styles, search for influences, etc. The ‘visual communication’ exhibitions organised by the CCI provide a striking contrast to this…

Advisors/Committee Members: Antoine, Jean-Philippe (thesis director), Smet, Catherine de (thesis director).

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Cette recherche tente de mettre en évidence les mécanismes d’émergence de la danse contemporaine en France entre 1968 et 1981. Animés par un désir émancipateur de vivre et de danser particulièrement intense dans l’après Mai-68, les danseurs mais aussi journalistes, administrateurs ont produit des micropolitiques au travers desquelles leurs actions collectives et militantes, leurs désirs de pratiques et de danse ont permis de sédimenter, sans pour autant défaire les tensions et la contradictions visibles dès les années 1950, le champ chorégraphique contemporain. Avant d’aborder Mai 68 dans notre première partie, nous dressons un état des lieux du champ chorégraphique dans les années 1950 et 1960 afin de comprendre les conditions d’apparition de cette communauté encore fragile, confrontée à une bataille autour de la notion de modernité entre les tenants d’un héritage « classique » et ceux d’un héritage « moderne ». Si Mai 68 est ensuite envisagé comme un moment politique pour la danse, ses effets « culturels » s’inscrivent tout au long des années 1970. D’abord, ils rendent possible l’accueil des modernités venues des Etats-Unis. Puis, ils favorisent l’installation de modes de production et d’organisation autogérés et collectifs ainsi que des modes de militance en faveur de l’amélioration des conditions de vie et de création. À bien des égards, cette organisation du champ chorégraphique, par les marges et les « forces discrètes », a contribué à ce que l’on a appelé « l’explosion de la Nouvelle danse française » des années 1980.

This research tries to place in a prominent position the mechanisms of emergence of the contemporary dance in France between 1968 and 1981. Livened up by a desire emancipator to live and to dance particularly intense in the after 1968, the dancers but also journalists, administrators produced micropolitics through which their collective and militant actions, their desires of practices and dance allowed to sediment, without undoing the tension and visible contradictions from the 1950s, the contemporary choreograpic field. Before enter upon 1968 on our first part, we draw up an inventory of the choreographic field in the 1950s and 1960s to understand the condition of appearance of this still fragile community, confronted with a battle around the notion of modernity between the upholders of a « classic » legacy and those of a « modern » legacy. If 1968 is then envisaged as a political moment for the dance, its « cultural » effects join troughout 1970s. At first, they make possible the reception of the modernities come from the United States. Then, they favor the installation of self-managed and collective modes of production and organization as well as modes of militance in favour of the provement of the conditions of life and creation. In some respects, this organization of the choreographic field, by the margins et the « discreet strengths », contributed to what we called « the explosion of the New French dance » in the 1980s.

Advisors/Committee Members: Launay, Isabelle (thesis director).

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Cette recherche en science de l’art a pour objet de questionner l’expérience esthétique du théâtre en matière de comportement humain et plus particulièrement de modification comportementale. Trois approches sont ici articulées.La première s’inscrit dans le cadre d’une étude de terrain ayant pour objet de décrire les processus de modification comportementale d’après la pratique de trois metteurs en scène de renommée internationale. Le caractère strictement factuel de cette approche propose une taxonomie des comportements des directeurs d’acteurs et permet de formuler, à partir des résultats, des hypothèses relatives aux diverses fonctions des comportements directifs dans un contexte de création esthétique et de construction du personnage.La seconde approche, propose principalement de voir en quoi l’émergence du behaviorisme et la prise de distance avec une culture mentaliste allait, au début du XXe siècle, alimenter le discours d’une fonction expérimentale du théâtre. Un théâtre qui, comme en témoigne les enjeux proposés par Brecht lorsqu’il évoque un théâtre de l’âge scientifique, sera évoqué comme scène de la recherche d’un changement du monde.Enfin, la troisième approche, appréhende la question de la « scientificité » du théâtre à travers une analyse de la La Mégère apprivoisée de William Shakespeare. Nous observons cela au moyen de l’analyse dramaturgique et de l’analyse fonctionnelle des comportements de ladite mégère et de son « dresseur ».

The present research attempts to question the theater’s aesthetic experience in terms of human behavior and more specifically with regards to its modification. Our investigation unfolds around three methodological approaches articulated herein.The first approach is a field study for which we used a methodology call "descriptive analysis" applied to the behavior modification practices used by three internationally renowned stage directors. In the context of the descriptive analysis we propose a taxonomy of directors’ behaviors and the results allowed us to formulate fact-based hypothesis regarding the causal behavior-environment links (functions) of habitual directive behaviors in the context of aesthetic creation and character construction.The second approach is historical. We found evidence that in the early part of the XXth century, the emergence of behaviorism fed the discourse of theater’s experimental role. One such theater, that Brecht named the theater of the scientific era, had for ultimate vocation no less than to change the world.Finally, the third approach is a textual-dramaturgic analysis for which we used the descriptive analysis tool. In doing so we address the "scientificity" of theater, the symbiosis of an art and a science, via an analysis of William Shakespeare’s "Taming of the Shrew". Concretely, we "observed" the ways the "tamer" modifies the "shrew’s" behaviors.

Advisors/Committee Members: Tancelin, Philippe (thesis director), Légeret, Katia (thesis director).

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Dans le cadre des actuels débats autour du rôle et des pouvoirs des images, notre étude explore, à la lumière de la recherche du philosophe Michel Foucault, l'étendue et les fonctionnements discontinus, et parfois conflictuels, des rapports entre visibilités et pratiques d'images. La première partie de notre travail analyse le rôle des descriptions et évocations picturales des ouvrages du philosophe que l'on peut associer à l'analyse archéologique, s'attachant à montrer la singularité du rapport entre les images et l'émergence historique de différentes « modalités de voir» dans leurs articulations aux pratiques discursives. À l'appui des textes et manuscrits simultanés ou immédiatement successifs à l'élaboration de L'archéologie du savoir, la deuxième partie de la recherche valorise les défis que la question du traitement du visible et des images a lancés à la mise en place d'un champ de cohérence pour l'analyse discursive. Avec une attention particulière portée aux cours inédits sur la peinture du Quattrocento et aux projets sur la peinture de Manet, l'étude retrace les tentatives du philosophe vouées à considérer les dispositions culturelles de la visibilité et les configurations historiques de la présentation visuelle comme des dimensions articulées historiquement par des modalités différentes. La troisième partie analyse, enfin, les expérimentations foucaldiennes concernant des pratiques de l'image, présentant, à partir des conditions d'émergence de la notion d'attitude critique, les enjeux politiques de la réflexion autour des rapports entre visibilité et modernité picturale.

In the framework of the present ongoing debates about the role and power of images, our work aims to explore the extent and the discontinuous characterizing the historical relations between visibilities and practices of images in the light of the research of the philosopher Michel Foucault. The first part analyzes the role of descriptions and pictorial evocations in Foucault's works which can be associated with archaeological analysis; its objective is to show the singular relation between images and the historical emergence of different “modalities of seeing” in their articulations with discursive practices. Thanks to the analysis of texts and unedited manuscripts on painting, the second part points out the discrepancies between the visual dimension of Foucauldian research and the methodological elaboration of the archaeological discourse, with its claim to disclose a field of coherence for the discursive analysis. In light of the debates between art history's methodology and philosophy in France at the time, our analysis presents this apparently marginal section of the research of Foucault as an attempt to consider the cultural dispositions of visibility and the historical configurations of visual presentation as differently articulated through historical modalities. The third part analyzes various Foucauldian experiments concerning image practices. Through the study of archival material, the political stakes of the Foucauldian…

Advisors/Committee Members: Antoine, Jean-Philippe (thesis director).

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Cette thèse s’intéresse aux processus de construction des inégalités scolaires dans la discipline d’enseignement des Sciences de la Vie et de la Terre (SVT), généralement moins soupçonnée que d’autres d’y participer. Elle s’appuie sur les travaux de didactique qui postulent que les savoirs scientifiques proposés en classe doivent être fondés en raison pour mettre au jour la façon dont les formes disciplinaires des SVT, rencontrées par les élèves en 6ème, peuvent participer à produire passivement et activement des apprentissages inégaux et ainsi, conduire les élèves à produire des consciences disciplinaires de pertinence inégale. Une analyse qualitative de textes officiels et de manuels de SVT depuis 1958 permet de mettre au jour les évolutions de la forme disciplinaire à enseigner. Cette dernière s’adresse aujourd’hui à un élève autonome qui doit construire, par lui-même, des savoirs permettant de comprendre des phénomènes biologiques. Ces évolutions rendent l’accès aux savoirs scientifiques difficile pour les élèves qui n’ont que l’école pour y parvenir. Cette approche socio-historique est complétée par une étude synchronique visant à comparer les formes disciplinaires enseignées dans des établissements socialement contrastés. Elles sont analysées quantitativement à partir de la trace qu’elles laissent dans les cahiers des élèves. Selon les contextes, les formes ne sollicitent pas les mêmes types de savoirs, d’opérations de pensée et d’écrits. Ces sollicitations différentielles semblent ainsi participer activement à l’inégale appréhension par les élèves des spécificités de la discipline SVT.

This thesis deals with the processes leading to the development of inequalities at school in the teaching of life sciences, subject often thought not to be relevant on this point. It accounts for studies taking place within the theoretical framework of the problematization, stating that scientific knowledge in the classroom should be based on reason in order to expose how the forms of life sciences as a subject might generate, actively and passively, teaching inequalities. These, in turn, would lead the pupils to develop unequally suited disciplinary awareness. The qualitative analysis of life sciences textbooks and curricula since 1958 shows the evolutions of the subject, and how, today, pupils have to acquire by themselves knowledge essential to the understanding of biological phenomena. These evolutions impede the pupils relying only on school for the construction of their scientific knowledge. This socio-historical approach is completed with a synchronic study aiming at comparing forms of the subjects taught in socially diverse schools. Their quantitative analysis is based on content from the pupils’ notebooks. Depending on the context, forms of the subject don’t solicit and trigger the same knowledge, thinking and writing skills. These differences thus seem to actively contribute to the discrepancies on how pupils apprehend the specificities of life sciences.

Advisors/Committee Members: Rayou, Patrick (thesis director).

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L’enjeu de notre thèse est le développement de certains principes éthiques absolument valables permettant à tout homme de s’orienter clairement dans l’existence, et à toute collectivité humaine de s’organiser de la manière la plus juste et la plus égalitaire possible. Pour faire ceci, nous nous appuyons sur l’ontologie factuale, développée par Quentin Meillassoux. Plus précisément, nous nous appuyons notamment sur sa démonstration de la nécessité absolue de la contingence et nous en dérivons les implications éthiques dont la validité absolue est ainsi également démontrée.La démonstration des principes éthiques absolus et leur application aux données empiriques du monde existant nous permettent ensuite de déterminer clairement les règles justes (concernant, notamment, la production et la distribution des biens), que devrait respecter toute collectivité dans le monde existant. La détermination de ces règles nous permet de conclure que la forme la plus juste de la société, dans notre monde, serait un Etat communiste mondial dont les règles de production et de distribution des biens ne différeraient pas beaucoup des règles des Etats communistes du 20ème siècle. Nous montrons qu’il y a plusieurs différences majeures entre ces deux formes d’Etats communistes, et notamment la suivante : les principes fondamentaux de l’Etat communiste sont maintenant pour la première fois clairement démontrées et deviennent ainsi compréhensibles par tous. Par conséquent, leur légitimation n’a plus aucun besoin de l’idolâtrie aveugle d’un quelconque Chef ou d’un Parti, supposés être au-dessus de notre claire compréhension.

The project of our thesis is to demonstrate certain absolutely valid ethical principles which would enable every man to orient himself in the existence and every community to organise itself in the most just and egalitarian manner possible. We accomplish this demonstration by grounding it in the factual ontology as developed by Quentin Meillassoux. More precisely, we ground the ethical principles in his demonstration of the absolute necessity of contingency from which we derive it’s ethical implications whose absolute validity is thereby also demonstrated.The demonstration of the absolute ethical principles and their application to the empirical facts of the existing world make it possible to determine clearly the just rules that should be respected by every community in the existing world.The determination of these rules brings us to the conclusion that the most just form of society in our world would be a world-wide communist state whose rules of production and distribution of goods would be very similar to those that governed the communist states of the 20th century. We show that there are some essential differences between these two forms of communist states among which especially the following one : the fundamental principles of the organisation of a communist state are now for the first time clearly demonstrated and thereby comprehensible to everyone. Consequently, the legitimisation of these (communist) principles…

Advisors/Committee Members: Vermeren, Patrice (thesis director), Badiou, Alain (thesis director).

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Gustave Flaubert est un écrivain à la fois romantique et antiromantique. De son adolescence aux dernières années de sa vie, il ne cesse d’affirmer son attachement au romantisme, mais en même temps, il porte un regard critique sur certaines tendances des écrivains romantiques. La relation que Flaubert entretient avec le romantisme peut se définir ainsi comme un mélange complexe d’attachement et de critique. Pour éclairer ce rapport complexe de Flaubert au romantisme, notre étude se propose de relire L’Éducation sentimentale. Pourquoi ce roman plutôt qu’un autre ? C’est parce que L’Éducation sentimentale est une œuvre doublement liée au romantisme. D’une part, L’Éducation sentimentale s’inscrit profondément dans la tradition du romantisme, d’abord parce qu’il s’agit d’un roman d’apprentissage, mais aussi parce que ce roman raconte l’histoire d’une génération. D’autre part, Flaubert dresse le bilan du romantisme dans L’Éducation sentimentale. Dans ce roman, il représente en effet à la fois la fin du romantisme passionnel et celle du romantisme social. Ainsi, cette étude tente de relire L’Éducation sentimentale à la lumière de la littérature romantique. Plus précisément, il s’agit, d’une part, de montrer que Flaubert écrit L’Éducation sentimentale avec et contre la littérature romantique et, d’autre part, d’étudier la manière dont Flaubert représente, dans ce roman, l’échec et la déception d’une génération formée par le romantisme. Cette double démarche nous permet de mettre en évidence, sous différents angles, l’ambivalence de Flaubert à l’égard du romantisme.

Gustave Flaubert was a writer at once Romantic and anti-Romantic. From his adolescence to his last years, he continued to affirm his attachment to Romanticism, but at the same time, he took a critical look at some of the patterns of Romantic writers. The relationship that Flaubert formed with Romanticism can be defined as a complex mixture of attachment and criticism. To clarify Flaubert’s complex relationship with Romanticism, our study intends to reread Sentimental Education. Why this novel rather than another? Sentimental Education is a work doubly related to Romanticism. On one hand, Sentimental Education is deeply rooted in the tradition of Romanticism. This is not only because it is a Bildungsroman, but also because it tells the story of a generation. On the other hand, Sentimental Education represents an assessment of Romanticism. Indeed, this novel describes at once the end of passionate Romanticism and the end of social Romanticism. Thus, this study attempts to reread Sentimental Education in the light of Romantic Literature. Firstly, we try to show that Flaubert wrote Sentimental Education with and against Romantic Literature. Secondly, we study the way Flaubert represents, in this novel, the failure and disappointment of the generation formed by Romanticism. This dual approach allows us to highlight, from different angles, Flaubert’s ambivalence toward Romanticism.

Advisors/Committee Members: Herschberg-Pierrot, Anne (thesis director).

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Dans ce travail, nous défendons une idée très féconde : le concept, qui est le « moteur » de l’abstraction philosophique, ne permet plus d’éclairer l’enjeu du débat philosophique en Afrique noire. Or cet enjeu, bien voilé par la platitude du concept philosophique, se joue dans ce que nous avons nommé « le phénomène de conflit de cultures ». Pour monter le bien-fondé de notre thèse, nous avons privilégié une méthode simple qui s’appuie sur deux romans négro-africains (L’aventure ambiguë de Cheikh H. Kane et Entre les eaux de V.Y. Mudimbe), afin d’éclairer le conflit de cultures en Afrique noire. On a pu montrer que le « conflit de cultures » était synonyme de « conflit intellectuel » pour le philosophe négro-africain. En analysant le discours du philosophe africain, dont le style refuse ratages et hésitations, il devenait clair qu’il fallait sortir de ce discours pour lui trouver un « dehors », capable de l’éclairer. Et les deux romans susmentionnés, que nous avons systématiquement analysés dans notre première partie, ont permis de déconstruire le discours du philosophe africain, et ont fini par nous faire voir les contradictions symboliques du « philosopher en Afrique noire ». La deuxième partie de cette thèse essaie de penser l’Africain à l’intérieur d’un monde qui apporte sans cesse la nouveauté. C’est, en un mot, inscrire le Négro-africain dans une histoire qui redonne à l’utopie positive (comme ce qui est de l’ordre du possible) tout son sens. Sous ce rapport, la pensée de la traversée de Bidima réintroduit, dans la pratique discursive en Afrique noire, la dimension du possible, qui refuse les assignations identitaires et les substantialismes béats : l’Afrique noire n’est pas un continent figé, elle est plutôt inscrite dans un temps qui apporte sans cesse la nouveauté.

In this thesis, we stand a very fruitful idea: the concept, which is the « engine » of philosophical abstraction, no longer allows to shed light on the issue of philosophical debate in black Africa. However, this issue, though veiled by the flatness of the philosophical concept functions within what we called «the phenomenon of cultural conflicts of». To mount the validity of our thesis, we favored a simple method that uses two black African novels (Cheikh H. Kane’s L’aventure ambiguë and V. Y. Mudimbe’s Entre les eaux) to illuminate cultural conflicts in black Africa. It has been shown that the "clash of cultures" was synonymous with "intellectual conflict" for the black African philosopher. By analyzing the discourse of the African philosopher, whose style refuses failures and hesitations, it became clear that he had to escape the pitfalls of this discourse to find for himself an "outside", able to enlighten. The above two novels, that we have systematically analyzed in the first part, helped to deconstruct the discourse of the African philosopher, and finally made us see the symbolic contradictions of "philosophizing in Black Africa".The second part of this thesis tries to think of Africans within a world that keeps changing ; that is, in a…

Advisors/Committee Members: Cany, Bruno (thesis director).

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Ce travail de recherche a comme objectif la révision de la logique de la sexuation dans la clinique psychanalytique contemporaine. La thèse freudienne du « primat de phallus », reprise par Lacan d’abord dans sa logique sexuée « être ou avoir », gardera toute son importance dans son tableau de la sexuation, présentée dans le séminaire Encore. Ce tableau de la sexuation, référé au phallus comme au seul et unique signifiant de la différence des sexes, nous laisse “déboussolé” dans la recherche des particularités des modes contemporains d’être sexué. Par contre, nous affirmons que la thèse de Lacan selon laquelle « l’être sexué ne s’autorise que de lui-même […] et quelques autres » trouve toute sa pertinence quant au devenir sexué du sujet contemporain et se met au premier plan dans le tout dernier enseignement de Lacan à travers son étude du parlêtre en terme de nouage et de suppléance. Nous avons ciblé la clinique du pousse-à-la-femme et des femmes-transsexuelles afin de montrer, que la psychanalyse, orientée par le dernier enseignement de Lacan, permet de reconsidérer ces deux cliniques de troubles d’identité sexuelle comme des modes de s’autoriser en tant que sexués. A travers nos cas cliniques, nous prétendons avoir démontré que pour ces sujets, faute de se servir du signifiant phallique « pour tous », il s’agit néanmoins de tentatives pour trouver leur manière sinthomatique de rejoindre dans leur quête identitaire le discours sexuel commun qui soutient pour l’instant la binarité des sexes.

This study aims at a revision of the sexuation logic within the modern psychoanalytical clinic. The Freudian thesis on the "primacy of phallus" was initially assumed by Lacan as a sexuated logic "to be or to have" a phallus, and it kept its importance in his later works, it was especially developed in his XX Seminar "Encore" in the table of sexuation. We have demonstrated that as far as the table of sexuation refers to the phallus, described in terms of the phallic function, that continues to be the only signifier of the difference between the sexes, we can hardly apply it to studying some of the particularities of the modern modes of sexuation. On the contrary we suggest that Lacan’s thesis that "the sexuated being is authorized only by himself [...] and by some others" remains valid as far as the becoming of the modern subject is concerned and it is brought to the forefront in the last teaching of Lacan through his study of the "talking being" in terms of knotting and suppliances. Therefore we have chosen the study of the the clinic of the push-to-be-the-woman and that of transsexual women in order to demonstrate that psychoanalysis oriented by the last teaching of Lacan gives us the possibility to reconsider these two clinics of sexual identity disorders in terms of modes of auto-authorization as sexuated. Via our clinical cases we suggest that these subjects left out of the possibility to appeal to the phallic signifiers "for everybody", try nevertheless to find their sintomatic way to join the common sexual discourse…

Advisors/Committee Members: Marret, Sophie (thesis director).

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Cette thèse a pour objet d’étude théorique/pratique la performance et le performer. Il s’agit, plus précisément, de l’étude de l’utilisation de la mythologie personnelle du performer dans des processus de recherche, de créations de mises en scène et/ou des performances pour lesquelles le matériau de construction est l’univers personnel du performer. La problématique de ce projet est donc la mise en scène de la mythologie personnelle du performer qui donne son origine à une performance située entre l’autobiographie et l’autofiction. Il est question d’étudier la performance, plus précisément celle dite « autobiographique », en élargissant le champ de recherche à des créateurs qui associent le théâtre et la danse, mais également au champ des arts plastiques.A travers ce croisement des disciplines et le surgissement des nouvelles formes artistiques qui en découlent, l’objectif de ce travail est d’étudier le performer et la performance en tant que « signature » personnelle. Il est question ici de témoigner et de repérer un parcours singulier qui est à l’origine d’un processus artistique pratique/théorique lequel assume des formes esthétiques inévitablement individuelles, tout en dépassant l’affaire privée pour arriver à une notion plus large et collective. La tentative est celle d’assumer les influences et les métissages à travers lesquels nous nous sommes constitués. Elles ont ouvert la possibilité de regarder à l’intérieur de moi-même les chocs qui ont créé des itinéraires pour ensuite les accepter en tant que matériau pour ma propre création artistique.

This thesis aims to study the theoretical and practical performance of the performer. More specifically the study of “personal mythology” of the performer, from portrayals of creation and performance for which the building material is the personal universe of the performer. The challenge of this project is the staging of the personal mythology of the performer that gives origin to a performance somewhere between autobiography and self-fiction. I propose a study of the performance, specifically the so-called "autobiographical", expanding the search field to other artists who combine theatre and dance as well as in the visual arts field. Through these cross disciplines and the emergence of new artistic forms derived from it, the objective of this work is to study the performer and the performance as a "signature", analysing the creative process using autobiographical material, personal mythology, and the influence of that on my own creative process as a practitioner. Points such as the self, body, identity, signature, name, meeting and collaboration are approached to talk about personal mythology as a set of autobiographical events related to memory, the experiences and the dreams. The autobiographical material will serve as starting point for the construction of a work. The myth can then be the symbolic representation of a past time and a form created according to individual experiences.

Advisors/Committee Members: Amey, Claude (thesis director).

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Walter Benjamin a fait du « boîtier » et de la « maison de rêve » les « mode[s] d’existence du XIXe siècle ». En suivant ses pas, ce travail se propose d’explorer l’architecture moderne et contemporaine afin d’identifier ce qui pourrait manifester, non pas l’arbitraire des architectes, mais « une constellation historique objective » et constituer ce qu’il appelle une « preuve dans la vérité de l’action actuelle ».Selon lui, ce sont les architectes modernes qui ont inauguré la sortie du « boîtier » et, avec leur « goût pour la porosité, la transparence, la pleine lumière et l’air libre, […] mis fin à la façon ancienne d’habiter. » Pourtant, force est de constater que l’essentiel de leurs réalisations était moins l’expression d’une sortie ou d’un réveil, que de ce qu’il décrit comme une « fausse délivrance ». Celle-ci a néanmoins déclenché un nouveau rêve qu’il n’a eu de cesse d’interpréter en décrivant façades et seuils auxquels, depuis plus de vingt ans, les architectes cherchent à donner forme. Mouvantes et singulières, ces nouvelles façades nous obligent à aborder sous un jour nouveau la technique du mur-rideau. A la différence de la façade fondée classique et de la « façade libre » des modernes, cette façade suspendue défie les lois de la statique ordinaire et les oppositions binaires. Pur produit de la révolution industrielle, elle s’avère être à présent la substance qui fait exploser la mentalité qui en était à l’origine car elle abolit, plus qu’elle ne la reconfigure, l’opposition – c’est-à-dire la hiérarchie – entre dedans et dehors, privé et public, structure et ornement et, par extension, proche et lointain, infrastructure et superstructure, sujet et objet.

Walter Benjamin developed the « shell » and the « dream house » as the « condition[s] of nineteenth-century existence. » Following in his footsteps, this work aims to explore modern and contemporary architecture in order to identify what could be « an objective historical constellation » instead of the arbitrariness of architects and constitute what he calls « evidence in the truth of the actual action ».According to him, modernist architects have launched the exit of the « shell » and, with their taste for « porosity and transparency, [their] tendency toward the well-lit and airy, ha[ve] put an end to dwelling in the old sense. » However, we have to admit that the majority of their buildings was less the expression of an exit or an awakening than what he describes as a « false liberation ». The latter has nonetheless triggered a new dream he has never ceased to interpret when describing façades or thresholds, which architects have aimed to give shape for the last twenty years.Both moving and unique, these new façades compel us to view the curtain wall technique in a new light. Contrasting with the classic founded façade and the modern free façade, this suspended façade defies the laws of ordinary statics as well as binary oppositions. Emerging from the industrial revolution, it has now become the substance which blows up its original mindset as it…

Advisors/Committee Members: Brossat, Alain (thesis director).

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Cette recherche aborde l’image du visage à l’aune de sa prise en charge par la photographie comme de ses corrélats techniques et esthétiques. On interroge ainsi le portrait, dans le champ de l’art et du sans-Art, en ce qu’il dépasse les codes d’une catégorie générique attachée à la représentation des personnes. On s’intéresse notamment à la situation sur laquelle il repose, dont il semble non seulement traduire et étendre le vis-À-Vis paradigmatique, mais également, l’intensifier.Parallèlement, en s’appuyant sur les mythes qui questionnent l’homme en son apparaître et son imaginaire ainsi que sa nécessité à expérimenter et à créer, on interroge les raisons pour lesquelles, à défaut de cerner occasionnellement l’ipséité d’un visage en échappée, le portrait est en mesure de générer une expérience de l’identité comme connaissance de soi et d’un autre que soi, à la fois pour l’auteur qui imprègne une image, pour un acteur qui y joue son être imageant, et pour un récepteur qui en traverse la figurance. Dans cet entrelacs, entre le visible et ce qui ne l’est pas, semble se tisser la moire d’une rencontre impalpable, rencontre de vies incarnées par des affects, rencontre en laquelle se risque le souffle d’une poétique et où s’entrevoit, de visage à visage, un élan, un geste, un aller vers, engageant l’humain en son être au monde, par le regard et par la main, et en vertu d’un rapport et d’un déplacement. Si alors, au point de contact avec un autre visage se fige une possible fascination hypnotique, le mouvement du sensible, à travers l’espace et le temps, nous amène à considérer, entre apparition et disparition, un en deçà et un au-Delà de la rencontre, c’est-À-Dire, autant le moteur d’une érotique arrimée à la question du désir, qu’une traversée de l’éther de la psyché par une dynamique qui, de personne en personne, d’être en être, se renouvelle à l’infini. La rencontre que nous tentons d’approcher ici relève ainsi d’une expérience du visage, telle qu’elle en creuse parfois l’énigme métaphysique ou en découvre le charme, mais aussi, et surtout, telle que l’imageant, dans le vivre ensemble ou la solitude, elle entame une réflexion qui s’avère être aussi une voie, et peut-Être en ce sens, un voyage de la pensée pour un discernement, pour un envisagement. Au fil d’un temps décousu et recousu qui, de la naissance à la maturité et à la vieillesse, est celui de l’existence humaine et de sa traversée, au fil d’un temps, donc, qui impose le dépassement d’une condition arbitraire et inéluctable qui, de génération en génération, est intensément tissée de valeurs impressives toujours reconduites et toujours revécues, au fil d’un temps voué à l’ultime, mais aussi à un recommencement, chaque chapitre de cette thèse est ainsi une occasion d’exploration de visages en rencontre, de visages en chemin.

The subject of the present study focuses on the technical and aesthetic correlates of the facial image in photographic representation. Hence, the analysis undertakes to examine the notion of the portrait as such, both with respect to the…

Advisors/Committee Members: Soulages, François (thesis director).

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Cette thèse analyse le traitement public du chômage artistique en France. Elle prend pour objet deux dispositifs publics spécialisés, qui visent le « retour à l’emploi » d’artistes demandeurs d’emploi et/ou allocataires du RSA : l’un relève de la politique nationale de l’emploi (ANPE puis Pôle emploi spectacle), l’autre de la politique sociale départementale (RMI puis RSA artiste). L’enquête, socio-historique et ethnographique, a été conduite à Paris et en Gironde entre 2010 et 2014. Elle a permis de récolter un matériau diversifié, composé d’archives administratives, d’entretiens et d’observations, à tous les niveaux de l’action publique – ministères et élus locaux, experts et partenaires institutionnels, cadres territoriaux, street-level bureaucrats et usagers. La spécialisation sectorielle d’une action publique généraliste accentue les tensions relatives à l’organisation institutionnelle, à la formalisation des rôles professionnels et au traitement ordinaire des usagers. D’un côté, les agents de l’administration des vocations tentent d’adapter des usagers suspectés d’onirisme à la « réalité » du marché de l’emploi. De l’autre côté, ils s’efforcent eux-mêmes de se conformer au fonctionnement d’un domaine d’activités peu porté vers l’intermédiation publique. L’incongruité du rapprochement entre logique bureaucratique standardisée et impératif artistique de singularisation permet de renouveler l’analyse de l’individualisation d’un traitement de masse, caractéristique structurante de la régulation politique des rapports sociaux.

This thesis analyses the public handling of unemployment in the French arts sector. It examines two specialised public schemes devoted to the ‘return to work’ of artists living on welfare benefits. One pertains to national employment policy (ANPE agency, then Pôle emploi spectacle), while the other falls under departmental welfare policy (RMI, then RSA artiste). Socio-historical and ethnographic research was conducted in Paris and in the department of Gironde between 2010 and 2014. The resulting material is varied, including administrative archives, interviews and observations at all public policy levels – with ministers and local representatives, experts and institutional partners, civil service managers, street-level bureaucrats and clients. The sectoral specialisation of a generalist public policy increases tensions surrounding the institutional organisation, the formalisation of professional roles, and everyday interactions with clients. On the one hand, the agents of this administration of vocations tend to seek to adjust clients often suspected of being dreamers to the ‘reality’ of the job market. On the other, they make efforts themselves to adjust to the workings of a field of activity where public intermediation is not well perceived. This unlikely balance between a standardized bureaucratic rationale and the artistic imperative of singularity sheds new light on the analysis of the individualization of a mass treatment, which is a structuring feature of the political regulation of…

Advisors/Committee Members: Jeanpierre, Laurent (thesis director), Dubois, Vincent (thesis director).

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Au cours du XXème siècle jusqu’à aujourd’hui, des artistes d’horizons divers ont revendiqué comme oeuvres des gestes banals, effectués dans l’espace public. Réalisées au sein de la foule des grandes villes, aucune de ces actions n’a pourtant eu lieu en présence d’un spectateur. En raison de leur indiscernabilité artistique lors de leur effectuation, nous les nommons des « actions furtives ». Considérant que l’adjectif furtif qualifie ce qui cherche « à échapper au regard, à passer inaperçu », comment ces actions deviennent-elles oeuvres ? Notre travail s’attache à étudier ce paradoxe à travers notamment l’oeuvre de Vito Acconci, Adrian Piper, Jiří Kovanda ou Francis Alÿs. Nous cherchons à saisir l’élan qui a mené ces artistes à quitter les lieux traditionnellement consacrés à l’art pour embrasser la foule des grandes villes et faisons l’hypothèse d’une « attitude de la modernité » ; l’artiste s’engage activement dans le monde et son élaboration. Nous étudions ensuite la façon dont l’action furtive devient oeuvre et la structure qui se dessine, entre dissimulation et révélation. Les publications permettent à l’action furtive de faire oeuvre et fonctionnent comme des « écrans » qui désignent l’acte passé et le cachent à la fois, orientant la perception du spectateur à rebours. Enfin nous analysons la réception de l’action furtive devenue oeuvre, dont le délai instaure une relation dialogique et contribue à transformer le public. L’oeuvre affirme ainsi sa valeur d’exemplarité et invite le spectateur à agir.

Throughout the XXth century and still today, artists of diverse horizons have claimed for ordinary acts done out in public spaces the status of artworks. Created amidst big city crowd, none of these acts, however, took place in the presence of a spectator. Due to artistic indiscernibility during their effectuation, we name them “furtive actions”. Considering the adjective “furtive” to qualify which seeks to “to escape the look, to go unnoticed”, how might such actions become artworks? Our task is to study this paradox, notably through the works of Vito Acconci, Adrian Piper, Jiří Kovanda or Francis Alÿs.We aim to apprehend the energy that led these artists to leave the sites traditionally dedicated to art in order to embrace the metropolitan crowds. We propose as hypothesis an “attitude of the modern”; the artist engages actively within the world and its elaboration. We then study the way furtive action becomes art work and the structure that takes shape, between dissimulation and revelation. These publications enable the furtive action to become art and to function as “screens” that indicate the past act and at the same time conceal it, orienting in reverse the perception by the spectator. Finally, we analyze reception of the furtive action become art work, wherein the time-lapse sets up a dialogic relationship and contributes to a transformation of the public. The art work thus asserts its value of exemplarity and invites the spectator toward action.

Advisors/Committee Members: Antoine, Jean-Philippe (thesis director).

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L’objectif de cette thèse est de comprendre comment Luc Ferrari construit l'hétérogénéité de sa musique. Le compositeur conçoit la création comme un espace dans lequel, d'après ses mots, des idées qui n’ont pas « fatalement de liens entre elles » se rencontrent. L’œuvre devient alors un espace de cohabitation, de frottement, dans lequel d’autres composantes partagent l’espace avec « la musique », au sens étroit du terme. Avec les propositions lieu, récit et expériences, il sera question de tentatives pour caractériser ces composantes autres qui constituent l’hétérogène ferrarien. Dans la première partie, « musique et lieu », nous voyons comment les œuvres deviennent, par moments, des lieux. Des espaces réels, extérieurs, en rapport à un vécu. Á ce propos nous analyserons Hétérozygote. Dans la deuxième partie, « musique et récit », nous étudions l’importance que le compositeur donne à la narration dans ses œuvres, partant de sons anecdotiques jusqu’à l’évolution générale de scénarios. Avec l’analyse de Far-West News, nous mesurons comment Luc Ferrari construit des œuvres qui s’appuient tout autant sur une forme musicale que sur le développement des histoires. Enfin, avec la troisième partie « musique et expériences », nous voulons faire référence à une confluence de vécus : les anecdotes présentées par Luc Ferrari résonnent dans le vécu des auditeurs, qui déversent leurs expériences au sein des œuvres. Par l’expression de son vécu, Luc Ferrari appelle et travaille avec ces expériences subjectives des auditeurs, qui partagent aussi l’espace des œuvres. L’œuvre à analyser dans cette partie est Chantal, ou le portrait d’une villageoise.

The objective of this thesis is to understand how Luc Ferrari builds the heterogeneity of his music. The composer conceives creation as a space in which, according to his words, ideas that do not “necessarily have links between them” meet each other. Pieces then become a space of cohabitation, of friction, in which other components share space with "music", in the narrow sense. The propositions “place, story and experiences” are attempts to characterize these others components that constitute the heterogeneous of Ferrari’s music. In the first part, "music and place," we see how pieces become, at times, places. Real spaces, externals, in relation to a lived experience. In this part we will analyse Hétérozygote. In the second part, "music and story", we study the importance that composer give to the narrative in his work, starting from the sons anecdotiques to the general evolution of scenarios. With the analysis of Far-West News, we measure how Luc Ferrari’s works rely as much on musicals forms as on the development of stories. Finally, with the third part, "music and experiences", we want to refer to a confluence of experiences: the anecdote of the composer resonates in the experience of the listeners, who dump their experiences into the pieces. Through the expression of his experience, Luc Ferrari calls and works with these subjective experiences of listeners, who will also share the…

Advisors/Committee Members: Ferrari, Giordano (thesis director), Solomos, Makis (thesis director).

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Le livre de Ruth conte un récit qu’il situe dès son premier verset à l’époque des Juges. Sa place dans le canon biblique hébraïque, qui le positionne dans le sous-groupe des Écrits (Ketuvim), ainsi que certains traits de la langue utilisée, ont pu faire penser à une rédaction postexilique tardive. L’objectif de ce travail de recherche est d’étudier la formation et l’évolution du rouleau de Ruth et ainsi, ses messages à caractère politique et les mœurs qu’il a su décrire. Le modèle qui se dégage de cette étude montre une formation et une évolution complexes, en plusieurs strates de rédactions, et avec plusieurs auteurs. Par sa taille assez courte, le livre de Ruth permet de faire cette analyse dans des conditions de laboratoire. On peut y observer des styles de langue distants entre eux de plusieurs siècles, avec des tournures caractéristiques d’une langue paléo-hébraïque jouxtant des expressions influencées par l’araméen, des incohérences logiques dans le texte, et enfin des réminiscences d’un culte polythéiste. De cette façon, ce travail nous fait faire un voyage à travers le temps qui débute par une histoire populaire, celle d’une moabite en terre de Judée, datant vraisemblablement du début de la royauté vers l’an -1000 avant notre ère. Ce voyage fait ensuite une halte vers les septième ou sixième siècles avec une première mise par écrit. Il se conclut finalement au cinquième ou quatrième siècle, après le retour de l’exil de Babylone, période où la version du livre de Ruth que nous possédons actuellement avec le texte massorétique est probablement rédigée.

According to the initial verse of the Book of Ruth, the story takes place during the period of the Judges. However, its place in the Hebrew Bible canon, where it is revealed in Writings (Ketuvim), as well as linguistic aspects of the text, has led scholars to believe that the book was composed during a late post-exilic period. The purpose of this study is to learn the development of the Book of Ruth and in particular, the political messages and customs of that precise period. Thanks to the conciseness of the story, an analysis in a laboratory-like environment is possible. The model that results from this study displays a very complex textual construction of several layers of writings and multiple authors. In turn, it enables one to observe various language styles scattered over a period of several centuries. Some of the language expressions are characteristic of Paleo-Hebrew and some are influenced by Talmudic Aramaic. There also appear to be logical inconsistencies within the narrative and reminders of a polytheistic cult. This research takes us on a journey through time that begins as a folktale of a Moabite woman in the land of Judea, probably from the turn of Royalty around the year 1000 BC. The journey halts unexpectedly during the seventh or sixth century BC, as its first writings appear during this period. It finally concludes during the fifth or fourth century BC, with the return to Zion from exile in Babylon, a period in which the Masoretic version of…

Advisors/Committee Members: Gorea, Maria (thesis director).

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Au moment où les artistes revendiquent la totalité des objets composant la réalité comme source matérielle pour l’art, on se voit dans la nécessité de réfléchir sur les usages et appropriations créatives spécifiques d’images photographiques. En avançant ainsi d’un cadre général vers le particulier, on vise à instaurer une réflexion centrée sur l’utilisation de photos déjà existantes dans les pratiques artistiques visant la fabrication d’une œuvre photographique. Cependant, le fait de créer à partir d’un objet déjà créé qui ici est une photo, n’étant pas sans problèmes, qu’en est-il d’une forme photographique, de même que d’une expression subjective qui garderait un rapport de dépendance avec la nécessité de l’existence préalable d’une image technique ? Que se passe-t-il quand voit le jour, dans ce contexte, une image d’image ? En ce sens, quand le faire photographique devient un refaire à partir d’une photographie déjà existante, nous rapportons-nous de la même manière aux photos, aux processus et procédés photographiques en art et finalement aux œuvres photographiques, voire à la photographie et à l’art lui-même ? Les problèmes élaborés, dans ce contexte particulier, face aux œuvres et à l’aide de théories et notions nous permettent de repérer des éléments en vue d’une esthétique de l’exploitation en photographie de photos déjà existantes, et nous exposent à des aspects politiques, légaux, éthiques, etc. de ces actions, qui placent les photos au centre des processus et procédés en photographie.

In a time when artists claim the totality of objects composing reality as a material source for art, we find it necessary to reflect on the uses of and creative appropriations specific to photographic images. In moving thusly from a general framework to a specific one, we intend to introduce a reflection centered on the use of pre-existing photos in artistic practices that themselves are directed towards the creation of a photographic oeuvre. However, and given the problematics associated with creating from an already-created object, in this case a photo, what is in it of a photographic form that as a subjective expression keeps a link of dependence with the necessity of existence that is precondition of a technical image? What happens when an image of an image enters the world in this context? In this sense, when doing photography becomes redoing from a pre-existing photograph, do we approach photos, photographic processes and procedures in art and finally photographic oeuvres, or even photography and art itself in the same manner? The questions that are developed in this specific context, in response to artworks and with the aid of theories and notions, permit us to identify elements towards an aesthetics of the photographic use of pre-existing photos, and expose us to political, legal, ethical, and other aspects of these actions, placing photos at the center of processes and procedures in photography.

Advisors/Committee Members: Soulages, François (thesis director).

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Notre pratique d’expert psychologue au pénal nous a amenée à entreprendre cette recherche, sur les crimes passionnels. Cette catégorie, non reconnue par le droit met l’accent sur ce qui se joue parfois de façon dramatique entre un homme et une femme. Amour, crime et folie fondent l’humanité.La criminologie, au XIXe siècle, à partir des aliénistes et de la médecine légale, s’inscrivant dans un mouvement de défense sociale, a posé la question de la folie et de la dangerosité de ces criminels. Au XXIe siècle, le signifiant majeur est violence faite aux femmes, la femme devient victime ayant des droits à défendre. La psychanalyse, avec Freud et Lacan mettent la dimension de l’acte et du désir au cœur de la psyché. Lacan a montré, avec Aimée la dimension imaginaire du crime, puis sa dimension symbolique dans les années 50. Avec son dernier enseignement, et l’invention de l’objet a, la causalité du passage à l’acte est psychique et s’inscrit dans le réel.Reconnaître le hors sens du crime permet de ne pas disjoindre passage à l’acte et personnalité, et peut amener le sujet à accéder à sa responsabilité et à être jugé en conséquence.Les neurosciences ne peuvent dire ce qu’est l’amour ou le crime, les techniques actuarielles ne permettent pas de le prédire.L’amour est un semblant qui voile l’impossible du rapport sexuel. La clinique continuiste de la psychose, formulée par Miller met l’accent sur la nécessité de l’invention au cas par cas. Lors de séparations, lorsque l’amour ne fait plus sinthome, face à une irruption de jouissance, le sujet s’il ne trouve pas de solution, peut passer à l’acte.Il s’agit alors de suicide altruiste, dans un acte d’ « amour altruiste ».

Our pratical experience as a psychologist expert in court, has led us to undertake this research into crimes of passion. This category not recognized by the law, emphasizes the dramatical situation arising between man and woman. Passion, crime and madness are the basis of mankind.19th century criminology from psychiatrist and forensic science onwards, as part of a social protection movement has stated the question of madness and dangerousness of these criminals. Nowadays, in the 21st century, the most significant signifier is woman’s abuse : women are victims with rights to fight for.Psychoanalysis, with Freud and Lacan make act and desire, central to psyche. Lacan has shown with Aimée the imaginary dimension of crime, then evolving into a symbolic dimension in the fifties. With his latest teaching and the invention of the object « a », causality of acting out is psychic and anchors in the real.Admitting the absurdity of crime prevents us from separating act and personality and can bring the subject to accepting his responsability and be judged consequently.Neurosciences are helpless to say what is passion or crime, and actuarial techniques do not help us to predict it. Love is a pretence masking the impossibility of the sexual intercourse. The clinical approach of continuist psychosis, as formulated by Miller, emphasizes the importance of invention…

Advisors/Committee Members: Miller, Gérard (thesis director), Alberti, Christiane (thesis director).

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Notre thèse propose un parcours au sein de l’œuvre de Pascal Quignard. Nous y mettons en évidence les difficultés, pour le critique universitaire, à construire une lecture qui ne soit pas une simple paraphrase de ce qu’écrit Quignard. L’écrivain, en effet, commente ce qu’il écrit et met, lui-même, en perspective tout ce qu’il publie. Notre lecture de Quignard n’est pas une approche érudite de l’œuvre de l’écrivain, elle est guidée par le souci de donner à lire les effets produits par les textes. Dans un premier temps, nous nous intéressons à l’articulation entre écriture et souffrance, le fait d’écrire est présenté comme un geste de survie qui permet de métamorphoser l’existence de l’auteur. Nous montrons comment des moments vécus par l’auteur sont sans cesse repris dans ses textes et structurent la construction de l’œuvre. Dans un deuxième temps, nous tentons de cerner la cosmogonie que met en place Quignard, il décrit les lois du vivant qui conditionnent notre rapport à la vie et à la sexualité. La différence sexuelle est présentée comme un absolu qui vient couper l’humanité en deux. Hommes et femmes sont fondamentalement différents pour Quignard, il consacre de nombreuses pages à expliquer la nature de cette différence. Nous essayons ensuite de comprendre la place de l’amour dans l’œuvre de l’auteur, l’amour apparaît comme une fusion qui permet aux individus de dépasser leurs propres limites. L’amour est aussi l’occasion de retrouvailles avec des sensations prénatales ; la mère, aimée et haïe, est une figure centrale de l’œuvre de Pascal Quignard.

In our thesis we suggest a journey inside the works of Pascal Quignard. We bring to the fore the difficulties, for an academic critic, to build a reading that is not a simple paraphrase of what Quignard writes. The writer actually comments what he writes and give himself angles to everything he publishes. Our reading of Quignard is not an erudite approch of his works, it is willing to show some effects produced by the texts. In the first part, we take an interest in the articulation between writing and suffering. To write is presented as a survival gesture that allows a metamorphosis of the writer’s life. We show how moments lived by the author are constantly take up again in his texts and how they structure the construction of the works. In the second part, we try to grasp the cosmogony that Quignard creates, he describes the laws of life that conditions our relationship to life and sexuality. Sexual difference is presented as an absolute that cuts humanity in two. Men and women are fundamentally different according to Quignard, he devotes many pages to explain the nature of this difference. Finally, we try to understand the status of love in the works of Quignard, love appears to be a fusion that allows individuals to exceed their own limits. Love is a way to feel again antenatal sensations; the mother, loved and hated, is a key figure in the works of Pascal Quignard.

Advisors/Committee Members: Clément, Bruno (thesis director).